Crónica de Photoespaña (X) Conclusión

Para concluir con mi crónica de PhotoEspaña muestro el artículo que he publicado en la revista Camaramagazine.com.

Ahora que PhotoEspaña se va acercando a su final considero oportuno realizar un balance de esta edición del festival.
Ha sido esta una edición que me ha decepcionado menos que las dos anteriores, me ha parecido más completa y más rica en cuanto a contenidos y autores aunque he echado en falta las grandes exposiciones de ediciones pasadas, tal vez ha sido todo demasiado homogéneo aunque con gloriosas excepciones.
Este año el tema del festival ha sido el cuerpo humano, aunque cualquiera diría que sólo el cuerpo femenino pues apenas se han visto desnudos masculinos, lo cual ha sido una constante a lo largo de la historia de la fotografía y de forma lógica se ha visto aquí reflejado. Según anuncian, para próximas ediciones el festival no será temático, sino geográfico, y las exposiciones se centrarán en áreas geográficas siendo España la correspondiente al 2014. Esto es una buena noticia pues en esta edición y en las anteriores se echaba de menos una mayor presencia de fotógrafos nacionales.
Dentro del programa de exposiciones ha predominado una gran variedad conceptual y formal, he visto grandes fotografías pero también muchas de relleno. De entre lo mejor que he visto me quedo con Emmet Gowin, fotógrafo al que confieso no conocer antes de que PhotoEspaña me lo descubriera. Las fotografías escritas de Shirin Neshat que se exponen en el Espacio Telefónica son igualmente fascinantes, al igual que la muestra retrospectiva dedicada a Rafael Sanz Lobato en la Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Las dos exposiciones albergadas en el siempre interesante edificio de La Tabacalera; “(Re)presentaciones” y “Chicago, impediré que el viento salga” son también de visita obligada desde mi punto de vista, aunque dentro de la primera hay algún autor que no me interesó pero el conjunto es interesante.
Me interesó el experimento conceptual titulado “Yolanda”, no por su valor fotógrafico, que no lo tiene, sino por su reflejo del poder evocador y revelador que la fotografía posee.

Me interesó especialmente la obra de Nancy Coste, en la galería Atalante y como de costumbre el Círculo de Bellas Artes ha albergado alguna exposición de interés, en especial la titulada: “El, ella, ello, Diálogos entre Edward Weston y Harry Callahan”, por su contenido y por el esquema expositivo que muestra la obra de dos autores buscando similitudes entre sus fotografías. Este mismo sistema también ha estado presente en la exposición que alberga la escuela Efti, titulada “Pam/Plossu … Plossu/Pam” y es que la repetición ha estado demasiado presente en esta edición. Se han repetido autores y se han repetido esquemas dentro de la misma edición y con respecto a ediciones pasadas,  todo se parecía demasiado y tal vez por eso sorprendiera tanto y tan gratamente una muestra como “Taxonomía del Caos”, que si bien no era especialmente reseñable por su contenido, salvo alguna excepción, si lo era por su diseño expositivo.

No quiero decir con esto que el festival esté anquilosado, pues claramente intenta renovarse con iniciativas tan loables en cuanto a su planteamiento como los premios Absolut porfolios. Insisto en la loabilidad de su planteamiento pues el resultado final no lo es tanto, lo cual no es culpa de los organizadores sino más bien de los participantes y, en cierto modo, del jurado. Si algo quedó claro en la gala de entrega de premios es que por desgracia muchas veces es más importante ser un buen vendedor que un buen fotógrafo para hacerse un nombre, aunque eso suponga relegar a un segundo plano a grandes autores.

PhotoEspaña es ya un gran festival, una oportunidad única para disfrutar de la mejor fotografía, especialmente en estos tiempos en los que la cultura se ve ninguneada por las entidades públicas (Sólo un 18% del dinero presupuestado es público), y tal vez por eso me disgustan detalles negativos como el incumplimiento del horario que figura en la información oficial por parte de varias galerías, que en algunos casos informaban en sus locales del cambio de horario pero en otros ni siquiera eso. Resulta decepcionante salir a ver exposiciones y encontrarse con cuatro o cinco galerías cerradas en un solo paseo.
Concluyendo, creo que Madrid es una ciudad privilegiada por tener una oportunidad como esta cada año de disfrutar de la fotografía, aunque no tanto de la mejor fotografía actual sino de las diferentes tendencias dentro de este noble arte. Y no sólo Madrid, pues este año han albergado exposiciones ciudades como Zaragoza, Cuenca, Lanzarote o incluso Praga.
Este ha sido el último año de Gerardo Mosquera como comisario general, a partir del próximo cada edición estará comisariada por una persona diferente. Se puede afirmar que se despide de una forma digna, ya veremos que nos trae el futuro.

Un descubrimiento: Bryan Shutmaat

Internet es, sin duda, la mayor galería de arte que existe, un cajón sin fondo donde se almacenan imágenes de todo tipo, por supuesto fotografías también, sobre todo fotografías.
Dedico bastante tiempo, tal vez demasiado, a navegar por la red en busca del trabajo de fotógrafos desconocidos o conocidos de antemano, lo cual me proporciona buenos ratos y alguna gran alegría como ha sido el descubrimiento de Bryan Shutmaat a través de Burn magazine.
Descubrí sus fotografías como uno de los finalistas del “Emergin Photographer Fund” en el que Burn recopila el trabajo de nuevos autores interesantes, y de inmediato quedé fascinado. Su uso del color, la temática de las fotografías, los motivos elegidos, todo ello encaja como las piezas de un puzzle dentro del estilo de fotografía que más me interesa de un tiempo a esta parte, y lo hace porque sus fotos son magistrales, inquietantes y bellas a un tiempo, seductoras, fascinantes.
Según leo en su web, Shutmaat pretende con “Grays the mountains sends” retratar la vida de los mineros del oeste norteamericano combinando paisaje, retrato y naturalezas muertas. Y desde luego que lo consigue, pero no sólo refleja la dureza de la vida en esos parajes como tantos fotógrafos documentalistas pudieran hacer, sino que lo hace con fotografías en las que esa dureza no existe, no al menos desde un punto de vista formal, pues sus imágenes son luminosas, con colores desaturados, con un aire pictórico, irreal.
De Shutmaat y de “Grays the mountains sends” me sorprende ese aura de irrealidad otorgada por el tratamiento de las fotografías, no por lo retratado, que no puede ser real. Consigue belleza e incluso poesía en imágenes de interiores desvencijados, en bares solitarios, en retratos de personas curtidas por el trabajo y los años, en paisajes que combinan la majestuosidad de la naturaleza salvaje con la intervención devastadora de la mano del hombre, es el retrato a color de lo que parece ser un gris constante en las vidas de los fotografiados y en el entorno que les rodea.
Leo al comienzo de su extenso currículum plagado de premios y exposiciones que nació en el año 1985 y cometo el error de pensar qué hacía yo como fotógrafo a esa edad, no debí haberlo hecho, ahora me va a costar recuperar mi siempre maltrecho ego. Mientras tanto seguiré disfrutando con el trabajo de Shutmaat, tanto de “Grays the mountanis sends” como de los que muestra en su antigua web, no tan impresionantes pero desde luego muy interesantes.

Copyright de todas las fotografías: Bryan Shutmaat / Copyright all photos: Bryan Shutmaat

Enlaces de interés:
Burn Magazine
Web actual de Bryan Shutmaat
Anterior web de Bryan Shutmaat

Crónica de Photoespaña (IX)

Rafael Sanz Lobato
Fotografías, 1960-2008.
Ha tardado pero por fin se ha inaugurado la exposición antológica de Rafael Sanz Lobato en PhotoEspaña
Premiado con la medalla al mérito de las bellas artes en 2003 y premio nacional de fotografía en 2011, Sanz Lobato es uno de los más grandes fotógrafos españoles como bien puede verse en la magnífica exposición que le dedica la Academia de Bellas Artes de San Fernando.
Me interesa de él toda su obra, desde las fotografías de tradiciones religiosas que son la fuente de la que bebiera Cristina García Rodero para “La España oculta”, hasta sus magníficos retratos o sus naturalezas muertas.
En todas las fotografías expuestas en esta muestra se puede comprobar su maestría, su dominio del blanco y negro, de la composición  y su habilidad para obtener belleza.
Resulta sorprendente que, durante años, el trabajo de este autor estuviera relegado a un segundo plano, casi olvidado, pero así son las cosas en este país sin profetas. Ahora se recupera su obra y su memoria gráfica en una exposición de visita obligatoria para cualquier amante de la fotografía.

Manolo Laguillo
Razón y ciudad.

Manolo Laguillo es el fotógrafo de la arquitectura española, de los ensanches, los extrarradios y las grandes avenidas. Las fotografías en blanco y negro que se pueden ver en el MUICO retratan varias ciudades, en especial Barcelona, desde el punto de vista de Laguillo y la evolución urbanística de estas.
Son estas fotografías que, a pesar de su marcado caracter documental y su ausencia de figuras humanas, tienen un fuerte contenido emocional. La geometría de las grandes obras del siglo pasado, retratada por Manolo Laguillo se convierte en una metáfora de la soledad y de la tristeza que hay en estas grandes obras, algo parecido a lo que hiciera R0bert Evans pero adaptado al desarrollismo franquista y sus continuaciones.
Aconsejo la visita.

Varios autores
After Álvarez Bravo, Fotografía Mexicana Ahorita.

Esta exposición pretende ser una muestra de la fotografía mexicana actual, no puedo saber si lo consigue pues reconozco mi desconocimiento dentro de ese área geográfica en cuanto a fotografía. Lo que es indudable es que las fotografías expuestas se ajustan a lo que uno espera encontrar en una muestra dedicada a México; mucho color y referencias a la muerte, de nuevo los tópicos se imponen y se convierten en la realidad, al menos en la realidad mostrada.
De esta exposición me quedo con el trabajo de Roberto Molina Tondopó que también se puede ver en (Re)presentaciones, en La Tabacalera. Las “Mujeres flores” de Eunice Adorno (excelente retrato de las mujeres mennonitas) y con las fotografías de Alejandro Cartagena que fueron finalistas en los premios Absolut Portfolios (Otro autor que se repite).
No cabe duda de que hay fotografías interesantes en la muestra, pero me cuesta entender qué criterio ha incluído las fotografías del colectivo “Diamonds Land” o por qué los collages charros de Ernesto Muñiz se consideran fotografía. Pero para gustos se hicieron los colores, y si de algo va bien surtida esta exposición es de colores.

Crónica de Photoespaña (VIII)

Nancy Coste
Alone in the machine.
La galería Atalante se dedica a la venta de tapices antiguos, por eso resulta un tanto extraño encontrarla dentro del circuito de PhotoEspaña, aunque cuando uno entra en su acogedor espacio se da cuenta de quizás sus paredes llenas de telas sean el mejor lugar para albergar las siempre interesantes fotografías de Nancy Coste.
En esta muestra hay fotografías en blanco y negro y fotografías a color, y la diferencia entre ambas va más allá de formalismos cromáticos.
Las imágenes en blanco y negro pertenecen a la serie “limpio”. Expuestas en clave alta y positivadas a gran formato, estas imágenes muestran escenas íntimas de familias desnudas en cuartos de baño. Son imágenes bellas, serenas y muy atractivas aunque hay en ellas un punto de retrato comercial.
Las fotografías en color pertenecen a la serie “Alone in the machine” y forman parte de un trabajo sobre grupo humanos que lleva desarrollando desde hace quince años. En estas fotografías aparecen grupos de personas (No en todas) realizando sus labores habituales, pero no es fotografía documental, pues una artificiosidad intencionada impregna cada escena, cada una de estas imágenes fascinantes. El uso tan especial que la autora hace del color y la composición otorga a sus fotografías un interés tan elevado que para mí constituyen ya uno de los puntos imprescindibles para el visitante de PhotoEspaña.

Cristobal Hara
Bufo.

Las fotografías de Cristoba Hara que expone la galería Marlborough me recuerdan de forma involuntaria a las de Cristina García Rodero y a su libro “La España Oculta” a pesar de ser tan diferentes.
Hara recorre en esta exposición la geografía española fotografiando personas en lo que parece ser manifestaciones religiosas o carnavales, y digo parece porque en los pies de foto sólo se informa del lugar de la toma, pero no del tipo de acto, lo que sería de agradecer.
Son fotografías en color, un color sucio, como de fotografía instantánea, que parece descuidado al igual que la exposición e incluso el enfoque. En estas fotografías prima mostrar el esperpento, ya sea en forma de personajes pintorescos, ya en fotografías de edificios y lugares desamparados.
De estas fotos me ha gustado el concepto, me ha interesado lo que el autor ha decidido fotografiar, especialmente en las fotografías de calles y edificios, en las que la mirada del autor es más personal. Soy consciente de que la intención del fotógrafo es resaltar el esperpento nacional huyendo de la fotografía perfecta, pero echo en falta una mayor implicación por su parte con lo fotografiado, no sólo con lo que se quiere fotografiar

Vari Caramés
Derivas.

Para aquellos que quieran saber algo sobre la trayectoria artísitca de Vari Caramés, esta exposición es más que idonea. No se trata de una muestra demasiado extensa, pero las imágenes expuestas dan cuenta de la evolución formal del autor, desde escenas de calle y fotografía de paisaje urbano convencional (Pero no por ello menos interesantes) hasta llegar a las fotografías en color, de idéntica temática pero respondiendo a una forma de hacer fotografía más acorde con modos actuales.
Me han gustado sus fotos más clásicas, su visión de las calles espontánea, algo desvaída y siempre gratificante. Entre esas fotografías se pueden ya ver algunas en las que el movimiento toma protagonismo, en que la nitidez de las imágenes comienza a desaparecer en virtud de efectos de velocidad, en barridos o exposiciones lentas. En las fotografías en color son el movimiento, el desenfoque y la mancha de color los protagonistas. Son imágenes borrosas, donde el color domina por encima de otros conceptos o requerimientos técnicos. A mi me han gustado menos estas últimas aunque les reconozco el interés.

Robert Mapplethorpe
Las mismas fotografías de Mapplethorpe, en la misma galería. Muy bellas, desde luego, pero nada nuevo bajo el sol.

 

Orgullo 2013

Las fiestas del orgullo en Madrid son una ocasión perfecta para salir a hacer fotos. A pesar de las trabas del ayuntamiento, el recorrido del desfile se llena de color, de personajes extravagantes, de ocasiones para pasar unas horas dichosas fotografiando la vida en las calles. Incluso, con un poco de suerte, se puede uno encontrar con Cristina García Rodero y dedicar un rato a observar cómo trabaja, cual es su método, y a aprender todo lo que se pueda de la gran maestra.
Estas son algunas de las muchas fotografías que tomé en el desfile.

(Click en las imágenes para ver la galería)

Fotógrafos imaginados: Servais Mont

Continuo con la serie de entradas sobre los fotógrafos que pueblan la ficción.

“Lo importante es amar”, es una producción franco-italo-alemana  dirigida por Andrzej Zulawski en el año 1975 y que describe un triángulo amoroso que tiene como piedra angular a Romy Schneider en una de sus mejores interpretaciones.
Ella es una actriz de tercera que sobrevive realizando películas eróticas o pornográficas. Un día entra en un rodaje Servais Mont, un fotógrafo que intenta capturar alguna imagen de la actriz sin su permiso durante un rodaje, pero ella le pide que no lo haga pues el cine erótico es sólo un trabajo alimenticio y no quiere ser reconocida. El fotógrafo se enamora de ella y se propone conquistarla a pesar de que ella está casada, y para ello financia en secreto un montaje teatral de Ricardo III, con la intención de relanzar su carrera y a la vez hacerse con su amor.
La película es un drama un tanto exagerado, una historia impetuosa que puede resultar desconcertante, pero no por eso es menos interesante.
Servais Mont, interpretado por Fabio Testi, se gana la vida como fotógrafo para producciones pornográficas algo excesivas y de muy dudosa catadura moral. Es el fotógrafo que prostituye su trabajo, el que necesita servirse de la fotografía como medio para asegurarse las lentejas aunque sea consiguiendo fotografías a escondidas en un rodaje erótico para unos matones. Todo vale si proporciona dinero.
Pero Mont no es sólo un mercenario de la fotografía, en él late el deseo de hacer una fotografía mejor, de hacer arte. Hay dos momentos en la película en que esto se puede ver con claridad; cuando acude a casa de ella para retratarla y en un momento muy especial, cuando tiene que fotografiar una orgía pero se concentra en el rostro de una mujer que llora, olvidándose de todo lo demás.
Servais Mont no es el único personaje de la película que tiene una relación con la fotografía, el marido de la actriz, interpretado por Jacques Dutront y que en mi opinión es el personaje más fascinante de todos (Por encíma incluso del histriónico actor al que da vida Klaus Kinski). Este personaje es una suerte de payaso triste que colecciona fotografías de hollywood, imágenes de rodajes, retratos de actores y actrices y todo lo que tenga que ver con la meca del cine. El esposo de la actriz que se rebaja para poder ganar algo de dinero vive pendiente de las fotografías del sueño cinematográfico, de imágenes de un mundo de lujos, de glamour.
Las fotografías son su refugio, no sólo su forma de ganarse la vida y acaban por convertirse en las protagonistas absolutas al final de la película. Las imágenes esparcidas por el suelo se convierten en el recordatorio de lo que los personajes nunca serán y a la vez en la constatación de lo que realmente son.

Enlace de interés: La ficha de la película en la IMDB

Crónica de Photoespaña (VII)

Emmet Gowin.

A estas alturas de PhotoEspaña, con todo lo visto, reconozco que comienzo a saturarme de tanta repetición de esquemas y de exposiciones de relleno, por eso reconforta, y mucho, encontrarse con una exposición como esta.
Confieso que no conocía al autor hasta ahora y que ha sido un descubrimiento a tener muy en cuenta. Según leo, Gowin empezó siendo dibujante y acabó decantándose por la fotografía después de iniciar los estudios de Artes Gráficas. Sus primeras referencias fotográficas las encontró en libros de Robert Frank, Cartier-Bresson o Walker Evans y su principal influencia fue Harry Callahan (también presente en esta edición de PhotoEspaña) que fuera el director de los estudios que cursó en la Rhode Island School of Design.
Las fotografías de Gowin son las de alguien que ama la fotografía en todo lo que esta significa, que disfruta con la toma de imágenes sin importar el tema pues en cualquier lugar o momento puede surgir una buena toma. es el fotógrafo pasional, el que vive la fotografía como una forma de vida en sí misma, el que necesita captar imágenes. Emmet Gowin demuestra tener una necesidad vital de expresarse con imágenes, y lo hace con las fotos de su entorno cotidiano, con los paisajes intervenidos por el hombre fotografiados desde el aire o con las muchas fotos que tomó a su mujer, protagonista indiscutible de una serie de imágenes bellas, inquietantes, magistrales.
En todas y cada una de sus imágenes en blanco y negro, en un formato reducido, hay algo que reconforta al espectador con la fotografía, que transmite serenidad y recupera el placer de contemplar bellas imágenes más allá de juegos conceptuales y experimentales. No significa eso que Gowin no se rindiera a la capacidad experimental de la fotografía, si bien comenzó fotografiando su entorno más cercano, acabo retratando a su esposa, su eterna musa, y para ello se sirvió de recursos como cuando usó una silueta recortada del perfil de ella sobre una tela blanca en la que venían a posarse insectos nocturnos y caían hojas, dando como resultado fotos hermosas e inquietantes.
Es esta una de las mejores exposiciones de esta edición de PhotoEspaña y una visita obligada para los seguidores del festival

Caminante Digital, el peatón en el Siglo XXI.

Esta exposición es el resultado de un concurso fotográfico convocado por la DGT para destacar la figura del peatón en el que los participantes debían enviar sus fotografías a través de Instagram.
Encontré la información de esta exposición en la guía del festival y no le mostré mayor interés. No me atraía el tema y mucho menos me interesaba el uso de Istagram, por lo que si acabé viéndola fue porque literalmente pasaba por la puerta de la tienda Fnac de La Castellana , sin embargo confieso que me sorprendió lo que encontré.
Es una muestra pequeña, llenas de fotos sencillas, todas ellas fieles al estilo habitual de las fotografías que circulan por Instagram, pero no por ello menos interesantes. Hay fotografías que usan el color o el encuadre de forma creativa y atractiva, hay originalidad en los encuadres y en la elección de motivos, también hay lugar para la repetición de ideas a pesar de la escasa cantidad de imágenes.
Quien ande por la zona puede darse una vuelta por el forum de la Fnac, merece la pena.

Ángel Rojo
Los ojos del silencio.
Ángel Rojo fue un fotógrafo sordo que, debido a su discapacidad, decidió plasmar en imágenes la realidad de la España de los años 50.
Las fotografías que expone la fundación ONCE nos devuelven una España que fue la que fotografiaron maestros como Miserachs o Catalá Roca, una España que parecía perdida y cuyo regreso es cada vez más visible.
Son fotografías muestran una realidad amable, inocente en ocasiones, pero en todas ellas está presente la situación social y económica de la época. Es un pequeño puñado de fotografías cuyo disfrute es más que aconsejable.

Pilar Pequeño
Paisajes cercanos.
La galería Rafael Pérez-Hernando alberga una muestra de fotografías tomadas en las riberas de márgenes y lagunas cercanas al entorno vital de la autora.
Son fotografías serenas, casi simétricas, que captan esos entornos sin la presencia del hombre, lo que les otorga un aire de misterio, incluso de magia. Es esta una fotografía paisajística que no busca retratar grandes maravillas de la naturaleza, que huye de técnicas hdr tan usuales en la fotografía de naturaleza.
Creo que algunas fotografías son demasiado similares entre sí, que hay una repetición indeseada e indeseable en una muestra no demasiado extensa, pero otras imágenes dignifican la selección por aquello que evocan y transmiten.
De todas las fotografías, me quedo sin duda con las imágenes en blanco y negro que se muestran en la planta inferior de la galería, me parece que ofrecen una mirada más personal y única, son las que más me han transmitido, las que me han contado algo más.

Entrega de los premios Absolut Porfolios

Dentro de las actividades paralelas a las exposiciones en esta edición de PhotoEspaña, ayer se entregaron los premios Absolut Porfolios de fotografía.

Esta iniciativa busca premiar nuevos talentos, no necesariamente jóvenes, cuyas fotografías puedan inscribirse dentro de tres categorías casi universales; Retrato, Nuevo documentalismo y Fotografía de autor.
Para la selección y premiado de los trabajos, esta edición contó como jurados con Pierre Gonnord en la categoría de retrato, Ricardo Cases en la de documentalismo e Isabel Muñoz en la de autor, tres pesos pesados para dar nombre y empaque a unos premios que acaban de empezar.
El acto, que estuvo presentado con el eterno presentador cultural, Carlos del Amor, tuvo lugar en La Casa Encendida.
En primer lugar se hizo entrega de un premio especial concedido por el público que ha visitado los porfolios en la web. En este caso se entregó ex aequo a dos trabajos, “Susurros del norte” de Alberto González y “Limbo” de Carlos García-Almonacid. El primero es una serie de fotografías en blanco y negro de paisajes y temas asturianos mientras que el segundo, muy encuadrado dentro de tendencias fotográficas actuales, muestra fotos en blanco y negro donde predominan manchas planas como cielos o tierras. Ninguno de estos trabajos me parecen merecedores de un premio especial, en mi opinión están demasiado adscritos a tendencias actuales que no son más que modas pasajeras.

Pierre Gonnord presentó la categoría “Retrato” y a continuación se procedió al visionado de los porfolios presentados.
En mi opinión merece la pena reseñar algunos trabajos. El de Joaquín Bas Ros, titulado “El último tren” es una selección desgarradora de fotografías de ancianos en asilos que los muestra con toda su dignidad sin olvidarse de que son personas aparcadas para esperar a su último tren. Un trabajo que emociona y da que pensar.
El otro trabajo más destacable es, desde mi punto de vista, el que resultó ganador. Se titula “En tránsito” y lo presentó Luc Eduard Queralt. Es una selección de fotografías tomadas a lo largo de muchos años en los que aparecen personas que pueden pertenecer a cualquier época y momento, esa es toda la unidad temática de la serie, pero es suficiente.

Ricardo Cases entregó el premio en la categoría “Nuevo documentalismo”
Dentro de los presentados, destacaría el porfolio de Pablón Chacón, titulado “Autopsia” y que consiste en fotografías tomadas en lugares donde se han producido accidentes de tráfico. El autor fotografía los lugares, a continuación toma algún objeto resto del accidente y lo fotografía en su estudio, sobre una mesa de luz. Por último toma muestras microscópicas y las fotografía en el microscopio.
Muy interesante el porfolio de Leonardo Gracés, titulado “El mismo cauce” lleno de fotografías tomadas desde un puente sobre la General Paz, en Argentina, a las personas que por esa carretera pasan en sus coches todas las mañanas. Del mismo modo llamó mi atención la obra de Palíndromo Meszaros que retrata los estragos producidos por una catástrofe ecológica centrándose en la señal roja que el lodo contamidado dejó a la misma altura allí por donde pasó.
El ganador fue: Toni Amengual por “Necrofilia I”, fotografías de los animales que habitan los zoológicos tomadas de noche, lejos de las visitas del público, y usando flash directo para así destacar su extañeza y soledad. No es el mejor de los porfolios presentados en esta categoría pero no le niego el interés.

La categoría “Fotografía de Autor”, o lo que es lo mismo, todo lo que no cabía en las anteriores, la presentó Isabel Muñoz.
El trabajo ganador pertenece a Lola PIneda y se titula “Urbanología”. Una serie de macrofotografías de elementos electrónicos y mecánicos abandonados que recuerdan ciudades. Nada nuevo bajo el sol desde mi opinión. Mucho mejores eran los trabajos de Ione Saizar o Jesús Pastor, aunque también creo que en esta categoría estaban los peores de toda la gala; las fotografías de cuentos de Arancha Galván y los retratos de personas mordiendo un limón  (Sic) de Acaymo Machin.

Por último, para clausurar el acto se entregó un premio especial “Visionario” al porfolio de Juan González, consistente en una serie de retratos sobre los que los propios retratados habían escrito textos que los identificaban y que tanto me recordaron (Salvando las enormes distancias plásticas y conceptuales) a las fotografías de Shirin Neshat que se pueden ver en el edificio de la telefónica dentro de esta edición de PhotoEspaña.

En definitiva, una interesante iniciativa en la que ha habido muy buenos fotógrafos pero también muy buenos vendedores. No olvidaré las ganas de reír a carcajadas cuando Acaymo Machín explicó sus fotos de mordedores de limones asegurando que hablaban de los miedos internos de cada persona y de como el poder limpiador del limón hacía que aflorasen y los limpiaba. Pero ya se sabe, así es el mundo del arte moderno, muchas veces no importa tanto si eres bueno como si consigues hacer creer que lo eres.
Tampoco entendí alguna que otra excusatio non petita por parte de Isabel Muñoz sobre alguno de los trabajos presentados ni el concepto que algunos tienen de la palabra “Brevedad”.

Todas las fotografías, ganadoras, seleccionadas y presentadas se pueden ver en la web: http://absolutporfolios.com/ y desde luego merece la pena dedicar un rato a visitarla.