Nicholas Nixon en Fundación Mapfre

Fundación MAPFRE ha presentado hoy, 12 de septiembre, en Madrid, la exposición del fotógrafo Nicholas Nixon (Detroit, Míchigan, 1947), uno de los más importantes de la segunda mitad del siglo XX. La muestra puede visitarse hasta el 7 de enero, en la sala Bárbara de Braganza, 13 (Madrid).

© Presentación de la exposición

La muestra, compuesta por más de 200 fotografías, presenta sus principales series organizadas de manera cronológica. En todas ellas, Nixon emplea una técnica sencilla, casi obsoleta, pero impecable, usando una cámara de gran formato que impone la cercanía. Cuenta, además, con la colaboración de los retratados con el fin de mostrar los mundos próximos en los que fija su atención: los ancianos, los enfermos, la intimidad de las parejas y la familia. Su obra revela una tensión entre lo visible (el contenido) y lo invisible (los pensamientos e inquietudes de los protagonistas).
El recorrido de la exposición comienza con Vistas, serie en la que se incluyen imágenes tomadas en los alrededores de la ciudad de Alburquerque (Nuevo México) siendo estudiante de fotografía. En esta sección también se incluyen instantáneas con las vistas de Boston y Nueva York realizadas por Nixon entre 1974 y 1975. Con estas obras el norteamericano participó en New Topographics, una de las exposiciones más importantes de la historia de la fotografía.
A partir de 1977, Nixon se centra principalmente en el retrato, un género que encaja con sus intereses y valores personales que se trasladan a su trabajo diario. Este cambio de objetivo puede observarse en las siguientes series del recorrido: Porches, que ofrece imágenes que recorren los márgenes del río Charles, cerca de Boston, y más tarde otros barrios pobres de Florida y Kentucky. Las fotografías se realizan en la ribera del río, en las playas y sobre todo en los porches de las casas, espacios de transición entre lo público y lo privado.  

© Nicholas Nixon, de la serie Porches

Hacia 1984, empieza a fijarse en un tema que se acabará convirtiendo en una nueva serie que le ocupará también el año siguiente y al que ha vuelto recientemente: los ancianos alojados en residencias que visitaba como voluntario. La experiencia directa y el interés por las personas al final de sus vidas están presentes en su obra de aquí en adelante.
El siguiente proyecto que aborda tiene una evidente continuidad con la serie anterior. Se trata de People with AIDS (1988) donde el artista recoge la secuencia de quince vidas afectadas por el sida, así como cartas y conversaciones transcritas por Bebe, su mujer. Nixon se implicó de una manera muy clara en este proyecto con el fin de ofrecer una crónica honesta y real de estas vidas y se adentró en su privacidad para comprender el sufrimiento de los enfermos y el de sus seres cercanos.

© Nicholas Nixon, de la serie People with AIDS

Con la serie Familia, formada por imágenes de su mujer, su hijo Sam y su hija Clementine, Nixon se recrea en la intimidad. La proximidad de su cámara sugiere algo táctil, como si les acariciara.

© Nicholas Nixon, de la serie Familia

A partir del año 2000 Nixon no trabaja con series cerradas, sino que vuelve una y otra vez sobre sus principales obsesiones. Buen ejemplo de ello es la serie Parejas, en la que no prepara las escenas, sino que participa de ellas, y en las que se esfuerza por crear un clima de confianza que permite que la fotografía surja sola.
En Nuevas Vistas, Nixon vuelve a subir a las azoteas de Boston. Estas vistas están tomadas con un formato mayor de cámara, 11×14 pulgadas, que permite ver mucho más de lo que percibe el ojo a simple vista.

© Nicholas Nixon

En la última década Nixon se centra de lleno en el retrato, con primeros planos de recién nacidos, niños, enfermos hospitalizados y ancianos que muestran la fragilidad y la capacidad misteriosa de resistencia del ser humano. En esta línea, destaca la serie Las Hermanas Brown, sin duda su obra más conocida, compuesta por los retratos de su mujer Beverly Brown (Bebe) y de sus tres hermanas, con las que crea una de las investigaciones sobre el retrato y el tiempo más convincentes de la fotografía contemporánea.  Esta serie, con la que Fundación MAPFRE inició su colección de fotografía (2009), también forma parte de las colecciones del MoMA de Nueva York, el Museum of Fine Arts de Houston, la National Gallery of Art de Washington, o la Fundación A de Bruselas.

© Nicholas Nixon, de la serie de Las hermanas Brown

La serie de las hermanas Brown tal y como se presenta en la exposición

Cierra la exposición un pequeño grupo de fotografías tomadas en las escaleras y en el porche de su casa y en las que destacan las cortinas mecidas por el aire, así como un cuadro que siempre estuvo ahí.

Nicholas Nixon es el fotógrafo de la intimidad. En cualquiera de sus imágenes se percibe una cercanía hacia lo fotografiado, un acercamiento íntimo que resulta patente tanto en sus retratos en primer plano como en sus vistas de calles abarrotadas de tráfico. Esa cercanía hacia sus motivos se transmite al visitante y hace de esta una exposición de visita muy recomendada.

Advertisements

Joan Colom, adiós al maestro.

Acaba de fallecer Joan Colom, el fotógrafo que reunía en su persona dos características antagónicas; ser uno de los más grandes de nuestra historia fotográfica y uno de los más desconocidos.
Considero oportuno reseñar algún detalle de su biografía.
Joan Colom

© Joan Colom

Colom nació y vivió en Barcelona, y se convirtió en un cronista meticuloso de la vida en la ciudad condal. Habitante del barrio chino en los años cincuenta, Joan Colom empleaba los ratos libres que le proporcionaba su oficio de contable para salir a las calles y fotografiar su entorno vital.
Casi a escondidas, con una cámara que se refugiaba furtiva entre sus ropas, fotografiaba todo lo que se encontraba, sin distinguir clases sociales o profesiones.
En sus fotografías del barrio chino hay amor por la vida y un tremendo respeto por sus fotografiados. Pasión por la vida en las aceras y amor por la fotografía. Por desgracia, no todos lo vieron así, y ello le acarreó problemas serios.

© Joan Colom

Como fotógrafo, Joan Colom llevaba una vida discreta, más bien fotografiaba por placer, si bien tuvo contacto con actividades fotográficas que fueron definitorias de su trayectoria. En el año 1957 pasó a formar parte de la Agrupación Fotográfica de Catalunya y en 1960 participó en la creación del grupo artístico El Mussol.
Fue el contacto con la AFC lo que le animó a retratar las calles, inspirado por algunos coetáneos tales como Ramón Masats, Javier Miserachs u Oriol Maspons, los maestros del reporterismo y la fotografía humanista, tan relacionados con AFAL.

Joan Colom - La mirada de polifemo© Joan Colom

Sus fotografías del barrio chino se expusieron por primera vez en el año 1961, dentro de la sala Aixelá, con el título de “El Carrer” (La Calle), que ya era una declaración de intenciones. Esta muestra de sus imágenes le procuró fama entre los que fotógrafos que admiraban su trabajo. Fue Oriol Maspons quién le animó a hablar con Esther Tusquets, editora de Lumen, para mostrarle sus fotografías.
La editora no tardó en encontrar motivo para la publicación de un libro. En la editorial consideraron que el libro debía ir acompañado de un texto, que encargaron a Camilo José Cela.
Cela escribió un texto centrándose en las muchas prostitutas que aparecían en las fotografías del barrio chino y obviando las demás. Tituló al libro “Izas, rabizas y colipoterras” en uno de sus alardes de conocimiento del castellano, pues son tres sinónimos de la palabra “Prostituta”. En el libro sólo se mostraron las fotografías que tenían alguna relación con la prostitución, desaparecieron los niños, los obreros y tantas otras. Se publicó en 1964 y con él llegó la gloria y el escándalo.

Joan Colom - La mirada de polifemo© Joan Colom

Una de las prostitutas, Eloísa Sánchez, presentándose como camarera hija de un militar y director de prisiones en Valencia, presentó una denuncia contra el libro, el fotógrafo y el autor del texto, reclamando un millón de pesetas.  Parece ser que en realidad, esta mujer era amante del comisario del barrio chino, y que fue este quien amenazó al fotógrafo si volvía a hacer fotos en su barrio.
Sea como fuere, aunque el día del juicio ella no se presentó y la causa fue sobreseída, Joan Colom pasó treinta años retirado de la fotografía.
Renunció a la fotografía, perdió todo interés y no regresó a su arte hasta pasada su jubilación. De esa época destaca su experimentación con el color y sus imágenes sobre la Barcelona Olímpica, que mostraban una cara oscura diferente a la oficial.

Aún así, el fotógrafo deja un legado de magníficas fotografías, editadas en diferentes libros que le hicieron merecedor del Premio Nacional de Fotografía (2002), la Medalla de Oro al Mérito Cultural del Ayuntamiento de Barcelona (2003), el Premio Nacional de Artes Visuales (2004) o la Creu de Sant Jordi (2006) entre otros premios y galardones.
En el mes de diciembre del año 2013, el MNAC (Museo Nacional de Arte de Cataluna) montó una exposición retrospectiva con el título “Yo hago la calle” mostrando más de 500 fotografías.

La obra de Joan Colom está presente en libros o en internet. Yo he obtenido algunos de estos datos de “La calle en un instante“, un magnífico documental sobre la fotografía de calle en España, imprescindible para cada fotógrafo amante de la fotografía callejera.

Enlaces de interés.
Cronología de la obra de Joan Colom

Crónica particular de PhotoEspaña 2017 (IV)

Sigue mi crónica de PhotoEspaña 2017. En esta ocasión dedicada a las exposiciones visitables en el Museo del Romanticismo, la sala Canal de Isabel II y el Museo ICO.
Jon Cazenave

© Jon Cazenave (Galerna)

Museo del Romanticismo

En un círculo de rebeldes
Karlheinz Weinberger

Alberto García Alix, dentro de la carta blanca que le ha concedido PhotoEspaña, nos ha traído esta joyita de un autor muy poco conocido, al menos por mí.
Karlheinz Weinberger era un mozo de almacén que dedicó su tiempo fuera del trabajo a la fotografía, sobre todo al retrato de personas. Sus modelos los obtuvo dentro de “Der Kreiss“, el famoso club gay alemán.
Sus retratos, sencillos en cuanto a composición o iluminación, muestran una galería fascinante de personajes pintorescos. Sus retratados podrían ser esperpénticos si no hubiera en cada uno de ellos el encanto naif de quienes intentaban romper con una sociedad castrante a través de su vestuario, estrafalario y lleno de originalidad.
Grandes chapas con el rostro de Elvis, braguetas sujetas con tornillos y tuercas, una mezcla desordenada de referentes culturales y visuales.
Una exposición deliciosa, pequeña como todas las que se programan en el Museo del Romanticismo, pero maravillosa.

Karlheinz-Weinberger-museo-romanticismo-roselino

© Karlheinz Weinberger

Canal de Isabel II
Un cierto Panorama -Reciente fotografía de autor en España-

Acudí a ver esta exposición con cierto recelo. Las recopilaciones de nuevos talentos son, con demasiada frecuencia, colecciones de esperpentos post fotográficos, apropiacionistas y demás parafernalia adorada por los modernos gurús de la fotografía. En cambio, esta exposición expone una serie de trabajos de gran interés plástico y temático.
Los perros bailarines de Bego Antón tienen un punto entre lo adorable y lo demente. Las muñecas hiperrrealistas de Elisa Gonzalez asustan en un primer vistazo y generan compasión en una segunda visita. Jesús Monterde con su trabajo titulado “Némini Parco” compone un cuadro de terror rural desasosegante del que cuesta retirar la mirada y que retrata una España menos profunda de lo deseable. Conocí el trabajo “Real” de Teo Barba en un visionado de maquetas, me ha alegrado verlo ahora expuesto porque me parece una bellísima y sugerente colección de imégenes y una muestra de como a partir de un tema sencillo se puede hacer excelente fotografía. Las fotografías que Jon Cazenave presenta con el título de “Galerna” son potentes, inquientantes y seductoras de su País Vasco natal que aparece aquí como rural y mágico.
Además de las fotografías expuestas, dos proyecciones muestran el trabajo de más autores, muchos de ellos muy recomendables.

teo barba real

© Teo Barba (Real)

Museo ICO

Entropía y espacio urbano
Gabrielle Basillico

Como de costumbre, la exposición que alberga el Museo ICO se centra en la fotografía de arquitectura.
Las fotografías de Gabrielle Basilico expuestas fueron tomadas desde 1979 a 1997 y son, en casi su totalidad, potentes imágenes de gran tamaño que retratan ciudades sin la presencia del ser humano.
Magníficas me parecen las fotografías de Beirut destrozado por la guerra y desierto de personas y vehículos. Esta muestra permite al espectador viajar de ciudad en ciudad, con alguna escala en España, disfrutando del trabajo de este autor, que tiene mucho de los Becher, pero también algo del voyeurismo arquitectónico de Atget. Una gran exposición, sin duda, por sus dimensiones y por la calidad de las fotografías.

gabrielle basilico Madrid

© Gabrielle Basilico

Y hasta aquí esta crónica de PhotoEspaña dedicada al Museo del Romanticismo, el Canal de Isabel II y el Museo ICO. Pronto, más.

 

Crónica particular de PhotoEspaña 2017 (III)

En esta entrada hablaré de las exposiciones de fotografía en el Teatro Fernán Gómez – Centro Cultural de la Villa y en el Museo Cerralbo.

cristina garcia rodero lalibela photoespaña© Cristina García Rodero

Centro cultural de la Villa.

Cristina García Rodero
Lalibela, cerca del cielo

Ya he dejado patente en otras entradas de este blog mi admiración por Cristina García Rodero. Creo que soy fotógrafo gracias a la influencia de La España Oculta, que tanto me fascinó cuando me iniciaba, y esa fascinación sólo ha aumentado con los años.
Las fotografías tomadas en Etiopía entre el año 2000 y el 2009, reflejan la vida en la ciudad santa de Lalibela, y a la vez la profunda religiosidad que viven los cristianos etíopes alrededor de las once iglesias medievales excavadas en la roca.
Estas fotografías, magníficas fotografías, tienen la fuerza de otros trabajos de la autora como los realizados en el culto a María Lionza de Venezuela o en los rituales Haitianos. Siempre fascinada por las manifestaciones religiosas a las que fotografía con un respeto admirable.
Son fotografías bellísimas, que parecen haber sido tomadas en otra época anterior a la propia fotografía, que muestran una realidad cercana al mundo medieval, respetuosas con la realidad que se refleja en cada una de ellas. De los retratos a los detalles de los ritos y la vida cotidiana, cada fotografía es una admirable obra maestra.

lalibela cristina garcia rodero roselino photoespaña

© Cristina García Rodero

Gil Antonio Munuera
Carbono

Con la excusa del carbono como elemento vertebrador de la vida, esta pequeña exposición presenta una breve colección de obras abstractas más cercanas al dibujo que a la propia fotografía.
No le niego el interés como exploración formal sobre el carbono y las imágenes en blanco y negro, pero me cuesta verlo como fotografía.
Esa es sólo mi opinión particular, puedo estar equivocado.

gil antonio munuera carbono roselino photoespaña

© Gil Antonio Munuera

Varios Autores
Pensar en futuro. Nuevos relatos fotográficos en Dakar.

Las fotografías presentes en esta exposición son el resultado de los visionados de porfolios de Trasatlántica, organizados por PhotoEspaña en colaboración con Sección Cultural de la Embajada de España en Senegal.
En esta exposición se presenta el trabajo de varios autores cuyas obras son independientes pero tienen mucho en común. Todos ellos muestran la realidad cotidiana en Dakar. Desde diversos puntos de vista y diferentes estilos y técnicas, todos hablan sobre el hecho de vivir en la gran ciudad africana. Desde las Tribus urbanas al deporte, pasando por la familia, el agua, la religión o las carencias fundamentales, todos los autores constituyen un corpus común que nos habla de la realidad en Dakar.

dakar pensar en futuro photoespaña roselino photoespaña© Xoadim Mbow

Museo Cerralbo

Carlos Saura
España. Años cincuenta

Los años cincuenta debieron ser un periodo difícil para la vida cotidiana pero tremendamente fértil para la fotografía.
Las fotografías de Carlos Saura, tan cercanas a las del grupo AFAL o a La Palangana, entre otros fotógrafos de la época, presentan una visión amable pero no condescenciente de la vida cotidiana en los lugares españoles que el autor recorrió en sus viajes por España.
Esta exposición, algo breve como todas las que se exhiben en este espacio por meros condicionamientos de espacio, muestra un reflejo de otro tiempo menos lejano de lo que pudiera parecer. Un tiempo de miseria y de fiestas, de hambre y de sencillez, de la vida latiendo en cada fotografía.Carlos Saura años 5o photoespaña roselino

© Carlos Saura

Con esto concluyo mi crónica de las exposiciones de fotografía en el Teatro Fernán Gómez . Centro Cultural de la villa y en el Museo Cerralbo. Pronto, otra nueva entrada.

Crónica particular de PhotoEspaña 2017 (II)

Dedico esta entrada a comentar las exposiciones de fotografía en el Círculo de Bellas Artes.
Si hubiera que buscar una palabra que definiera las exposiciones que el Círculo de Bellas Artes alberga en esta edición de PhotoEspaña, sería; Oscuridad.
Una oscuridad presente en el fondo y la forma. las fotografías de los tres autores, seleccionados por Alberto García Alix, comparten un gusto por la ausencia de luz, por las imágenes sombrías en su temática. Tres autores, tres formas fascinantes de acercarse al borde de la luz.Pierre Molinier Círculo de Bellas Artes La mirada de Polifemo

Antoine D’agata
Corpus

La exposición de fotografías de D’agata es obsesiva, repetitiva, machacona en los conceptos y en las imágenes, pero estas cualidades no suponen un lastre sino una virtud.
Echo en falta algún dato sobre el modus operandi del autor, saber si estas imágenes son resultado de un trabajo de estudio o tomadas en algún siniestro lugar consagrado al sexo y la droga. Los textos que pueblan las paredes hablan de experiencia y contenido auto biográfico, pero no profundizan. Aún así fascina ver el tratamiento del sexo, violento, oscuro, siniestro y bello, muy bello. Hay belleza en cada imagen, en cada cuerpo sobre impresionado sobre si mismo, en las sombras reinando sobre las luces.
Antoine D’agata perturba tanto como seduce, y sólo por eso merece la visita.
Antoine D'Agata Circulo de Bellas Artes PhotoEspaña La mirada de Polifemo
© Antoine D’Agata

Pierre Molinier.
Ce fut un homme sans moralité

La sala Minerva del Círculo de Bellas Artes, tan pequeña y casi escondida, se ha vestido de gala con un montaje expositivo delicado, exquisito. La muestra coloca algunas imágenes a la altura de los ojos de quienes opten por sentarse en unas pequeñas sillas.
Y lo que los ojos ven son imágenes inquientantes y misteriosas. Retratos andróginos de personas vestidas con lencería erótica y practicando diversas posturas y prácticas sexuales. Un vistazo más a fondo desvela que el protagonista de estas imágenes, o casi todas de ellas, es el propio autor, muchas veces junto a sí mismo merced a fotomontajes de una época previa al photoshop.
Pierre Molinier, amigo y colaborador de los surrealistas, pintor de profesión y fotógrafo aficionado, sorprendió a su época con su culto al fetichismo, onanista y travestido, y hoy en día siguen causando una impresión similar pese al peso del tiempo sobre sus imágenes.

La mirada de Polifemo© Pierre Molinier

Paulo Nozolino
Loaded Shine

Paulo Nozolino expone veinte fotografías en blanco y negro, a gran formato en una sala oscura. Veinte imágenes verticales en las que poco importa lo que el autor ha retratado.
Da lo mismo si en una fotografía aparecen unas tuberías sucias, las patas de un burro o una percha en un armario, todas las imágenes son bofetadas placenteras que nos despiertan del letargo museal.
Las fotografías, tan grandes, tan oscuras, tan negras invitan al silencio, a la contemplación y al descubrimiento, a sumergirse en el misterio que atisbamos en cada una sin llegar a descubrirlas.
Para mí, este autor portugués ha sido un gran descubrimiento, procuraré seguirlo y conocer más a fondo su trabajo porque me ha gustado, mucho.

Paulo Nozolino Círculo de Bellas Artes La mirada de Polifemo© Paulo Nozolino

Tres son las exposiciones de fotografía en el Círculo de Bellas artes y tres ocasiones para disfrutar de la mejor fotografía, la que se sale de lo convencional y explora nuevos territorios creativos.

Crónica particular de PhotoEspaña 2017 (I)

Ya ha llegado la edición número veinte de PhotoEspaña, Madrid es un paraíso para los amantes de la fotografía y comienzo mis reseñas de las exposiciones de PhotoEspaña 2017 así como de aquellos eventos a los que pueda asistir.

Anders Petersen. Cafe Lehmitz © Anders Petersen

Las exposiciones

Con los ojos bien abiertos.
Cien años de fotografía Leica

la exposición que se exhibe en el Espacio Telefónica hasta el 10 de septiembre de 2017 es, sencillamente, imprescindible.
Con la excusa del centenario de la construcción de esa maravilla mecánica y óptica que se llama Leica, se reúnen en una exposición una enorme cantidad de fotografías que tienen como nexo de unión, haber sido tomadas con la mítica cámara.
En esta exposición podemos disfrutar del privilegio de ver copias originales de fotografías históricas, muchas de ellas marcaron su momento histórico por su alta calidad.
Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, René Burri, Guy Le Querrec, Fred Herzog, Bruce Gilden y muchos más grandísimos fotógrafos están representados en una exposición que es, a mi juicio, un excelente punto de partida para disfrutar de esta edición de PhotoEspaña tan llena de grandes exposiciones.
Si hay que poner alguna pega, sería al montaje expositivo, un tanto confuso y sobre todo a las cartelas, colocadas a la altura de los ojos de un niño e impresas en un papel gris oscuro. Ambos factores hacen muy difícil su lectura.

Cien años de Leica© Jeff Mermelstein

Café Lehmitz
Anders Petersen

La brillante idea de darle a Alberto García Alix carta blanca para organizar seis de las exposiciones de PhotoEspaña 2017, ha proporcionado la ocasión de disfrutar de maravillas como la exhibición de las imágenes que integran esta exposición.
Las fotografías tomadas por Anders Petersen durante más de dos años en este café del barrio rojo de Hamburgo, ocupan por derecho propio un lugar privilegiado en la historia de la fotografía.
Los parroquianos del café, con sus miserias y sus grandezas, fueron reflejados de una forma respetuosa que indaga en lo más profundo de la condición humana. No sólo eran clientes de un bar, eran sus amigos, personas con vidas complejas cuya dignidad fue plasmada como pocas veces se ha hecho en fotografía.
Es una exposición que fascina desde su comienzo, cuando el visitante se encuentra sumergido ente impresiones a formato gigante de las hojas de contacto de Anders Petersen, con sus anotaciones, subrayados y tachados.
Hay que verla, sin duda, y varias veces mientras tengamos la oportunidad.

Anders Petersen café lehmitz photoespaña 2017

Anders Petersen. Cafe Lehmitz © Anders Petersen
Vista de la exposición

Pistas de baile (Ciudad Juarez, Chihuahua, México)
Teresa Margolles

De las, imágenes del Café Lehmitz, el espectador pasa sin transición a esta otra, o viceversa, merced a un diseño de las exposiciones que las comunica.
Esta forma de presentarlas no es casual. Teresa Margolles trabaja, al igual que Petersen, en el retrato de los marginados y de los clubs que frecuentaban, pero su enfoque es radicalmente distinto.
Teniendo de fondo la violencia y la situación política en Ciudad Juarez, Teresa Margolles se centra en el proceso de destrucción de clubes nocturnos en el centro de la ciudad. Para ello fotografía a trabajadoras sexuales transgénero, a las que sitúa sobre los restos de las pistas de baile que antes fueran su lugar de trabajo y ahora sólo son ruinas.
Una nueva mirada sobre la violencia mexicana que merece la pena ver por la originalidad de su enfoque y la forma en la que se ha montado la exposición.
Teresa Margolles ciudad juarez photoespaña 2017

Teresa Margolles. 2016 © Teresa Margolles

Eventos

Por el momento sólo he podido asistir a dos eventos.
De la clase magistral de Isabel Muñoz en Alcobendas, mejor no hablo, por educación.
El otro evento ha sido la presentación de “Café Lehmitz“, el libro que La Fábrica ha editado con las fotografías de Anders Petersen.
Este acto, integrado dentro de la Photo Book Week, contó con la presencia de Alberto García Alix y del autor que narró detalles de la intrahistoria de su proyecto.

Presentación libro Anders Petersen café lehmitz photobook week photoespaña 2017

Presentación de Cafe Lehmitz

El libro, firmado y dedicado por Anders Petersen, ocupa ya un lugar privilegiado en mi biblioteca Fotográfica.
Y esto es todo por ahora, en breve continuaré la crónica de las exposiciones de PhotoEspaña 2017, que prometen dar muchas alegrías.

Taller de Street Photography en Lavapies

Hago fotografía desde finales de los ochenta, cuando entré en este maravilloso mundo casi por casualidad.
Desde entonces he capturado todo tipo de fotografías, pero desde el primer momento me decanté por las personas y por su vida en sus calles.
Antes de conocer términos como “Street Photography” ya retrataba la vida en las aceras, por pura pasión.
Ahora ha llegado el momento de compartir mis conocimientos en un taller que impartiré el fin de semana del 17  y 18 de Junio, dentro del espacio de Ultramarinos La Vida tiene Sentidos.

Contenido del taller.

En este taller trataremos diversos aspectos relativos a la fotografía de calle, de gran importancia

Aspectos Técnicos

-¿Cual es el mejor equipo?
-¿Qué lente me conviene?
-Iso, exposición, etc.

Aspectos estratégicos.

-¿Cómo puedo ser invisible?
-¿De qué forma me anticipo al instante decisivo?
-Psicología de mis modelos
-Ritmos y tiempos

Grandes maestros.

-Descubre el trabajo de los grandes maestros y su forma de trabajar.

Aspectos legales.

-Conocerás detalles importantes sobre la legislación referente a derechos de imagen y fotografía de personas.

Práctica

-Y para concluir, practicarás lo aprendido fotografiando las calles de Lavapies.
Barato, divertido, instructivo.
¿Te lo vas a perder?

Tienes toda la información para apuntarte y sobre el lugar, la página de La Vida tiene Sentidos:
http://www.lavidatienesentidos.com/evento/taller-de-street-photography/
Te espero.