Un descubrimiento, Frank Bohbot

Franck Bohbot es un fotógrafo francés cuya obra se caracteriza por un uso de los colores y la composición que aporta un aire de irrealidad a sus imágenes.

© Franck Bohbot

Nacido en Longjumeau en el año 1980. Comenzó trabajando como fotógrafo de escenografías, y no cabe duda de que algo de ello hay en su obra. Cualquiera de sus fotografías tiene el aire de un escenario prefabricado pese a que retratan lugares reales.

© Franck Bohbot

En el año 2013 se instaló en Nueva York y pocos meses después en Los Ángeles. En verano visita a su familia en Seignosse, una localidad del norte de Europa, donde realizó su serie titulada Forever Young.

© Franck Bohbot

En sus fotografías el paisaje urbano languidece, se viste de colores pastel y se deshace de sus pobladores. Los lugares que capta con su cámara parecen maquetas o escenas de alguna película de Wes Anderson; simétricos, con los colores desvaídos como de diapositivas antiguas y con la presencia humana precisa, no más de la necesaria.

© Franck Bohbot

Es la luz, plana, plomiza, la que otorga a sus fotografías una irrealidad fascinante, la luz del verano y la playa sumada a escenarios que bien podrían ser de cartón piedra se combina con personajes que parecen ausentes, ajenos al fotógrafo y su cámara.

© Franck Bohbot

La serie titulada Forever Young es una obra maestra de composición y uso de la luz. Son fotografías tomadas en un parque acuático francés y convierten un espacio artificial de descanso dominical en un lugar de sueño, extraño y colorido en la forma, pero lo que retratan es tristemente verosímil y gris.

© Franck Bohbot

Enlaces de interés.
Su cuenta en Instagram. 
Su web. 

Retrospectiva de Lee Friedlander en Fundación Mapfre

A partir del próximo día 1 de Octubre podrá visitarse en la sala Recoletos de la Fundación MAPFRE, la exposición Lee Friedlanderun completo recorrido por la trayectoria del fotógrafo norteamericano que, tras más de sesenta años fotografiando a diario, continúa en activo en la actualidad.

En su obra, Friedlander (Aberdeen, Washington, 1934), contrarresta los ideales de la práctica moderna mirando hacia la cultura popular en busca de inspiración, de forma parecida a como lo hacía el arte pop, rompiendo así los medios de representación tradicionales. Para ello incorpora un repertorio banal, crea argumentos visuales confusos y sacude al espectador con un sentido de la ironía derivado de yuxtaposiciones de objetos e ideas aparentemente inconexas que contrasta con la seriedad de los antiguos profesionales.

LA EXPOSICIÓN

La exposición propone un completo recorrido cronológico por su extensa obra, destacando algunos de sus proyectos más significativos, como American Monuments. Además, se muestran algunas de sus publicaciones más significativas y materiales de carácter documental que dan a conocer la compleja obra de uno de los fotógrafos más influyentes de nuestro tiempo.

Años sesenta

Durante los años sesenta, los trabajos por encargo obligan a Friedlander a viajar por todo el país, lo que redunda en su trabajo más artístico. Realiza numerosos retratos de músicos de jazz por encargo de Marvin Israel, director de la discográfica Atlantic Records, las únicas muestras de fotografías a color que encontramos a lo largo de toda su trayectoria, así como otros proyectos más personales. Es el caso de The Little Screens. Un conjunto que pertenece (exceptuando una de ellas) a las Colecciones Fundación MAPFRE y en el que aparecen elementos que serán recurrentes a lo largo de su trabajo como es la unión de objetos dispares que en su asociación generan ironía y humor.

De esta época son también sus primeros viajes por Europa. Por primera vez se exponen una selección de once fotografías realizadas en España en 1964.

Años setenta y ochenta

Durante los años setenta Lee Friedlander depura su lenguaje y las yuxtaposiciones de las anteriores fotografías disminuyen, en una organización del espacio que resulta menos caótica:  Albuquerque, Nuevo México, 1972, es un buen ejemplo, pues en esta imagen todos los objetos se contemplan con la misma nitidez.

Una de las características relevantes de la obra del artista, es la subversión de las reglas de la fotografía, un aspecto se hace especialmente evidente en The American Monument, 1976, uno de sus proyectos más conocidos, pero también en los desnudos y autorretratos, así como en las fotografías familiares. Estas últimas, a las que Friedlander otorga un especial cuidado y atención, son imágenes que aparentemente podrían haber sido tomadas por cualquiera de nosotros, pero muestran el mayor cariño y respeto, lo que no quiere decir sentimentalismo. Maria, Las Vegas, Nevada, 1970, es una de las imágenes más conocidas de su esposa, con la que convive desde hace más de sesenta años.

Años noventa

A principios de la década de mil novecientos noventa, el artista cambia su cámara de pequeño formato por una Hasselblad cuando se interesa por fotografiar el paisaje americano, lo que le permite seguir trabajando en los temas que le interesan, pero con mayor amplitud de campo. Gracias al nuevo formato es capaz de abarcar espacios más grandes y los motivos parecen ganar entidad y cuerpo.

De este período son también distintos proyectos que realiza por encargo, como Factory valleys, 1982, en el que documenta la zona industrial del valle del río Ohio, pero centrado en este caso, en los trabajadores en el momento de realizar su labor. De similares características es la serie de Omaha, Nebraska, 1995en este caso fotografías de gran formato centradas en las cabezas de los teleoperadores protagonistas de las composiciones.

Años dos mil y dos mil diez

La nueva dimensión del espacio que ofrece la cámara Hasselblad hace que la cercanía del fotógrafo con los motivos que representa y de estos con el espectador sea cada vez más evidente. Así ocurre en las imágenes que conforman el libro America by Car, publicado en 2010. Un trabajo de dos años de duración en el que recorre cincuenta estados del país en coches alquilados. El resultado son fotografías que incluyen sombras, volantes, salpicaderos o retrovisores entre los que se cuelan puentes, monumentos, iglesias, moteles o bares llevando al extremo la complejidad de las composiciones a partir de una técnica en realidad muy sencilla: el marco –del parabrisas o de la ventanilla- dentro del marco –de la cámara de fotos-.

Para la serie Maneqquin, de 2012, Friedlander rescata su Leica de 35mm. En esta ocasión vuelve a las ciudades de Nueva York y Los Ángeles y juega una vez más con los reflejos de los edificios y de los viandantes en los escaparates. En el interior de estos, uno o varios maniquís se exhiben en distintas poses, casi como si fueran modelos de carne y hueso. A pesar del tema escogido, no hay que considerar estas imágenes as una crítica explícita al consumismo, tampoco una copia de fotografías anteriores, sino una reflexión sobre su obra, algo que, por otra parte, Friedlander hace constantemente, para que el espectador también reflexione con él.

Un descubrimiento, Kent Nagayoshi.

Las fotografías de Kent Nagayoshi

Un descubrimiento en Instagram

El fotógrafo del que quiero hablar hoy es alguien del que lo desconozco todo.
Supe de él porque le gustaron algunas de mis fotografías en Instagram. Quise curiosear en su cuenta y me encontré con una colección de fotos que captaron con fuerza mi interés.

Kent Nagayoshi-LaMiradaDePolifemo@ Kent Nagayoshi

Intuyo, basándome en su forma de retratar, que debe ser alguien joven, tal vez sea una de las personas que aparecen en sus retratos de forma recurrente. De hecho no hay más de seis o siete modelos diferentes en los retratos de Kent Nagayoshi.
Hay en cada uno de sus retratos y fotografías algo que tienen en común muchos fotógrafos orientales (Nagayoshi reside en Tokyo según su cuenta de Instagram). La forma en la que se aproxima a la sexualidad de sus modelos, el uso del flash sin concesiones, el componente agresivo de algunas imágenes, todo ello me recuerda a otros autores japoneses pero no hay imitación es su obra, al contrario, todo me resulta muy original.

Kent Nagayoshi-LaMiradaDePolifemo

@ Kent Nagayoshi

Me gustan las poses de sus modelos, tan poco naturales, tan espontáneas en apariencia. Me interesa su forma de componer, el uso que hace de los planos picados y contra picados. Todo en su fotografía es fresco, dinámico, transgresor en cierto modo. Todo es experimentación y juego, mucho juego. Hay un componente lúdico en su fotografía, kent Nagayoshi juega con sus modelos, con los objetos, se divierte y crea.Kent Nagayoshi-LaMiradadePolifemo@ Kent Nagayoshi
Instagram y censura van de la mano, la moral pacata que la red social ha heredado de Facebook censura pezones y admite toda forma de violencia. Para sortear las estrategias de ninguneo y ocultación de usuarios que usa instagram, Kent Nagayoshi cubre pezones y otras partes de la anatomía ajenas al gusto de Instagram. Pero no lo hace con sutileza, con un leve desenfoque o un suave pixelado, sino de una forma notoria, exagerada a veces. Nagayoshi, según me parece a mí, quiere que nos fijemos en esos elementos extraños que aparecen en su fotografía para que no nos olvidemos de son el resultado de la censura, no de su gusto personal.Kent Nagayoshi-LaMiradaDePolifemo

@ Kent Nagayoshi

No he encontrado más referencias en internet sobre kent Nagayoshi que su cuenta de Instagram, aunque lo que he visto ha bastado para captar mi interés. No puedo hacer más que invitar a disfrutar sus fotografías. 

Kent Nagayoshi-LaMiradaDePolifemo

@ Kent Nagayoshi

Enlaces de interés.
Cuenta en Instagram de Kent Nagayoshi
Entradas de “La Mirada de Polifemo” sobre autores orientales.
La mirada rasgada (I)
La mirada rasgada (II)
La mirada rasgada (III)
La mirada rasgada (IV)

La maternidad en tiempos del Covid-19, según Lisa Sorgini

La cuarentena por el Covid-19 y su consecuente confinamiento ha producido tantas reacciones como personas. De la desesperación a la aceptación, es tan amplio el espectro que la fotografía no podía ser ajena a los diferentes estados del ser humano confinado.

@ Lisa Sorgini

Son muchos los fotógrafos que han hecho de la pandemia su campo de trabajo; unos han fotografiado el drama en primera persona, otros las calles vacías o el trabajo de los sanitarios. De todos los que he tenido ocasión de conocer, ninguno me ha parecido más bello que el que la fotógrafa Lisa Sorgini ha titulado “Tras el cristal

@ Lisa Sorgini

Hace tiempo que esta fotógrafa australiana (Adelaida, 1980) concentra su trabajo en el ser humano y sus relaciones. Sus fotografías son bellas, muy bellas, pero sin concesiones. Los aspectos cotidianos de la vida y lo que puede haber de extraordinario dentro de esa cotidianeidad, si se me permite el oxímoron, conforman el corpus de su obra, interesante en cada uno de sus trabajos.

@ Lisa Sorgini

Behind Glass” es una excelente colección de retratos en las que muestra a madres e hijos vecinos de Bundjalung Country, en el norte de Nueva Gales del Sur. Estas familias aparecen tras el cristal de una ventana y se convierten de este modo en peces confinados en acuarios, en animales de un zoo hermoso pero doloroso.

@ Lisa Sorgini

Sus fotografías son bellísimas metáforas del confinamiento, retablos del encierro en los que los colores cálidos y el uso de las luces tienen reminiscencias de la pintura barroca. Es fácil encontrar entre sus imágenes una piedad, un descendimiento o una sagrada familia. Pero las fotografías de Sorgini, que ella define como “divinas comedias de domesticidad” no tienen nada de místico, sino que nacen de la realidad más cercana, la del confinamiento por la pandemia, y se aferran al ser humano y a la extrañeza de estos días en los que todos nos hemos convertido en piezas de museo tras las vitrinas de nuestras ventanas.

@ Lisa Sorgini

Este trabajo es un claro ejemplo del poder que tiene la fotografía para encontrar belleza en cualquier ámbito.

Enlaces de interés.
Sitio web de Lisa Sorgini

Fotografías de cuarentena

La cuarentena por el covid-19, dentro de lo que supone como situación anómala e indeseable, ha traído consigo una larga serie de iniciativas creativas y artísticas dignas de tener en cuenta. Son varias los proyectos individuales o colectivos que buscan servirse de las condiciones del confinamiento para crear fotografías de interés sin salir de casa.
De entre todas ha llamado mi atención de forma especial una serie a la que he llegado a través de Instagram. Es en esta red donde, desde que comenzó la cuarentena, la fotógrafa Lydia Fernández ha publicado cada día un autorretrato acompañado de un texto que añade interés a la fotografía.

©   @lydia_fdez

En estas imágenes en blanco y negro, Lydia Fernández trabaja con su rostro y con su cuerpo. Un día puede ser un plano medio y al siguiente un detalle de su piel o con el complemento de una flor y otros elementos. Cada día un nuevo experimento visual, potente y hermoso que se enriquece con las palabras que acompañan a las imágenes.

©   @lydia_fdez

El resultado es una impactante colección de imágenes que, más allá de su belleza, sirven de ejemplo para demostrar que no hacen falta grandes medios o escenarios para crear fotografías interesantes.

©   @lydia_fdez

Las fotografías de Lydia Fernández suelen venir acompañadas del hashtag #cuarentenacompartida. Bajo esta etiqueta, algunos fotógrafos están mostrando imágenes tomadas durante el confinamiento. Diferentes autores y diferentes visiones de estos días extraños, algunas más poéticas, otras de fuerte impacto visual o escenas cotidianas. Todo encuentra su acomodo dentro de esta categoría.

©  @karmeleetxeandia

©   @pixelartcreativos
Hay otros hashtags creados para aglomerar fotografías tomadas bajo las condiciones de la cuarentena. Uno de ellos, ya finalizado, ha sido #topphotocasa, creado por el fotógrafo Pollobarba.
©  @belentxo

Mientras ha estado activo, cualquier fotógrafo interesado ha podido enviar sus fotografías tomadas en casa, sin importar la técnica o el estilo. En el momento de publicar esta entrada, un jurado está seleccionando las fotografías más interesantes para darles un sentido y un orden. Estoy seguro de que algo grande saldrá de todo ello.

©   @fdhrzt

Hay más iniciativas, provenientes de instituciones o empresas. He preferido centrarme en las creadas por y para particulares, me parecen más interesantes.

Enlaces de interés.
Instagram de Lydia Fernández
Instagram de Pollobarba
Hashtag #cuarentenacompartida
Hashtag #topphotocasa

Documentales fotográficos (III)

Finalizo con esta entrada la recopilación sobre documentales fotográficos en Vídeo.
En esta ocasión he realizado una recopilación de entrevistas a fotógrafos españoles.

1. Charlando con Tino Soriano
Duración: 1 hora.

2. Entrevista a Isabel Muñoz
Duración: 19 minutos.

3.”Miguel de Cervantes o el deseo de vivir”. Entrevista al fotógrafo José Manuel Navia
Duración: 30 minutos

4. Chema Madoz “XXI” Su fotografía.
Duración: 32 minutos

5. Alberto Garcia-Alix.
Duración: 27 minutos.

6. Diálogo entre Gervasio Sánchez y Cristina García Rodero.
Duración: 22 minutos.

7. “Common sense” Entrevista a David Jimenez.
Duración: 14 minutos.

8. Diálogo entre Gervasio Sánchez y José Manuel Castro Prieto.
Duración: 21 minutos.

Con esto queda e la serie de entradas sobre documentales fotográficos.

Documentales fotográficos (II)

Esta es la segunda entrega de vídeos sobre fotógrafos, confío en que resulten de interés.

1 BBC Omnibus. Mario Testino.
Idioma: Inglés.
Duración: 47 minutos


2 Hiroshi Sugimoto

Duración: 43 minutos
Idioma: Japonés subtitulado al inglés


3. Ocho fotógrafos

Idioma: Español.
Duración: 32 minutos.


4 Conferencia de Alberto García Alix .

Idioma: Español.
Duración: Una hora y nueve minutos.

En poco tiempo espero colgar aquí la tercera entrada de esta serie.

Documentales fotográficos (I)

Aprovecho el confinamiento en la que todos vivimos cuando escribo estas líneas, para recuperar este blog que tanto quiero pero del que tan poco me ocupo por falta de tiempo.
Para esta primera entrada de cuarentena he decidido recopilar una serie de vídeos sobre fotógrafos que se pueden consultar online de forma gratuita. Como son muchos, los publicaré en varias partes.
Son vídeos pequeños algunos, otros mayores, todos ellos dosis de fotografía en formato de vídeo que pueden ayudar a sobrellevar las horas de encierro.
He decidido mostrarlos siguiendo un orden cronológico, en función de su año de publicación.

1 Enri Cartier-Bresson. Contactos.
Idioma: Inglés.
Duración: 12 minutos

 

2 La vida en Fotografías. Annie Leibovitz
Duración: Una hora y 22 minutos
Idioma: Español
Enlace a la página que lo contiene AQUÍ

 

3. Charla de Steve McCurry dentro del ciclo Enciende la Tierra organizado por la Obra Social de CajaCanarias.
Idioma: Inglés VOSE.
Duración: Una hora y quince minutos.

 

4 Alfred Stieglitz. La fotografía como arte.
Idioma: Inglés.
Duración: Una hora y veintisiete minutos.

Hasta aquí la primera parte, pronto llegará la segunda.

El hecho extrafotográfico

A todos aquellos a los que la fotografía nos ha inoculado su veneno, nos interesa todo lo que tenga que ver con ella, y eso incluye las historias que acompañan a cada imagen y a cada fotógrafo.
LLegamos a sus biografías tras el conocimiento de sus fotografías, aquellas que de un modo especial nos llenan y nos llevan a buscar un conocimiento más profundo de sus circunstancias.

Retrato de Miroslav Tichy

Pero ocurre también que, en ocasiones, es la fama del fotógrafo o fotógrafa la que precede a las imágenes, las leyendas anteceden a la obra y alteran su significado, dotándole de un valor añadido que no siempre corresponde con el que tienen las fotografías per se.
En este texto he recogido algunas de esos casos, los que han venido a mi memoria. Si alguien conoce algún otro, será bienvenido en los comentarios.

Evgen Bavcar.

Supe de este fotógrafo a finales de los años ochenta, cuando formó parte de aquel magno proyecto llamado Imagina 92. Durante un tiempo, bajo la dirección de Manuel Falces, algunos de los más importantes fotógrafos del momento expusieron en la Escuela de Artes de Almería, y de las fotos que hicieron durante la visita a sus exposiciones salió una gran exposición con un magnífico catálogo, pero esa es otra historia de la que hablaré en otro momento

.© Evgen Bavcar

Las fotografías de este autor esloveno se anunciaban acompañadas de un dato crucial, su ceguera. Y esa cualidad suya se convertía en la protagonista de la exposición.
Cada referencia a su obra que he encontrado se ve condicionada por su falta de visión, y en muchos casos el valor de su obra apenas se menciona pues el hecho prodigioso de la existencia de un fotógrafo ciego condiciona los textos.

© Evgen Bavcar

Su obra es muy interesante, sugerente por su uso de la luz, con la que a veces crea dibujos sobre fotos subexpuestas. Hay algo surrealista en su trabajo, tan sugerente y extraño, que fascina. La duda sobre cual es su método, una vez que se conoce su ceguera, es constante al ver cada una de sus imágenes. Comprendo que resulta imposible separar el hecho fotográfico de la circunstancia personal, aún así, me pregunto que habría sido de él y de su fama sin la condición que lo define.

Robert Capa.
El hecho extrafotográfico está presente en cada imagen de este autor. No hay biografía o reseña sobre la obra de Friedmann Endre Ernő que no venga acompañada de referencias a su vida novelesca.

© Robert Capa

Todo en su historia está impregnado de la ficción que el fotógrafo creó en torno a si mismo. Una leyenda que incluyó a su pareja Gerda Taro, cuyo nombre real fue Gerta Pohorylle. Capa fue un personaje, una creación de un hombre que necesitaba una imagen para hacerse un hueco en la fotografía, un falso galán novelesco para ocultar a un fotógrafo. Pero no sólo su biografía está impregnada de leyenda, sino también su obra.
Su fotografía más icónica, la que refleja la muerte de un miliciano español durante la guerra civil, se acompaña de una leyenda negra sobre su autenticidad que ha dado lugar a una gran cantidad de especulaciones.

© Robert Capa

Algo parecido ocurre con las que tomó durante el Día-D acompañando a los aliados que desembarcaron en Normandía. Él aseguraba haber gastado varios carretes que se borraron por culpa de un ayudante que erró en el revelado, quedando sólo once fotografías. El tiempo ha desvelado la mentira.
Robert Capa es, en definitiva, el nombre de un mito, una leyenda creada sobre un buen fotógrafo que llegó a creerse su propia leyenda.

Miroslav Tichy.

La historia de Tichy parece la suma de una novela de Dickens y la pasión por la fotografía.
Tichy es el personaje perfecto, un joven que abandonó sus estudios en la escuela de artes de Praga cuando cambiaron las modelos femeninas por hombres uniformados, para convertirse en un indigente que fotografía mujeres con cámaras fabricadas con materiales de deshecho. Lo tiene todo, aúna tragedia personal con la dedicación a una pasión y el éxito final gracias a sus habilidades únicas a la hora de construir cámaras con basura.

© Miroslav Tichy

Las cámaras de Miroslav Tichy son auténticas obras de arte, resulta increíble que esas amalgamas de cartón y desperdicios puedan tomar fotografías, y más aún que él mismo las revele y las convierta en fotografías de papel. Sólo por ver una de esas cámaras merece la pena visitar alguna de las exposiciones que se le dedican.

© Miroslav Tichy

En cuanto al valor de su fotografía, yo, personalmente, sólo veo  la obra de un mirón obsesionado con las mujeres. Que cada cual saque sus conclusiones.

Vivian Maier.

A estas alturas ¿Queda algo por decir de esta fotógrafa?
La niñera fotógrafa alcanzó fama mundial gracias a que John Maloof encontró en una subasta sus fotografías y de ese modo descubriera la historia de la fotógrafa.

© Vivian Maier

Maier trabajaba como niñera y en sus trayectos urbanos se acompañaba siempre de una Rolleiflex con la que fotografiaba la vida en las calles y, cuando pasaba cerca de algún espejo, se autoretrataba.

© Vivian Maier

En la biografía de esta fotógrafa se dan la mano la calidad de sus fotografías con el interés de su historia personal. Las fotografías encontradas por casualidad han dado siempre lugar a historias interesantes, pienso ahora en Los Modlin, de Paco Gómez, pero nunca con el interés generado por esta mujer cargada de leyenda y de una cámara que le procuró un puesto entre los mejores.

Estos son los casos de fotográfos con leyenda que recuerdo, seguro que serán más, suficientes para una continuación de este texto en el futuro.

Eamonn Doyle en Fundación Mapfre

Fundación MAPFRE ha presentado hoy, 9 de septiembre, en Madrid, la primera exposición dedicada a la obra de Eamonn Doyle en España, que explora el trabajo más reciente del fotógrafo irlandés, conocido por su «trilogía de Dublín».

La muestra, comisariada por Niall Sweeney, incluye la mirada personal del artista sobre la capital irlandesa – el drama y el ritmo de la ciudad, su luz, su textura y sus habitantes – y también la serie conocida como «K», que engloba imágenes de figuras espectrales recogidas en la costa oeste irlandesa y en el paisaje de Extremadura.

Eamonn Doyle (Dublín, 1969) estudió pintura y posteriormente fotografía en la universidad (1987‑1991), y a continuación se dedicó a viajar con la idea de convertirse en un «fotógrafo del mundo». Al regresar a Irlanda convirtió un edificio que había albergado un negocio familiar en un complejo de estudios para artistas, cineastas y fotógrafos.

Eamonn Doyle
End. (series) Moore Street Extensions, 2015
courtesy Michael Hoppen Gallery, London

En 1994 dejó la cámara y lanzó el sello D1 Recordings, a través del cual empezó a producir un género único y muy influyente de música electrónica con base en Dublín. Doyle pasó los siguientes veinte años inmerso en el mundo de la música, publicando discos, haciendo colaboraciones, grabando, dirigiendo festivales y viajando por todo el mundo, esta vez con discos de vinilo bajo el brazo en lugar de una cámara.

Durante la última década, sin embargo, Doyle ha vuelto a una práctica fotográfica rigurosa, centrada especialmente en las calles de su ciudad natal, Dublín.

Eamonn Doyle
ON (series) no.1, 2014
courtesy Michael Hoppen Gallery, London

Para el fotógrafo la cámara se convierte en otra forma de seguir trabajando con un tipo de música diferente, concentrándose en su ritmo, en la vibración universal de la existencia cotidiana.

En la actualidad, él sigue viviendo y trabajando en Dublín, en su casa de Parnell Street, en cuyo sótano sigue operativo el estudio de D1 Recordings.

EXPOSICIÓN

La exposición, compuesta por 153 fotografías, 5 foto libros y una video-instalación de 9 pantallas, se articula en seis secciones temáticas.

Grafton Street, 2017
courtesy Michael Hoppen Gallery, London

El recorrido comienza con las imágenes de la «trilogía de Dublín», formada por las series i, ON y End. En ella se observan las fotografías de los alrededores de su ciudad natal realizadas desde ángulos inesperados, revelando una visión original de la ciudad y sus habitantes.

Estas series con su uso estratégico del recorte y el encuadre, transmiten momentos de quietud y de energía frenética, de soledad y de comunidad que permiten al espectador experimentar el ritmo único del Dublín de Doyle.

Continúa la muestra State Visit, en la que se pueden observar treinta y seis imágenes de alcantarillas fotografiadas durante los días previos a la visita de Estado a Irlanda de la Reina Isabel II en 2011. Las tapas están marcadas con pintura amarilla o blanca para indicar que han sido revisadas por las fuerzas de seguridad, y para revelar cualquier otra manipulación.

Sigue el recorrido con la video-instalación, una obra en nueve pantallas que cambian constantemente sobre una ciudad en movimiento, Dublín. Construida cinematográficamente como una serie de secuencias que se despliegan en paralelo mediante el movimiento de personas atrapadas en el tiempo y el espacio.

La exposición finaliza con K, que engloba imágenes de figuras espectrales recogidas en la costa oeste irlandesa y en el paisaje de Extremadura. K es una serie conceptual que busca las fuerzas que habitan en nuestro interior, además de una lucha para entender la muerte, el amor y los elementos vitales que conectan todas las cosas.

Con las fotografías españolas de esta serie, Fundación MAPFRE continúa con su misión de apoyar a destacados fotógrafos en la realización de nuevos trabajos fotográficos en España.

Esta muestra, producida por Fundación MAPFRE y presentada anteriormente en la RHA Gallery de Dublín, se ha convertido en la mayor exposición de la obra de Doyle realizada hasta la fecha.

Eamonn Doyle
K–32 (Irish series), 2018
courtesy Michael Hoppen Gallery, London

En la rueda de prensa han participado el comisario de la muestra, Niall Sweeney, la directora de Cultura de Fundación MAPFRE, Nadia Arroyo Arce, y el propio Eamonn Doyle.