Entrefotos 2016

Un año más, la feria de fotografía independiente de Madrid abre sus puertas en La Casa del Reloj.
Esta edición, la décimo octava vuelve a presentar la obra de un nutrido grupo de autores cuyos estilos y técnicas son suficientemente variopintos para que Entrefotos se convierta en visita obligada cada año por estas fechas.
La feria ya está inaugurada y hasta el próximo domingo 4 de diciembre los propios creadores, 32 artistas más un colectivo seleccionados por un jurado independiente, serán los encargados de mostrar y explicar su obra directamente al público.
El stand de cada autor es una exposición en sí misma. Los fotógrafos, tanto emergentes como consagrados, con premios nacionales e internacionales a sus espaldas, y procedentes de diferentes comunidades autónomas y de otros países, acercan al encuentro su obra más reciente, la más controvertida, vanguardista o impactante realizada a través de lo último en tecnología digital o siguiendo las pautas más tradicionales del carrete, el acto íntimo del laboratorio y el blanco y negro. En entreFotos se pueden encontrar retratos, paisajes, bodegones y en diferentes formatos. Además de las exposiciones, durante el encuentro se desarrollan otras actividades y así, el sábado, 3, habrá firma de libros desde las 13.00 horas con los fotógrafos Javier Arcenillas y Rafael Roa. El mismo día se entregará también el Premio entreFotos 2016.

REAL SOCIEDAD FOTOGRÁFICA
La asociación entreFotos, entidad sin ánimo de lucro organizadora de la feria, entregará su tradicional Premio entreFotos 2016 “por su trayectoria y esfuerzo” a la Real Sociedad Fotográfica, decana de las agrupaciones fotográficas en España y segunda del mundo. La sociedad reconocida se creó en 1898, cuando los conocimientos en esa nueva forma de expresión artística eran casi de alquimistas, y a lo largo de estos más de 100 años de vida ha sido determinante para escribir la historia de la fotografía.

Son muchos los autores presentes y muy interesantes, a continuación reseño aquellos que han captado mi interés de una forma particular.

TINO GARCÍA (Ponferrada)
De este fotógrafo me gustaría destacar una serie de fotografías titulada Tránsito en las que, utilizando pigmentos minerales sobre papel de algodón, empareja imágenes. Todas ellas son detalles que nos recuerdan carreteras y caminos.
Estos pares de imágenes tienen una gran belleza evocadora además de una fuerza plástica indudable.image1

XOÁN CRESPO (Santiago de Compostela)
Este autor gallego expone una muy interesante serie de fotografía titulada “Mascaritas” en la que retrata aquellas personas que, en carnaval, se disfrazan usando ropa vieja y materiales inservibles para disfrutar de la fiesta a través de la ocultación de la identidad y no del cambio de esta.
Son imágenes potentes, con uso del color más que interesante.
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ALBERTO COB (Madrid)
Las fotografías de Alberto Cob que muestran espacios abandonados invadidos por la arena tienen una capacidad de ensoñación que las convierte en objetos bellos per se. Este fotógrafo, antiguo contable, reflexiona sobre la la fugacidad de la existencia y la permanencia de la naturaleza.2

PACO DÍAZ (Madrid)
Paco Díaz lleva toda la vida pintando, dibujando y haciendo fotografías de paisajes urbanos. La ciudad es su inspiración. Dudaba entre estudiar arquitectura o Bellas Artes y eligió la segunda.
Su serie en al que superpone de forma digital formas geométricas sobre fotografías de espacios urbanos desiertos resulta cautivadora y misteriosa.migra_paris_louvrepeq-11-e1456393473471

 

MARÍA ANTONIA GARCÍA DE LA VEGA (Madrid)
Memorandum Natura es una serie de magníficos paisajes en blanco y negro realizada por esta fotógrafa, licenciada en Geografía e Historia (Antropología) y licenciada y doctora en Derecho por la Universidad Complutense de Madrid.
Sus imágenes, de corte clásico, son bellas y potentes.
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PILAR PEQUEÑO (Madrid)
Pilar Pequeño cuenta en su currículum con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes concedida por el Ministerio de Cultura (2010). Ha expuesto en prestigiosas salas como la Galería Nacional de Arte de Pekín, el Museo de Arte Kópavogur de Islandia o el Museo Mahmoud Khalil de El Cairo y su obra está presente en colecciones públicas y privadas, entre ellas el Museo Reina Sofía o el Instituto Valenciano de Arte Moderno. Es la única artista que ha participado desde la primera edición de EntreFotos y lo hace mostrando sus magníficos bodegones sumergidos, unas imágenes bellas y potentes.peonia-2013-serieplantas-sumergidas-pilar-pequen-cc-83o-921x650

JULIÁN OCHOA (San Fernando. Cádiz)
Julián Ochoa suma más de cien premios nacionales e internacionales de fotografía, entre los que se encuentran, Premio de Honor Abeja de Oro, Guadalajara; Premio de Honor Cesar Augusto; Premio Jóvenes Fotógrafos del Ministerio de Cultura; Medalla FIAP de oro en Belbec, Bélgica o Medalla de Oro de la Confederación Española de fotografía. Entre otros títulos posee el de Maestro honorario por la FEPFI; AFIAP Artista de la Federación Internacional del Arte fotográfico o QEP Europeo de fotografía profesional en Retrato, Paisaje y Reportaje
Las fografías presentadas en esta edición de la feria pertenecen a una forma diferente de hacer reportaje, buscando un minimalismo en lo que se muestra pero con una gran carga significativa. Según mi gusto personal, de lo mejor de la feria.untitled-1

JORGE CRESPO (Madrid)
Jorge Crespo (Madrid, 1983) es un artista visual que utiliza la fotografía como medio de expresión. Sus imágenes han evolucionado desde lo más explícito, Hipoxia serie, a fotografías reflexivas donde la interpretación del espectador toma un papel importante. Su trabajo gira en torno a la psicología del individuo, mostrando sentimientos humanos mediante escenificaciones surrealistas. Estudia minuciosamente la luz y el claroscuro es su principal referencia.
Las imágenes de Crespo son misteriosas, y es ese misterio lo que les otorga una fuerza especial que se suma a su dominio de la luz y del color y las convierte en fascinantes objetos de arte.origen_final_web


Datos sobre la XVIII Feria entreFotos

Fechas: del jueves, 1 de diciembre, al domingo, 4 de diciembre
Sábado, 3 de diciembre, 12.00 h.: entrega Premio entreFotos 2016
Sábado, 3 de diciembre, 13.00 h.: firma de libros con Javier Arcenillas y Rafael Roa
Domingo, 4 de diciembre, a partir de las 17.00 h.: entrega Premio Daylightlab

Horario: jueves, de 18.30 a 21.00 horas
Viernes y sábado, de 11.00 a 21.00 horas
Domingo, de 11.00 a 20.00 horas

Lugar: Casa del Reloj del Matadero. Distrito de Arganzuela. Sala La Lonja
Paseo de la Chopera, 10. Madrid

Entrada: acceso gratuito

Hand of hope, por Michael Clancy

Añado con esta entrada una nueva imagen a la  categoría de este blog dedicada a reseñar aquellas fotografías que, por cualquier razón, han dejado huella en mi.

Hand of Hope. Michael Clancy. 1999

Michael Clancy no es uno de los fotógrafos más destacados de la historia, su trabajo es desconocido en su mayoría pero una de sus fotografías merece un puesto entre las mejores por la intensidad del momento capturado, aquél en el que la mano de un bebé nonato agarra el dedeo del cirujano que está interviniendo a la madre.

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© Michael Clancy

Para narrar la historia de la fotografía, titulada “Hand of hope” nada mejor que las propias palabras del autor que cito a continuación:

“Como fotoperiodista veterano en Nashville, Tennessee, fui contratado por el periódico USA Today para fotografiar un procedimiento quirúrgico correctivo de espina bífida. Se llevó a cabo en un feto de 21 semanas de edad en el útero de la madre, en el Vanderbilt University Medical Center. En ese momento, en 1999, con veintiún semanas en el útero era la primera vez que un equipo quirúrgico consideraba la opción de la cirugía. El peor resultado posible sería que la cirugía podría causar un parto prematuro, y ningún niño nacido antes de veintitrés semanas había sobrevivido.
La tensión se respiraba en la sala de operaciones desde el momento que comenzó la cirugía. Se hizo la típica incisión de cesárea para tener acceso al útero, que se levantó y se situó en el cruce de los muslos de la madre. Todo el procedimiento se llevaría a cabo dentro del útero. Durante el procedimiento, la posición del feto se ajustó mediante una cuidadosa manipulación de la parte exterior del útero. Todo el procedimiento quirúrgico en el niño se completó en 1 hora y trece minutos. Cuando todo terminó, el equipo quirúrgico suspiró de alivio, al igual que yo.
Mientras el médico me preguntaba qué velocidad de película estaba utilizando, por el rabillo del ojo vi el movimiento del útero, pero ninguna mano de nadie estaba cerca de él. Estaba temblando por dentro. De repente, todo un brazo salió por la abertura, luego se movió hacia atrás hasta que sólo quedó a la vista una pequeña mano. El médico se acercó y levantó la mano, que reaccionó y apretó el dedo del médico. Como si fuera una prueba de resistencia, el médico sacudió el pequeño puño. Samuel se mantuvo firme. Tomé la foto! Wow! Sucedió tan rápido que la enfermera de pie al lado me preguntó: “¿Qué pasó?” “El niño salió, le dije. “Oh. Lo hacen todo el tiempo”, respondió ella.
La abertura quirúrgica del útero fue cerrada y el útero fue puesto de nuevo dentro de la madre, cerrando a continuación la abertura de cesárea.
Transcurrieron diez días antes de saber si la foto estaba incluso enfocada. Para asegurar que no hay ninguna manipulación digital de imágenes antes de que se puedan ver, USA Today requiere que la película sea presentada sin procesar. Cuando por fin el editor de imágen me llamó, dijo, “Es la imagen más increíble que he visto nunca.”

La fotografía, por el momento que capta, es sin lugar una gran imagen, lástima que precisamente por su contenido haya sido objeto de polémica.
Por un lado, grupos antiabortistas la han utilizado como argumento para sus postulados y precisamente por este uso son muchos los que intentan defender en internet que la imagen es fraudulenta, lo cual es falso.
Es una imagen impresionante, eso es lo importante, y todo lo que venga después poco importa.

Un descubrimiento, las mujeres de Hannah Starkey

Las redes sociales cada vez son más un excelente lugar para descubrir nuevos artistas, de este modo conocí el trabajo de Hanna Starkey, a través de la muy recomendable página de Facebook, Photographic mercadillo.

Hannah Starkey (Gran Bretaña, 1971) es una más que interesante autora cuyo trabajo se centra en fotografías de mujeres situadas en entornos urbanos.
Tras estudiar fotografía y cine en la Napier University, Edimburgo, (1992-1995) y fotografía en el Royal College of Art de Londres (1996-1997), centró su interés en la fotografía por influencia de su abuela, una apasionada de la fotografía con la que compartió mucho tiempo durante  la infancia.
Las mujeres de Hannah Starkey parecen vivir en un mundo a caballo entre lo real y lo ficticio, entre una calle cualquiera de una gran ciudad y un escenario de un anuncio de moda.
Casi siempre ausentes, distraídas, sus mujeres desarrollan actividades cotidianas como un elemento más de las imágenes, a veces su importancia no es mayor que la del escenario o el color, que tal vez sea el auténtico protagonista pues Starkey domina el cromatismo de sus imágenes, unas veces cercano a Hopper, otras a realismos idilicos como el de Philip-Lorca di Corcia.
Algunas obras suyas forman parte de colecciones como la de la Tate Modern o el Victoria and Albert Museum de Londres, el Irish Museum of Modern Art de Dublín y el Castello di Rivoli de Turín.

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© De todas las imágenes, Hannah Starkey

Enlaces de interés:
Tanya Bonakdar Gallery
Hannah Starkey en Wikipedia

Meudon, por André Kertész

Tras un breve parón veraniego, continuo publicando con un nuevo texto dedicado a una única fotografía.

Húngaro de nacimiento, André Kertész fue el maestro de la foto perfecta, aquella en la que todos los elementos parecían formar parte de una coreografía vital que los situara en una perfecta armonía.
Su instante decisivo no era, como ocurriera más tarde con Cartier-Bressón y muchos otros, aquél en el que sucedía una anécdota, un suceso peculiar, sino el momento perfecto en el que todos lo que aparece en la fotografía parece estar relacionado, todos los elementos de la imagen se comunican, se necesitan y constituyen una perfecta unidad.
Maestro de Brassai entre otros, Kertész planificaba de forma minuciosa y obsesiva sus fotografías, entre otros motivos por la obvia limitación que imponía usar un carrete con un número finito de exposiciones. Su actitud planificadora y minuciosa a la hora de tomar fotografías produjo una larga colección de obras maestras. Para mí la mejor es “Meudon”.

Meudon-kerteszMeudon © André Kertész

Tomada en 1928 y publicada en 1935 con el título “Retrato del extrarradio” en el nº  51 de la revista París Magazine, no obtuvo una especial celebridad. Diez años después se volvió a publicar junto a otras del autor en el libro titulado “Un día en París”, un volumen editado por George Davis. Se trataba de un volumen muy bien editado y si bien era una publicación modesta en cuanto a formato y difusión, para el autor fue importante por la publicidad que le dio en un momento delicado.
André Kertész dejó París en 1936 para ir a Nueva York llevando todo su archivo en una maleta y de ese archivo salió el libro “Un día en París” Siempre considero un error haber ido a Estados Unidos porque su situación personal sólo empeoró con el traslado, sufriendo multitud de problemas como que fuera declarado persona non grata. La publicación de ese libro fue una especie de merecida recompensa
Si bien algunos vieron el libro como una secuela de “París de Nuit” que Brassai había publicado en 1933 y que en origen había ofrecido por Davis a Kertész, en realidad se trata de la obra de un autor singular. La fotografía “Meudón” aparece a página completa y en el pie de foto escrito por Davis se lee “La intensa irrealidad de los escenarios. Como un juguete, un tren cruza el viaducto en un barrio periférico ” Este pie de foto no es inocente pues da constancia de la irritación y molestia que esta fotografía despertó entre otros fotógrafos coetáneos pues, desde su perfección, se alejaba de las corrientes al uso en la fotografía de la época. André Kertész tomó esta fotografía cuando ya tenía 34 años y era un fotógrafo admirado y conocido en París tanto que Julien levy lo definió como un líder prolífico de la nueva escuela fotográfica documental, sin embargo no siempre llueve a gusto de todos.
La fotografía es perfecta o está muy cerca de la perfección. Todos los elementos que aparecen en ella han sido captados en el momento exacto. Un segundo antes o un segundo después la fotografía no tendría interés. El tren con su icónica columna de vapor, el hombre cargando lo que parece un cuadro, las personas que caminan por la calle, las obras al pie del puente. Todo encaja de manera sincrónica y perfecta.
Todo entra dentro de la normalidad en esta fotografía, todos son elementos cotidianos; Gente en la calle, un tren, edificios, obras, no hay nada extraordinario, pero la conjunción de todos los elementos le confiere a la fotografía el carácter de obra única e irrepetible, la perfección. Pero, como suele ocurrir con este tipo de fotografías, su calidad no es fortuita ni fruto de una única toma milagrosa.

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Las otras dos fotografías © André Kertész

Hay al menos otros dos negativos de fotografías que tomó en el mismo escenario. Una de ellas muestra sólo edificios, sin personas ni tren. Las otras dos se tomaron en otro momento porque, si bien no están fechadas, hay elementos que indican el paso del tiempo. De las otras dos una muestra una escena anodina y sin interés, la otra es la célebre fotografía fruto de la insistencia y el estudio detallado del lugar y de lo que sucede en él cada día. La existencia de las dos fotos de muestra hasta qué punto era importante para el autor insistir en un tema hasta encontrar la foto perfecta y resulta de gran utilidad para desmentir el mito del momento perfecto causado por el azar.
Se ha especulado sobre quién es la persona central en la fotografía, se habla de Willi Baumeister, y de ser así la fotografía sería un retrato pero no tendrían sentido las otras tomas sin el personaje protagonista. Sea como fuera, eso no tiene la mayor importancia.

Enlaces de interés:
Kertész en Wikipedia

Crónica particular de PhotoEspaña 2016 (IV)

Finalizo con este texto la crónica de algunas de las principales exposiciones de esta edición, a mi juicio interesante aunque quizás menos que otros años. Sólo quizás, esto es una opinión personal.

Museo del Romanticismo

Miroslav Tichý o la celebración del proceso fotográfico

Como ocurriera con Vivian Maier, este fotógrafo alcanzó su fama en base a su particular peripecia personal más que por sus fotografías, si bien en el caso de Maier la calidez de su obra está por encima de toda discusión, en el de Tichý tengo bastantes dudas.
La invasión de Praga por parte del ejército soviético provocó que Miroslav Tichý abandonara la Escuela de Bellas Artes de Praga por su desacuerdos con los nuevos rumbos de la institución y pasara décadas viviendo como un indigente al que la policía consideraba un enfermo mental que incluso pasó por varios psiquiátricos e instituciones similares.
Pintor en sus orígenes, se pasó a la fotografía cuando se construyó su propia cámara en 1960 y se dedicara a fotografiar furtivamente a las mujeres de Kyov. El resultado de este empeño es para algunos una gran obra de arte, un reflejo de los cambios de su sociedad o una maestría en el juego de luces y formas. Me gustaría compartir esa opinión pero en esta pequeña exposición sólo he visto la obra de un voyeur, un señor que se acerca a las chicas jóvenes, sobre todo si no llevan mucha ropa, y les hace una fotografía a escondidas.
El uso pictórico de su cámara, el aura sensual, etérea y casi mágica de sus retratadas y otras alabanzas que se pueden leer en el programa de mano son, para mi, meros efectos de trabajar con una cámara estenopeica y revelar en pésimas condiciones.
La muestra es muy pequeña y todas sus fotografías son impresiones de mala calidad que sólo muestran mujeres atractivas desde cerca, con la falta de nitidez propia de una lente artesanal. Así es como yo lo veo, aunque tal vez esté equivocado.
Hay, no obstante, un motivo poderoso para ver la exposición es que dos de sus cámara están expuestas, dos amalgamas de cartón, herrumbre e improvisación que, por increíble que parezca, son cámaras de fotos. Me han parecido dos objetos fascinantes, obras de arte en si mismos.

tichy2© Miroslav Tichý

tichy1© Miroslav Tichý

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Maris Maskalans. Nagli. LV- 4631

La exposición visitable en la Calcografía Nacional es un auténtico catálogo minucioso de los pobladores de Nagli, un pueblo situado en la comarca de Lagtale, en Letonia.
A la manera de August Sander pero con menos pesimismo, Maskalans ha fotografiado a los vecinos de Nagli durante veinte años construyendo durante ese tiempo un archivo visual de los pobladores del pueblo.
Todas las profesiones, todas la edades, todos los tipos han sido retratados con voluntad documental y eso, nada más y nada menos que eso es lo que ofrece esta pequeña exposición. Interesante, muy interesante.

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© Maris Maskalan

Hay más exposiciones e intentaré verlas y disfrutarlas, si algo llama mi atención lo comentaré, mientras tanto hablaré de otras fotografías y otros fotógrafos.

Crónica particular de PhotoEspaña 2016 (III)

Tercera entrada relativa a PhotoEspaña 2016.

Fundación Canal

Vivian Maier, Street photographer

Vivian Maier fue una gran fotógrafa, eso es indudable. Las circunstancias que rodean a su trabajo tales como que no revelara sus fotos o cómo fueron encontradas, añaden romanticismo e interés a su historia. Lo demás sobra.
La llegada de esta magnífica exposición a Madrid ha traído consigo un aluvión de artículos en prensa que intentan ahondar en la personalidad de Vivian Maier, en si era una santa o un demonio y demás ridiculeces que sólo aportan un morbo ajeno a la calidad innegable de su obra.
Hay que ver esta exposición, hay que disfrutar de las imágenes y prescindir un poco de los textos que las acompañan en las paredes pues, a mi juicio, son demasiados creativos y algunas cosas no cuadran, como por ejemplo que ella empujaba a las personas de alta sociedad para provocar reacciones y fotografiarlas. No imagino a Vivian Maier actuando como si de Bruce Gilden se tratara.
En definitiva, las fotografías expuestas son excelentes imágenes que retratan el mundo en el que se movió de forma magistral. La suya es la mirada de una gran artista y uno no puede dejar de pensar en la evolución patente de su obra teniendo en cuenta que no revelaba sus fotografías y por tanto no tenía ocasión de aprender de sus errores.
Imprescindible

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maier-1© Vivian Maier

Espacio Telefónica

Tras los pasos de Inge Morath, Miradas sobre el Danubio

Inge Morath fue la primera mujer miembro de pleno derecho de la prestigiosa agencia Magnum. Asistente de Cartier-Bresson en sus inicios, desarrolló una interesante carrera dentro de la que destaca el reportaje que con treinta años realizo recorriendo gran parte del Danubio para fotografiar la vida en sus orillas.
En 2014, ocho fotógrafas de diferentes procedencias y todas ellas galardonadas con el premio de fotografía Inge Morath decidieron emprender un viaje conjunto y realizar el mismo recorrido en torno al Danubio que realizara Morath años atrás.
El trabajo resultante de aquél viaje se expone ahora en Espacio Telefónica acompañado de un pequeño documental sobre el proyecto que recomiendo ver antes de disfrutar de la exposición.
Junto a las fotografías de las ocho fotógrafas se pueden ver las fotografías originales de Inge Morath y comprobar hasta qué punto fue diferente su visión de la de cada una de las fotógrafas.
Cada autora ha encarado el proyecto de forma personal y única y sus trabajos son dispares en contenido y técnicas.
Personalmente me quedo con las impresionantes fotos de gitanos con las que Claire Martin homenajea a Koudelka, con las bañistas en el mar muerto de Jessica Dimmock, los niños en blanco y negro de Emily Shiffer, la vida en las orillas del río de Claudia Guadarrama y Ami Vitale o las múltiples exposiciones de kathryn Cook.

inge_morath© Inge Morathclairemartin© Claire Martin
jessicadimmock© Jessica Dimmock
emilySchiffer© Emily Shiffer
claudiaguadarrama© Claudia Guadarrama
Kathryn-Cook© kathryn Cook

Museo Cerralbo

Shirley Baker. Mujeres, niños y hombres que dejan pasar el tiempo

Esta exposición, en cierto modo como otras que suele albergar el Cerralbo, tiene un ingrediente nostálgico y algo naif que aconseja su visita.
En las fotografías de Shirley Baker vemos habitantes de Manchester y localidades cercanas en los años sesenta y setenta y, aunque se muestran en su entorno de pobreza y dureza de vida, casi todos parecen felices, muchos de ellos con amplias sonrisas en sus rostros.
A pesar de la felicidad que aparentan, las fotografías dan sobrada información sobre las duras condiciones de vida en aquella zona del Reino Unido durante unos años muy difíciles, años en los que los barrios retratados sufrían el acoso de planes urbanísticos que amenazaban con las destrucción de las viviendas y por tanto de un modo de vida.
La mayoría de las imágenes son en Blanco y negro y sólo unas pocas en color, todas ellas de igual interés.

shirleybaker2© Shirley Baker
shirleybaker1© Shirley Bakeer

Continuará.

Crónica particular de PhotoEspaña 2016 (II)

Continua mi visión personal de PhotoEspaña 2016.

Círculo de Bellas Artes

Transiciones. Diez años que transformaron Europa. Colección Montelay

Las fotografías de esta interesante exposición fueron tomadas entre la elección de Margaret Thatcher como primera ministra del Reino Unido en 1979 y la caída del muro en 1989, una década que cambió Europa.
El realismo a golpe de flash de Martin Parr, la distante elegancia de los depósitos fotografiados por los Becher, el color intenso de Harry Gruyaert, los paisajes devastados de Jean-Marc Bustamante o los trabajadores en Blanco y negro de Chris Kilip, todos los autores claves de esos diez años en Europa están representados en una exposición que, además de un excelente paseo por la más reciente fotografía documental europea sirve de lección de la historia que no debemos olvidar por riesgo a repetirla.
Merece una visita para disfrutar las imágenes y una nueva para asimilar la lección.

harry-gruyaert© harry Gruyaert

© Boris Mikhailov

Louise Dahl-Wolfe. Con estilo propio

Louise Dahl-Wolfe es Avedon y es Horst P. Horst, es Weston y es Man Ray, es Helmut Newton y Irving Penn, y es ante todo y sobre todo elegancia.
Esta autora estadounidense (San Francisco, 1895) realizó para la revista Harper Bazaar principalmente y para otras revistas de igual prestigio un trabajo heredero de todos los grandes que la precedieron y del que son deudores sus sucesores. Sus fotografías son la esencia de un modo de fotografiar moda y retrato que tal vez ha desaparecido, una forma de componer, de exponer y de iluminar que dignifica a las modelos a través de la composición y la luz. Retrató a las más importantes modelos y actrices de su época y no hay una sola de la que no obtuviera la imagen definitiva.
Afortunadamente ahora podemos darnos una zambullida visual en lo mejor de su arte expuesto en el Círculo de Bellas Artes. Imprescindible.

louis1© Louis Dahl-Wolfelouis2© Louis Dahl-Wolfe

Casa de América

José A. Figueroa. Und Jetzt? (¿Y ahora qué?)

Las fotografías que José A. Figueroa tomó tras la caída del muro de Berlín con una cámara de aficionado nos muestran ese momento de nuestra historia más reciente, mejor que las de otros fotógrafos que dirigieron sus lentes hacia los puntos comunes más o menos oficiales pero tantas veces retratados.
En estas fotos tomadas sin mucha preparación, casi improvisadas por respeto y por consternación, vemos no sólo el rápido deterioro del muro desde el lado este de la ciudad, sino de qué forma su espacio fue colonizado y transformado por una ciudad y un mundo que se apresuraba a olvidarlo como si matando al mensajero desapareciera el problema que este mostraba.

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figueroa2© José A. Figueroa

Cartografías íntimas, un acercamiento a las relaciones interpersonales

Vuelvo a sentir ante esta exposición la misma sensación que me acompaña siempre que veo las muestras colectivas de Casa América, me faltan datos y me siento perdido.
Si bien en esta ocasión la información es mayor que en años anteriores y tengo el dato de que los autores que exponen son una selección de los visionados de porfolios realizados en noviembre de 2015 en el Centro Cultural de España en México y en el Centro Cultural de España en Santiago de Chile dentro del foro «Trasatlántica», sigo mareado ante la avalancha de fotografías, muchas muy buenas a primera vista y otras que sin duda tienen detrás una historia interesante, un por qué, pero lo desconozco y no puedo apreciarlo como debería, qué pena.

vicente© Vicente González

Continuará.