Crónica particular de PhotoEspaña 2017 (III)

En esta entrada hablaré de las exposiciones de fotografía en el Teatro Fernán Gómez – Centro Cultural de la Villa y en el Museo Cerralbo.

cristina garcia rodero lalibela photoespaña© Cristina García Rodero

Centro cultural de la Villa.

Cristina García Rodero
Lalibela, cerca del cielo

Ya he dejado patente en otras entradas de este blog mi admiración por Cristina García Rodero. Creo que soy fotógrafo gracias a la influencia de La España Oculta, que tanto me fascinó cuando me iniciaba, y esa fascinación sólo ha aumentado con los años.
Las fotografías tomadas en Etiopía entre el año 2000 y el 2009, reflejan la vida en la ciudad santa de Lalibela, y a la vez la profunda religiosidad que viven los cristianos etíopes alrededor de las once iglesias medievales excavadas en la roca.
Estas fotografías, magníficas fotografías, tienen la fuerza de otros trabajos de la autora como los realizados en el culto a María Lionza de Venezuela o en los rituales Haitianos. Siempre fascinada por las manifestaciones religiosas a las que fotografía con un respeto admirable.
Son fotografías bellísimas, que parecen haber sido tomadas en otra época anterior a la propia fotografía, que muestran una realidad cercana al mundo medieval, respetuosas con la realidad que se refleja en cada una de ellas. De los retratos a los detalles de los ritos y la vida cotidiana, cada fotografía es una admirable obra maestra.

lalibela cristina garcia rodero roselino photoespaña

© Cristina García Rodero

Gil Antonio Munuera
Carbono

Con la excusa del carbono como elemento vertebrador de la vida, esta pequeña exposición presenta una breve colección de obras abstractas más cercanas al dibujo que a la propia fotografía.
No le niego el interés como exploración formal sobre el carbono y las imágenes en blanco y negro, pero me cuesta verlo como fotografía.
Esa es sólo mi opinión particular, puedo estar equivocado.

gil antonio munuera carbono roselino photoespaña

© Gil Antonio Munuera

Varios Autores
Pensar en futuro. Nuevos relatos fotográficos en Dakar.

Las fotografías presentes en esta exposición son el resultado de los visionados de porfolios de Trasatlántica, organizados por PhotoEspaña en colaboración con Sección Cultural de la Embajada de España en Senegal.
En esta exposición se presenta el trabajo de varios autores cuyas obras son independientes pero tienen mucho en común. Todos ellos muestran la realidad cotidiana en Dakar. Desde diversos puntos de vista y diferentes estilos y técnicas, todos hablan sobre el hecho de vivir en la gran ciudad africana. Desde las Tribus urbanas al deporte, pasando por la familia, el agua, la religión o las carencias fundamentales, todos los autores constituyen un corpus común que nos habla de la realidad en Dakar.

dakar pensar en futuro photoespaña roselino photoespaña© Xoadim Mbow

Museo Cerralbo

Carlos Saura
España. Años cincuenta

Los años cincuenta debieron ser un periodo difícil para la vida cotidiana pero tremendamente fértil para la fotografía.
Las fotografías de Carlos Saura, tan cercanas a las del grupo AFAL o a La Palangana, entre otros fotógrafos de la época, presentan una visión amable pero no condescenciente de la vida cotidiana en los lugares españoles que el autor recorrió en sus viajes por España.
Esta exposición, algo breve como todas las que se exhiben en este espacio por meros condicionamientos de espacio, muestra un reflejo de otro tiempo menos lejano de lo que pudiera parecer. Un tiempo de miseria y de fiestas, de hambre y de sencillez, de la vida latiendo en cada fotografía.Carlos Saura años 5o photoespaña roselino

© Carlos Saura

Con esto concluyo mi crónica de las exposiciones de fotografía en el Teatro Fernán Gómez . Centro Cultural de la villa y en el Museo Cerralbo. Pronto, otra nueva entrada.

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Veinticuatro fotografías por segundo. Rafael Sanz Lobato

El pasado 22 de abril fue un día triste para lo fotografía española, nos dejó para siempre Rafael Sanz Lobato, el gran maestro indiscutible del arte de Niepce en España y por desgracia uno de los menos conocidos.sanz
Nacido en Sevilla en 1932, vivió en Madrid desde 1941 y allí comenzó a tomar fotografías y a convertirse en un maestro autodidacta. Además de su paso por la Real Sociedad Fotográfica, donde fundó el grupo “La Colmena“, rival de “La Palangana” y fruto de sus diferencias con Gerardo Vielba. En su carrera hay que destacar su saber hacer fotográfico, la mirada única con la que retrató las fiestas populares españolas y que animaría a Cristina García Rodero a realizar su “España Oculta” y su dominio del blanco y negro y de las técnicas densitométricas, lo cual se aprecia de forma especial en sus retratos y sobre todo en sus bodegones.
Sin embargo, un maestro de su valía, que fue premio nacional de fotografía en 2011, permaneció ignorado por el público durante años, más o menos hasta la exposición antológica que se realizó de su obra en el 2013, titulada “Fotografías 1960 – 2008” que tuve ocasión de contemplar dentro de la edición de PhotoEspaña de ese año, donde, tengo que confesarlo, descubrí su obra por encima del conocimiento somero que tenía, y por supuesto quedé rendido ante su maestría.
Sanz Lobato, maestro en el arte, humilde en persona, merecía un reconocimiento más temprano, pero así funciona este país, los fabricantes de fuego de artificio ocupan los titulares y los grandes crean en la sombra.
Por lo mucho que ha aportado a la fotografía, y a modo de homenaje personal, le dedico una entrada dentro de mis “Veinticuatro fotografías por segundo” recopilando algunos vídeos de gran interés que he conseguido localizar en internet.
Descanse en paz, maestro.

El primer vídeo es el que le dedica “·La voz de la Imagen”, la excelente página web de la Subdirección de Promoción del Arte del Ministerio de Cultura, una gran iniciativa que merece seguir con interés pues no cesa de actualizarse con nuevos vídeos. En este documento Sanz Lobato hace un repaso a su trayectoria profesional.

En el siguiente documento, Sanz Lobato, reflexiona sobre la profesión de fotógrafo, da su opinión sobre lo que han supuesto las técnicas digitales y en general deja caer varias opiniones muy jugosas.

En este otro vídeo, realizado por Canal Sur, vuelve a repasar su carrera y su visión de la fotografía con motivo de su exposición antológica y, tristemente, expresa su deseo de “Irse en el último viaje”.

Otro documento del ministerio de cultura, de nuevo con motivo de la exposición de 2013.

Continuo con una entrevista en dos partes realizada por la cadena de televisión Lleida Tv en 2009 junto con la fotógrafa Heidy Elainne, cuando le entregaron el premio del festival Emergent. En esta entrevista habla sin tapujos, de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid y de otras cuestiones.


Y por último un vídeo que le dedicó el festival Emergent y que en realidad es una proyección de algunas de sus mejores fotografías.

Todos los vídeos son cortos y merecen dedicarles un tiempo a verlos, escucharlos y disfrutarlos aprendiendo algo más sobre el maestro.

Arco 2015. Eppur si muove

He estado en Arco.
Si, doctor, lo confieso. Prometí que no volvería, como hago cada año cuando salgo de la feria con apetito de un bocadillo de biodraminas, pero soy debil y vuelvo a recaer cuando, como aves precursoras de primavera, aparecen por febrero los feriantes del arte.
Sé que debería dejarlo, o eso o escribir un libro sobre mi relación de atracción-repulsión hacia la feria que eclipse a las cincuenta sombras esas.
En fin, he estado en Arco y he ido sobre todo buscando fotografía. Porque la fotografía es mi pasión y porque tal vez aún está más libre de esperpentos que el resto de las artes presentes. Ojo, la fotografía contemporánea es terreno abonado para que germinen los esperpentos, los disparates y los egos sobredimensionados, y no hay más que visitar ciertas exposiciones y certámenes para comprobar lo que pueden llegar a pergeñar los cachorros apócrifos de Fontcuberta, pero parece ser que en las ferias de ferias todavía hay un cierto reparo a determinadas prácticas. No creo que eso signifique una mayor cordura por parte de los galeristas, sino más bien que aún la fotografía no es considerada como un arte con mayúsculas por los que acuden a dejarse los millones en la última paja mental del autor famosillo de turno y la apuesta de los expositores se encamina más hacia terrenos seguros.P2268445Dando un paseo por la feria, que ahora es más cómodo y relajado gracias a un nuevo diseño, más abierto y limpio, es fácil ver cómo la fotografía es la hermana menor, que en algunas galerías parece ser un recurso para rellenar huecos en la pared. No obstante hay stands que elevan la media.

La elección de obras y autores, como de costumbre, es variopinta y según sea la filosofía matriz de cada expositor, las fotografías varían en formatos y temáticas así como la celebridad de sus autores.
Este año he encontrado más obras de algunos de los grandes de la fotografía. Siempre supone un gran placer encontrarse con fotografías de André Kertesz, Herbs Ritts, Cándida Höfer, Grete Stern, David Goldblatt, Mapplethorpe o incluso Brancusi que aquí está presente como fotógrafo, no como escultor.

P2268309© Grete Stern

P2268278© Herb Ritts y André Ketersz

Entre estos grandes afloran algunos autores que, aunque contemporáneos, suponen apuestas seguras gracias al nombre que se han labrado.
Pablo Genovés es el eterno presente en ferias, antologías y cualquier intento de mostrar lo “mejor” de la fotografía española actual. Yo lo he intentado, con tesón, pero no consigo ver qué tienen de especial sus fotomontajes apocalípticos.

P2268265© Pablo Genovés

José Manuel Ballester es otro nombre muy presente en la feria, con algunas fotos muy interesantes como una perteneciente a su serie sobre la restauración del Rijksmuseum o la fotografía de la escalera del Caixa Forum que exhibe Pilar Sierra. Tal vez sea la escalera más fotografiada de Madrid, pero Ballester consigue darle una nueva dimensión.

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P2268272© José Manuel Ballester

La galería Marlborough expone, un año más, fotografías de Manuel Franquelo, muy interesantes en su planteamiento y en su impecable técnica, tanto es así que muchos de los visitantes comentaban sus fotografías pensando que se trataba de la pintura hiperrealista que este autor suele realizar.

P2268297© Manuel Franquelo

Marina Abramovic estaba presente en varias galerías con las fotografías de sus performances.

P2268351© Marina Abramovic

Helena Almeida, Pierre Gonnord, Erwin Olaf, García Alix, Cristina García Rodero o Richard Mosse son otros ases en las mangas de los galeristas.

P2268404© Pierre Gonnord

P2268419© Richard Mosse


De entre los fotógrafos con menor renombre (Al menos dentro de mis limitados conocimientos) he encontrado trabajos muy interesantes y otros que me lo han parecido menos pero casi ninguno que me haya resultado falto de interés. Abunda el tratamiento seriado de las fotografías, apenas se encuentran fotografías únicas y son las series temáticas las que imperan dentro del catálogo fotográfico de Arco 2015.

Muy bellas las fotografías sobre metacrilato de la serie “Una vez estuve en África” de Eduardo Nave. Milagros de la Torre presenta una serie de fotografías documentales de objetos relacionados de alguna forma con asesinatos o terrorismo sudamericano. Me siguen gustando mucho las fotografías que Lucía Koch toma del interior de cajas de cartón o bolsas de papel. No me acaban de convencer los juegos de positivos y negativos de Íñigo Manglano-Ovalle ni el juego entre fotografía y dibujo de Ed Templeton.

P2268269© Eduardo Nave

P2268325© Íñigo Manglano-Ovalle

P2268321Lucía Koch

P2268305© Milagros de la Torre

P2268344© Ed Templeton

La serie sobre huellas de Carlos Motta es interesante, así como la de Jorge Ribalta titulada “Sur  L’herb” y “Divisions” de Peter Downsbourh. Estos dos últimos trabajan con el blanco y negro creando hermosas series. De este último autor me llama la atención la cercanía estética y conceptual de sus fotografías de casas de madera con la interesantísima composición de Marlon de Azambuja consistente en ochenta y tres fotografías de paredes medianeras en las que ha pintado de negro sobre cada copia la parte de cada pared que coincide con las demás en cuanto a su forma, constituyendo un interesante documento sobre ese tipo de arquitectura.

P2268359© Carlos Motta

P2268396© Jorge Ribalta

P2268401© Peter Downsbourh

P2268421© Marlon de Azambuja

“Gloom”, de Paulo Nozolino es una bella e inquietante serie sobre algún lugar abandonado y oscuro. Xavier Ribas presenta hermosas fotografías de paisajes desérticos relacionados con la extracción del Nitrato de Chile. Las tres fotografías tituladas “Critical Heat” de Alejandro Vidal con el humo como protagonista resultan bellas y misteriosas.

P2268413© Paulo Nozolino

P2268427© Xavier Ribas

P2268435© Alejandro Vidal

De Teresa Margolles hay muestras de dos series; Una de ellas es “El testigo” que ya conocía y que a pesar de su interesante planteamiento me resultan demasiado frías. Sin embargo, la serie “Esta finca no será demolida” presentada por la galería Peter Kilchmann como su obra principal me interesa mucho, desde un punto de vista estético y plástico y también por el mensaje tan duro que aporta.

P2268445© Teresa Margolles

Los peinados de mujer de Patricio Reig sobre papel arrugado se repiten otro año más y sigo sin verles su por qué.

P2268311© Patricio Reig

Los “Ikea Disobedients”, de Andrés Jake, tienen un interés en cuanto al concepto que las convierte en buenas obras documentales, pero sólo eso.

P2268392© Andrés Jake

Entre las series fotográficas se encuentran algunas que, siempre en color, siguen una estética a caballo entre instagram y polaroid. Es una tendencia que se me resiste, no puedo evitar ver en estas fotografías intentos de alcanzar sin conseguirlo la maestría de Stephen Shore o Eggleston. Ni Frank Mädler, ni Daniel G. Andujar ni Luis Molina Pantin han logrado atraerme porque su obra me suena a un eterno déjà vu.

P2268373© Luis Molina pantin

P2268267© Daniel G. Andujar

P2268283© Frank Mädler

Del resto de fotografías, las que son obra única, hay alguna que me ha conseguido cautivar de forma particular.
“Rio Säo Francisco” de Caio Reisewitz me ha parecido una fotografía potente, hermosa y arriesgada por el uso del negro. Me gusta mucho el collage de Vik Muniz, es potente y cautivador. Fascinante “Memento Mori”, el fraile con craneo de Roland Fischer. También me gustaron, por potentes, los autorretratos de Roberta Lima. Los paisajes urbanos de Primoz Bizjak me interesaron mucho, me sirvieron de relax para el cansancio ocular que la feria produce, al igual que “Callus wé” de Jordi Bernardó, muy académica en su planteamiento y técnica, pero hermosa también.

P2268331© Caio Reisewitz

P2268336© Vik Muniz

P2268386© Roberta Lima

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© Primoz Bizjak

MementoMori-1984-193x136cm© Roland Fischer

P2268411© Jordi Bernardó

“Remains allong the wall”, de Willie Doherty y “Dove nasce il vento” de Giovanni Ozzola son dos fotografías de entornos urbanos de gran belleza, que invitan a ser contempladas durante un buen rato, a sentirlas a fondo.

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© Willie Doherty

P2268447© Giovanni Ozzola

Las fotografías de Cecilia Paredes me gustan y me recuerdan a las de Marina Abramovic por ser la autora la protagonista a través del autorretrato de sus performances, aunque en el caso de Cecilia Paredes la motivación de sus fotografías sea más estética que conceptual.

P2268461© Cecilia Paredes

“Sophia”, de Adriana Duque es una fotografía que captaba la atención de los visitantes, por su potente calidad técnica y su aproximación plástica a los cuadres de Vermeer. Pero creo que más allá de esa similitud no hay más interés.

large© Adriana Duque

Y esto es todo, o al menos todo lo que de una forma u otra llamó mi atención. La feria es muy grande y por mucho que uno lo intente siempre se escapa algún rincón.
Como me conozco, anuncio que el año que viene volveré, me indignaré de nuevo, me reiré y seguro que alguna obra volverá a seducirme.Arco

Crónica de PhotoEspaña 2014 (III)

En una edición de PhotoEspaña dedicada a la fotografía española, no podían faltar algunos de los nombres más grandes que ha dado nuestro país.
Son varias las exposiciones que hacen un repaso a la obra de grandes fotógrafos españoles mostrando fotografías tomadas desde más o menos mediados del siglo pasado hasta su final y cuyo visionado es un paseo por la historia reciente de la fotografía patria imprescindible para todo amante de la fotografía.

La Palangana
Círculo de Bellas Artes.  4 junio – 31 de agosto

La Palangana fue un colectivo de fotógrafos creado finales de los años 5o por algunos de los más importantes representantes de la fotografía española, con la intención clara de alejarse de los cánones imperantes en la época, tan cercanos al pictorialismo, y acercarse a otro tipo de fotografía, la que se hacía en Europa y en el resto del tiempo. A la hora de buscar un nombre al grupo, surgió el de “La Palangana” de forma más o menos seria a raíz de una fotografía de Ontañón en la que aparecen todos sus retratos sumergidos en una palangana llena de líquido fijador.
Los fotógrafos que compusieron aquél grupo fueron: Leonardo Cantero, Gabriel Cualladó, Sigfrido de Guzmán, Juan Dolcet, Paco Gómez, Fernando Gordillo, Ramón Masats, Francisco Ontañón, Joaquín Rubio Camín y Gerardo Vielva.
Mientras el grupo permaneció activo, sus miembros recorrieron empaña, fotografiaron los pueblos y la periferia de las ciudades realizando una fotografía que se acercaba más a las directivas que marcaba Magnum, o LIfe que supuso una ruptura con lo establecido y abrió camino a muchos grandes que vinieron después.
La muestra presentada por el Círculo de Bellas Artes  realiza un recorrido por esas magníficas fotografías ofreciendo una crónica de la vida real de los españoles y por el saber hacer de este grupo de magníficos fotógrafos.

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La fotografía que dio nombre al grupo

Masats Inédito
Galería Blanca Berlín. 28.05.2014 – 26-07-2014

Si hay que asociar esta edición de PhotoEspaña con un nombre, ese sería Ramón Masats.
El veterano fotógrafo es comisario de la exposición “Retratos en Papel” de Chema Conesa, ha resultado ganadro del premio PhotoEspaña este año, es uno de los fotógrafos de “La Palangana” y además la galería Blanca Berlín muestra algunas de sus más interesantes fotografías inéditas.
Son fotografías que nunca fueron publicadas pero no por falta de calidad, al contrario, hay magníficas imágenes que, de nuevo, nos permiten conocer la España de la época retratada de forma magistral.
Toda la obra de Masats constituye un delicado mosaico cuyo conjunto ha grabado su nombre entre los más grandes artistas españoles y cada pieza es un pedazo de nuestra memoria colectiva. Las fotos de esta exposición añaden nuevas teselas al mosaico Masats y lo completan. No sólo están aquí presentes sus viajes por España, su crónica de la vida rural, sino también otros elementos como la presencia de Hollywood y sus rodajes monumentales que queda reflejada con maestría en una serie de fotos en la que vemos como Charlton Heston, vestido como el Cid, se va desprendiendo de su armadura, la deja en la arena, se adentra en el mar y en la última foto sólo quedan sus armas, como las de un quijote que esperan ser veladas.
Si hay algo que hace grandes a las imágenes de Masats por encima de cualquier otra cosa, es su capacidad narrativa, y en esta exposición está especialmente presente.

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© Ramon Masats

Josep Renau. The American Way of Life.
Círculo de Bellas Artes.  4 junio – 27 de julio

Tuve la suerte de ver esta exposición en el año 1991, en Almería, dentro de aquél magnífico proyecto que fuera Imagina y al que tanto le debe mi pasión por la fotografía. Yo era entonces alguien que empezaba a conocer la obra de otros fotógrafos y el encuentro con los collages de Josep Renau supuso un impacto que perdurará para siempre en mi memoria.
Josep Renau fue un artista valenciano vinculado desde 1931 al partido comunista cuyo legado creativo es uno de los más importantes del collage y el cartelismo, no sólo ya español, sino mundial.
Su obra, que recibe influencias del expresionismo, el dadaísmo o el surrealismo, pero sin adscribirse por completo a cualquiera de estos movimientos, se ve inundada por sus preocupaciones ideológicas, por la denuncia de las desigualdades y las injusticias sociales y su crítica contínua al capitalismo estadounidense.
Renau no fue un fotógrafo pero trabajó con la fotografía. Recortando imágenes extraídas de publicaciones amables como Life y similares, componía escenas en las que las representaciones gráficas del “American way of life” se convertían en brutales ataques al propio sistema.
La labor realizada por Josep Vicent Monzó, comisario de la exposición, al reunir los originales expuestos junto con bocetos y apuntes del autor, resulta encomiable a la hora de dar a conocer al gran público a uno de nuestros más grandes artistas pero a la vez uno de los más desconocidos.

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© Josep Renau

Tan lejos, tan cerca
Documentalismo fotográfico español en España de los setenta.
Real Jardín Botánico.  4  junio – 27 julio

Los setenta fueron una época gloriosa para el fotodocumentalismo español. Un puñado de grandes fotógrafos se lanzó a fotografiar la vida en este país con una mirada nueva, fresca pero no ausente de crítica y algo de melancolía.
Anna Turbau, Cristina García Rodero, Cristóbal Hara, Fernando Herráez, Koldo Chamorro y Ramón Zabalza son algunos de los nombres más importante de aquél momento y los protagonistas de la exposición que se puede ver en el jardín Botánico. A través de sus fotografías vemos el registro minucioso que hicieron de la España cotidiana escudriñando con sus lentes las tradiciones y fiestas populares, las culturas marginadas o la vida en localidades alejadas de las grandes urbes.
Lejos de la imagen oficial que el régimen mostraba sobre la cotidianidad nacional, ellos mostraron la vida real de los españoles.
Aunque bebían de las fuentes de otros autores, como los integrantes de La Palangana o del Grupo Afal, pero que impusieron a su fotografía una mirada personal alejada del realismo estricto para entrar más de lleno en terrenos ignotos para los fotógrafos del momento, realizando reportajes que, sin abandonar el realismo documental, se acercaban a una suerte de realismo mágico, de sueño de una España que comienza a despertarse. Eran reportajes en profundidad, proyectos a largo plazo en los que los autores se sumergieron, llegando casi a ser parte de lo que fotografiaban.

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Algunos de los fotógrafos participantes, fotografiados el día de la inauguración.
De Izquierda a derecha: Anna Turbau, Cristina García Rodero, Ramón Zabalza, Fernando Herráez y Cristobal Hara