Sálvame de las redes

El programa Sálvame que emite cada tarde Tele5 ha cumplido cinco años y para celebrarlo, entre diferentes actos y eventos, los responsables del programa decidieron encargar a  la fotógrafa Bárbara Allende, más conocida como Ouka Leele la realización de una foto grupal en la que aparecieran retratados los participantes habituales del programa.
Hasta aquí todo normal, un grupo de personas que en este caso son artífices de un programa de televisión confía en una artista reconocida y cuyo estilo podría encajar con la línea estética del espectáculo, la fotógrafa lo acepta y realiza un trabajo a la altura de las expectativas.

Fotografia de Ouka Leele

Hasta aquí todo normal, un grupo de personas que en este caso son artífices de un programa de televisión confía en una artista reconocida y cuyo estilo podría encajar con la línea estética del espectáculo, la fotógrafa lo acepta y realiza un trabajo a la altura de las expectativas.
Y aquí debería haber quedado todo, a unos les gustaría la foto y a otros no, pero esto es España y ha faltado tiempo para que los mentideros fotográficos de las redes sociales afilen las garras contra la fotógrafa por haber realizado tal encargo.
En la cuenta de Twitter de la autora y en otros muchos foros no sólo han llovido las críticas, sino también los ataques iracundos contra Ouka Leele por haberse “rebajado” a fotografiar a los representantes del programa más odiado de televisión (Tal vez también el más amado).
En estos días he leído todo tipo de críticas, y muchas van más allá de lo referente a la fotografía de marras y dan rienda suelta a los odios personales de fotógrafos y aficionados contra la trayectoria artística y profesional de Ouka Leele. Calumnia que algo queda, parece haber sido la consigna, al fin y al cabo las redes sociales son trincheras que permiten disparar sin ser visto, y de eso se han servido los atacantes.
Personalmente este asunto no sólo me resulta desproporcionado, sino que me sirve para recordar de nuevo como la falta de reflexión y de respeto son fantasmas que pululan sobre la cabeza de todo el que esgrime una opinión en este país de opinólogos.
La fotografia de la discordia es como el mismo programa, una tremenda horterada artificial y artificiosa pero que a la vez tiene algo seductor y atractivo a cuyo influjo puede resultar difícil escapar. No es una obra maestra pero si es una obra digna. Pero esta artificiosidad kitsch no es casual, sino intencionada, tanto por parte del programa a la hora de elaborar su contenido, como de Ouka Leele a la hora de retratarlos.
Entonces, ¿por qué tanto rechazo?
Al parecer, en principio lo que se le rechaza es haber retratado a quienes se califica como creadores de basura mediática cuando no se utilizan términos más duros.
El Sálvame es un espectáculo grotesco y en ocasiones soez que saca lo peor de sus colaboradores y los enfrenta entre ellos como si de una pelea de perros chabacana y macarra se tratara. ¿Y bien? ¿Impide eso que aquellos que engrasan a diario la maquinaria de tal parada de los monstruos televisiva puedan ser retratados con dignidad de seres humanos y profesionales?
Sálvame es basura o cómo lo queramos llamar (Excepto para los casi dos millones de espectadores que cada día acuden a su llamada catódica) pero eso no convierte a su equipo en una banda de criminales y no les niega el derecho que si se concede a políticos, banqueros y otros personajes de más que dudosa fama cuando no de reputación confirmada que continuamente recurren a los fotógrafos para inmortalizarse en sus glorias efímeras, y nadie pone el grito en el cielo.
Repasando las críticas que ha recibido Ouka Leele, veo que muchas de ellas no aluden a la dichosa foto para Sálvame, sino que sacan a relucir desprecios acumulados desde sus tiempos de fotógrafa relacionada con la movida y la vanguardia ochentera madrileña. Ahí está el problema, que vivimos en una sociedad donde los rencores fermentan durante mucho tiempo hasta que estallan espoleados por sucesos que nada tienen que ver con el auténtico trasfondo de la cuestión. Muchos han visto que Ouka Leele ha fotografiado a los representantes de uno de los programas más chabacanos y vulgares de nuestra televisión y no han perdido el tiempo en lanzar ataques personales contra ella, sin detenerse a observar la obra discutida y comprender que esta fotografía no dignifica al equipo de Sálvame, sino que los sitúa a cada uno en su sitio como dioses complacientes y complacidos de un paraíso de lo zafio y lo artificial.

Retrato de Chus Lampreave realizado por Ouka Leele

A diario, basta con hojear la prensa para encontrarnos con fotografías tomadas en conflictos internacionales, campos de batalla, lugares arrasados por desastres naturales y otros ámbitos en los que la tragedia y el drama humano campa a sus anchas. Y no es menos frecuente, cada vez más, que esas fotografías hayan sido tomadas o procesadas buscando la espectacularidad y la belleza estética, manipulando colores, luces y sombras, llegando en muchas ocasiones a falsear la realidad en aras de conseguir imágenes impactantes que puedan optar a algún premio. Para mí esto tiene una gravedad ética mucho mayor que la de haber retratado a un conjunto de comparsas televisivas, sin embargo hemos aprendido a convivir con ello y nadie afila los colmillos ante tal uso deleznable de la fotografía.
Ouka Leele ha recibido un encargo, y lo ha cumplido, punto y final. Se nos suben las ínfulas de artistas a la cabeza en cuanto cogemos una cámara y nos olvidamos con pasmosa facilidad de que ser artistas es bueno, pero ser fotógrafos nos permite poner un plato caliente en la mesa cada día. No sé si Bárbara Allende ha realizado esta fotografía por el dinero o por placer, no me importa, en cualquier caso creo que tiene todo el derecho del mundo a hacerlo sin convertirse en diana de dardos envenenados o quién sabe qué envidias acumuladas.
Cristina García Rodero, a quien tanto admiro, aceptó encargos de retratar a Manuel Marín o a los miembros de la casa real, pero las críticas resultaron más tímidas, casi de soslayo, a pesar del absurdo que supuso encargar ese tipo de fotografías a una reportera como García Rodero cuyo trabajo se aparta meridianamente de lo que se requería. Y como ella fueron y serán muchos los fotógrafos que aceptan encargos que se apartan de forma tangencial de su carrera.

Fotografia de Cristina Garcia Rodero

Annie Leibovitz realizó una serie de fotografías en la que escenificaba las películas de Disney con actores famosos. Son fotografías artificiales, teatrales, con horas de retoque digital y que poco tienen que ver con el trabajo habitual de Leibovitz, pero no por ello son menos dignas.

Fotografia de Annie Leibovitz

Stephen Shore se apartó de su carrera fotográfica realizando fotos para la revista de moda Bottega Venega. Nan Goldin fotografió moda infantil para Kid’s Wear.
Steve McCurry fotografió el calendario Pirelli, Philip-Lorca di Corcia tomó fotos para W Magazine e incluso nuestro Agustí Centelles trabajó para Chupa Chups.

Fotografia de Steve McCurry

Como dijo un coetaneo de Ouka Lele en los tiempos de la movida, corren malos tiempos para la lírica.

 

Enlaces de interés.
Web de Tele5
Sobre Ouka Leele
Información sobre fotógrafos trabajando por encargo en el blog Oda a Niepce

OTROS FOTOGRAFOS POR ENCARGO:

Crónica de PhotoEspaña VII

Eugeni Forcano. Atrapar la vida. Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, hasta el 31 de Agosto

Ahora que  PhotoEspaña casi está llegando a su fin oficial, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ha sorprendido con una exposición dedicada a Eugeni Forcano que se convierte de forma automática en una de las joyas de esta edición del festival.
Forcano es uno de los fotógrafos más grandes de la historia de este arte en España, a la altura de Masats, Catalá Roca, Cualladó y tantos otros, sin embargo su fama no ha llegado al gran público. Esta es la ocasión perfecta para conocer su obra y disfrutarla. En esta muestra están presentes los temas que más le interesaron, tales como La Barcelona del desarrollo, la vida rural, Banyoles, Día de mercado, Gente Gitana, La magia de las fiestas, las formas de la dictadura, Curas y monjas, Miserias humanas, la vida en la calle, la seducción de un instante o Tipos con carácter. Su fotografía, cándida en algunos planteamientos pero no exenta de agudeza sarcástica, retrató la vida de su época, a los habitantes de la Cataluña en la que vivió, las escenas cotidianas pero cargadas de poesía, los contrastes entre la miseria y los actos oficiales de la dictadura… Todo ello reflejado en un blanco y negro impactante, hermoso y seductor. Pero para el que pueda pensar que la obra de Eugeni Forcano se limitó a la fotografía social puede resultar una sorpresa muy agradable encontrarse con los experimentos que realizó con el color, un conjunto de fotografías abstractas de gran belleza en las que no sólo queda patente su dominio de las técnicas fotográficas, sino su visión artística adelantada a su tiempo. Por si no fuera suficiente con la calidad de las imágenes, el excelente diseño expositivo, la calidad de las copias y el tamaño de estas convierten a la exposición en un placer para la vista imprescindible para fotógrafos e interesados que puedan dedicar un tiempo a su disfrute.

Mapping the blind spots. Museo Fundación Lázaro Galdiano, hasta el 27 de Julio 

El recurso de las exposiciones recopilatorias de imágenes es perfecto para llenar espacios en festivales como PhotoEspaña. Nada mejor que recurrir a lo que ya ha triunfado para garantizarse un cierto éxito . Esto es lo que han hecho los colectivos de fotógrafos Nophoto y Sputnik pero dando una vuelta de tuerca más a la forma de presentar las obras. Mapping the blind spots presenta una serie de proyectos de miembros de ambos colectivos representados por pocas imágenes cada uno, pues al parecer no es la muestra de los trabajos lo que persigue la exposicion, sino jugar con el montaje superponiendo y mezclando fotografias hasta resultar un batiburrillo ininteligible. A la entrada de la pequeña sala se muestran proyectos aislados, pero al fondo todo se mezcla y se confunde, unas fotografias se superponen a otras y ya solo hay espacio para el caos. Considero que este es un recurso para estirar aun más un chicle conceptual gastado y que ha perdido todo su interés. Hay proyectos de gran interés, como “Idilios” de Marta Soul y algunos más que merecen ser disfrutados en toda su magnitud, pero aqui solo hay desorden, una vuelta de tuerca conceptual más, un nuevo intento de tratar a la fotografia como un objeto, no por su magnitud artistica.

Fotografía y arquitectura moderna en España, 1925-1965 Fundación ICO 

Esta exposición, con la que laFundación ICO participa en PhotoEspaña forma parte de un proyecto de investigación en desarrollo liderado desde la Universidad de Zaragoza por Iñaki Bergera, presenta, por primera vez y de forma explícita, un acercamiento al papel de la fotografía en la modernidad arquitectónica española. El resultado se muestra a través de más de 250 imágenes realizadas por cerca de 40 fotógrafos durante más de cuarenta años. Los más grandes maestros, tales como Català-Roca, Pando, Kindel, Paco Gómez, Schommer, Muller, Férriz, Luis Lladó o Margaret Michaelis están aqui representados en un estilo fotografico que muchas veces se aleja de lo que conocemos de ellos. Las fotografias (Casi todas en blanco y negro) hacen un recorrido a lo largo de lo más representativo de la arquitectura moderna española. Hay fotografias de gran belleza y la mayoria tienen un valor documental unico. Todo ello hace que la exposicion se contemple con gusto aunque para mi gusto llega a cansar un poco, pero eso es solo mi opinion personal, nada más.

Vidas recicladas, de Manuel Zamora. Fnac Callao, hasta el 27 de Julio.

Manuel Zamora fue merecedor del premio Ojo de Pez de valores humanos en 2013 por esta serie en la que ha retratado a personas que en su localidad, Murcia, andan de casa en casa recogiendo chatarra y todo tipo de objetos para reciclar. Con esta serie de fotos que sigue un mismo esquema formal en todas las imagenes (Sujeto de perfil empujando el medio del que se sirven para transportar su mercancia) constituye un retrato interesante de como la crisis crea nuevas formas de subsistencia, en este caso entre inmigrantes que se ven obligados a ganarse la vida de esta peculiar y arcaica forma. El conjunto invita a reflexionar sobre nuestra sociedad y nos induce a querer saber más sobre estas personas, sobre qué hay detrás de su trabajo, sobre su intrahistoria.

Henrí Cartier-Bresson, la exposición en Fundación Mapfre

Hago un inciso en mis crónicas de PhotoEspaña para hablar de la exposición más importante que se disfrutará este año en Madrid.

FUNDACIÓN MAPFRE expone en sus salas del Paseo de Recoletos, hasta el 7 de septiembre, la exposición “Henri Cartier-Bresson”, la gran retrospectiva del fotógrafo francés que viene a España directamente desde el Centre Pompidou traída por su comisario Clément Chéroux.

A estas alturas, no considero necesario contar quien fue Henri Cartier-Bresson. Es probablemente el fotógrafo más conocido en el mundo y su fama es una de las más merecidas. Sólo por eso, la visita de esta exposición es obligatoria para todo amante de la fotografía.
Esta es primera muestra retrospectiva que se celebra en Europa desde la muerte de Henri Cartier-Bresson (Francia, 1908-2004), y el hecho de que el autor haya fallecido ya constituye un inconveniente, pues su voluntad con respeto a su obra comienza a ser ignorada.
Mientras vivió, supervisó las retrospectivas que se hicieron de su trabajo y nunca permitió un órden cronológico en las exposiciones, pues consideraba que su obra formaba un todo indivisible que sólo admitía una clasificación temática. Esa decisión del autor aquí ha sido ignorada y lo que nos encontramos es un recorrido cronológico por toda su obra, lo cual tiene un aspecto positivo y otro negativo.

Retrato de Henri Cartier-Bresson realizado por George Hoyningen-Huene

Para los que nos acercamos a la muestra con ojos de fotógrafos, este órden nos permite disfrutar de la evolución de la obra de Cartier-Bresson y realizar un acercamiento a su biografía. Es interesante conocer sus comienzos como dibujante y su evolución, desde la imitación de Atget en sus comienzos a la liberación que se supuso su contacto con los surrealistas, su excelente trabajo como retratista o su etapa como fotoperiodista y creador de Magnum. Pero considero que para los que sólo quieran conocer las fotografías de Cartier-Bresson, este diseño expositivo puede resultar pesado e incluso aburrido debido en gran parte al que considero que es el segundo problema de esta exposición, aunque seguramente sea un problema inevitable, el ansia por abarcar toda una obra tan basta.
Hay alrededor de 300 fotografías además de gran cantidad de documentos, proyecciones y otros. Está claro que ante un espectro tan amplio no todo lo que vamos a encontrar son obras maestras. Cartier-Bresson, como cualquier otro de los grandes, produjo excelentes imágenes e imágenes de menor calidad, y todas estas están en la exposición, lo que induce a una fatiga museal considerable que nos impedirá disfrutar con mayor intensidad de sus mejores obras, las cuales, por lógica, se encuentran al final del recorrido expositivo pues pertenecen a su madurez como fotógrafo.
Como fotógrafo, disfruté de todas las imágenes que encontré en la muestra, todas me aportaron algo y me hicieron conocer más a fondo al gran maestro, pero es probable que un visitante curioso no vinculado al arte de Niepce pueda sentirse agotado y en algún caso aburrido o abrumado.
No quiero decir con esto que la muestra aburra, en absoluto, es fascinante, pero tal vez pudo haberlo sido más con otra organización, con otra selección de fotografías que hubiera incidido más en las mejores fotografías, pues echo de menos bastantes fotografías célebres por su gran calidad y muy representativas de su obra que no están aquí.

Después de haber visto la muestra un par de veces y de haberme deleitado largo y tendido con el excelente catálogo que Fundación Mapfre ha editado, puedo decir que he aprendido mucho sobre Cartier-Bresson y sobre fotografía en general.
A Bresson se le conoce por su teoría del instante decisivo y como padre del fotoperiodismo, y todo ello ha quedado bien reflejado en la exposición, pero para mí es sobre todo un maestro indiscutible de la composición.
Hay una sección en la muestra en la que relaciona su obra con el número de oro y cómo las enseñanzas de André Lhote le mostraron el camino de la geometría en la composición y del uso de la sección aurea. Hay fotografías magistrales de Cartier-Bresson que lo son por el uso de la composición en escenas callejeras, espontáneas, aquellas donde el fotógrafo apenas dispone de tiempo para evaluar la escena y componer antes de disparar.
En estas fotografías veo al artista que fuera siempre Cartier-Bresson desde que comenzó dibujando hasta que dejó la fotografía para regresar al dibujo. Más allá del magnífico captador de momentos irrepetibles o del fotoreportero, Bresson fue una bestia fotográfica capaz de ver el mundo con una visión única e irrepetible, la visión del que se conoce como el ojo del siglo.

Es mucho lo que he aprendido en esta exposición y no sólo me parece recomendable, sino que a pesar de algunos peros personales, creo que es imprescindible. El conocimiento profundo de los maestros es la mejor forma de avanzar en la fotografía.
No dejen de visitarla y disfrutarla.

 

Enlaces de interés.
Web de la exposición.
Las fotos de Cartier-Bresson en la web de Magnum

CRÉDITOS DE LAS IMÁGENES: © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos, cortesía Fondation Henri Cartier-Bresson.

 

Crónica de PhotoEspaña (VI)

Más exposiciones de esta edición de PhotoEspaña.

Anatomías distantes, de Ochi Reyes y Javier Marqueríe Thomas
La Fábrica,  hasta el 24 de agosto

La exposición que se acaba de inaugurar en el espacio que La Fábrica tiene en la calle Alameda, presenta un diálogo visual entre dos autores.
Este diálogo se organiza en base a una temática común en sus fotografías, la indagación en el pasado familiar, una introspección en el recuerdo personal de familiares cercanos. El resultado se muestra en forma de dos colecciones de imágenes que rivalizan en belleza estética y conceptual.
Las fotografías de Ochi Reyes, como ocurre con un buen grupo de fotógrafos en esta edición de PhotoEspaña, ahonda en el recuerdo de un familiar perdido, en este caso la madre. Para ello, Ochi  Reyes ha buscado objetos personales de su madre y los ha fotografiado pero sirviéndose para ello de técnicas microscópicas. Lo que vemos son texturas, trazos escritos aumentados, imágenes abstractas en apariencia pero que muestran una realidad muy concreta. El resultado es doblemente interesante, tanto desde el punto de vista estético dada la gran belleza de las imágenes, como del trasfondo argumental por la originalidad del acercamiento realizado por la autora hacia la memoria de su madre.
Lo que  Javier Marqueríe Thomas presenta es un bonito trabajo que toma el nombre de la finca familiar.
Los barros del Monje es el lugar donde se ha desarrollado la vida familiar, a lo largo de los años ha aparecido munición y metralla procedente de la Batalla de Brunete. Esas piezas forman parte de la memoria de Javier Marqueríe, asociadas al recuerdo de su tío que las ha ido reuniendo a lo largo de los años gracias a un detector de metales. En sus fotografías se alternan los retratos con las naturalezas muertas compuestas de reliquias de la batalle, y en conjunto realizan un recorrido por la memoria del autor.
Son dos trabajos concebidos sin relación pero que al unirse en las paredes de la sala forman un bello cuadro que nos habla de la huella que la familia deja en cada uno de nosotros.
Recomiendo la visita a esta exposición.

 

© Ochi Reyes

  © Javier Marqueríe Thomas

Fotos y libros, España 1905-1977
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía,  hasta el 05 de enero de 2015

La exposición con la que el Museo Reína Sofía participa en PhotoEspaña muestra una selección de ejemplares de la colección del museo que realiza un más que interesante recorrido por la historia de los libros fotográficos en España.
Entendiendo el fotolibro como una publicación en la que la fotografía es protagonista por encima del texto, los aquí expuestos muestran cómo la fotografía, desde principios de siglo hasta casi la década de los ochenta sirvieron no sólo para mostrar la obra de los fotógrafos, sino para reflejar la realidad de la sociedad española.
Se pueden ver en esta exposición cuyo montaje y comisariado es excelente, fotolibros de autores tales como Ortiz Echagüe, Alfonos, Catalá-Roca, Masats o Miserachs entre otros muchos y abarcan temas desde la labor de las Misiones Pedagógicas a la propaganda franquista o la edición casi fanzinera durante la movida.
No es sólo un repaso a la historia reciente de España en imágenes, sino también una muestra de cómo el llamado fotolibro no es un invento actual y ha sido empleado desde que existe la fotografía, siempre sirviendo a muy distintos fines y directrices que no siempre entraron dentro del terreno de lo artístico.
Propaganda, promoción turística, pedagogía o exposición de obra artística, todos los fotolibros aquí mostrados así como las fotos que los acompañan consituyen una exposición con gran interés.

Retratos en papel, de Chema Conesa
Sala Alcalá 31,  hasta el 27 de julio

Toda una vida como retratista de prensa es lo que se concentra en la sala Alcalá 31 gracias a esta exposición comisariada por or el fotógrafo y Premio Nacional de Fotografía, Ramón Masats y Alberto Anaut, presidente de La Fábrica.
Trabajando para distintos medios, Conesa ha realizado retratos de las principales personalidades de la cultura, la política o el deporte entre otros para ilustrar entrevistas y artículos de prensa.
Son retratos realizados casi siempre en condiciones adversas que obligaron al fotógrafo a desplazarse al  lugar de la entrevista y a improvisar con los medios disponibles durante el muy escaso tiempo del que dispuso, siempre cuando el periodista de turno acababa su trabajo. En este tipo de situaciones se comprueba la maestría de un autor, cuando es capaz de captar la esencia del retratado huyendo de composiciones clásicas y encontrando siempre un punto de vista original y nuevo para fotografiar a su modelo.
Esta muestra es un buen ejemplo de cómo el buen hacer de un fotógrafo puede convertir un encargo difícil en una gran obra.

Madrid 24 Horas, un día en la vida de Madrid, Varios autores..
CentroCentro, hasta el 27 de Julio.

Ya es constumbre que en cada nueva edición, PhotoEspaña ofrezca la oportunidad de tomar parte en el festival a los aficionados a través de alguna iniciativa participativa. Este año, el festival ha convocado el concurso “Madrid24H, un día en la vida de Madrid”. La idea era reflejar la vida en la capital cada una de las horas del día, para lo cual se han seleccionado 24 fotografías entre las más de 3000 presentadas.Cada una de las 24 instantáneas ilustra una de las franjas horarias de un día en la vida de la ciudad madrileña, creando un mosaico fotográfico urbano y colectivo
La función del concurso, que se ha desarrollado on line a través de la web: Madrid24h  y ha sido patrocinado por el Ayuntamiento de Madrid y Samsung, además de hacer más participativo al festival, es doble; por un lado Samsung promociona sus productos tanto con los premios como con las pantallas en las que se proyectan las fotos (No es una exposición en papel), por el otro, se promociona también la ciudad de Madrid, al menos su cara más amable.
Soy uno de los seleccionados entre los 24, con lo cual no tiene sentido que sea demasiado crítico con algo en lo que he tomado parte, pero sí me hubiera gustado que cuando se hablaba de exposición, esta lo fuera realmente tal y como todos lo entendemos, y tal vez un poco menos de buenrollismo en la selección de fotografías ganadoras. Entre las presentadas había algunas muy buenas pero que no ofrecían una imagen del todo amable y tópica de la ciudad.
En fin, para gustos…

 Fotografía ganadora, © Daniel Medina de Dios