Los otros caminos del sexo.

Hace pocos días que se ha publicado el nuevo número de la revista Abre el ojo, editada por el Instituto Europeo del Diseño. Como ya hiciera en otras ocasiones, he escrito un artículo sobre fotografía.
Este nuevo número es el primero de una trilogía sobre el deseo y va dedicado al sexo. Mi artículo habla sobre aquellos autores que han usado el sexo en sus fotografías pero no desde un punto de vista erótico.
Aquí dejo el artículo completo. También aconsejo leer Abre el ojo en este enlace.

Los otros caminos del sexo

Casi desde el comienzo de su existencia, al menos desde que fue posible fotografiar cuerpos y elementos animados sin recurrir a prolongadas exposiciones, la fotografía ha formado un binomio duradero y fructífero con el sexo.
Obviando usos pornográficos de la imagen, la fotografía descubrió hace mucho tiempo una fuente de inspiración y de creación en el cuerpo humano desnudo y en su relación con otros cuerpos. De los desnudos más sutiles a los más explícitos, de los besos más cándidos a los cuerpos unidos sin censura, en la historia de la fotografía son tantos los autores que han explotado este campo del arte de Niepce que elaborar una lista con ellos sería una tarea ímproba.
Una imagen de un cuerpo desnudo o varios conlleva siempre una carga sexual pues la figura humana no puede desligarse de la visión erótica, ya sea un detalle de la piel como en una imagen explícita. El sexo y la fotografía corren paralelos merced a la percepción particular del erotismo por parte del observador.
Pero son también muchos los fotógrafos que han tratado el sexo con sus fotografías sin buscar el erotismo sino acercándose a la materia por caminos paralelos muy diferentes entre sí pero que siempre acaban mostrando el sexo desde otro punto de vista y con muy diferentes contenidos.
Como dije, la lista de autores es larga, valga como ejemplo esta selección de nombres.
Nan Goldin.
Su tratamiento del sexo en la fotografía es uno de los más valientes e interesantes de cuantos conozco.
De origen Judío, Goldin creció de familia en familia tras el suicidio de su hermana. Tras su paso por la Satya Community School de Boston comenzó su relación con la fotografía que se solidificaría en los setenta tras conocer Provincetown, una comunidad de vacaciones en Massachusetts muy popular entre público homosexual. Allí entró en contacto con las personas que retrataría en sus fotografías durante veinte años; Sharon, Waters, Bruce, Cookie, etc. Sus amigos, los que ella llamaba Su Tribu.
Estudió en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston, graduándose en 1978. En su misma promoción estudiaron algunos grandes de la fotografía como Philip-Lorca Di Corcia.
Fue en esos años cuando incorporó a sus fotografías el flash y la película de color.
Después de dejar Boston comenzó una nueva vida en Manhattan, en el barrio de Bowery. Allí conoció el estallido del movimiento punk y la contracultura, también encontró el tema que marcaría toda su obra, la descripción de la vida sexual y sentimental de los que poblaban el ambiente contracultural.
En sus magníficas imágenes, Nan Goldin muestra la vida de sus amigos desde dentro, con una mirada cercana, como una más entre ellos. Siempre quiso ser una Drag según sus propias palabras pues las fotografió cuando hizo fotografía de moda y quedó fascinada por ellas.
En las fotografías de Goldin hay pobreza, hundimiento, enfermedades, diferencia, provocación, violencia, aislamiento, un sinfín de sentimientos y experiencias representados en sus imágenes descuadradas, saturadas e impactantes.
Nan Goldin presenta sus fotografías en forma de películas en las que las imágenes se suceden. La más famosa de esas películas es La Balada de la Dependencia Sexual, título extraído de una canción de Bertolt Brecht. Esta serie de fotografías tomadas entre 1982 y 1995 es un documento único sobre los estragos del Sida.
“La balada de la dependencia sexual y otras anteriores fueron hechas en un loft que tengo en Nueva York, donde vivíamos más de diez personas, y era un lugar donde pasaba mucha gente cada día”, recuerda la fotógrafa. “No teníamos barreras, fueron fotos hechas a finales de los setenta. Fue una época muy salvaje, pero muy creativa”.
Otra de sus series, la titulada La Balada de la Morgue trata el mismo tema.
Tras la presentación de La Balada de la Dependencia Sexual ingresó en una clínica de desintoxicación europea donde comenzó a autoretratarse y donde rodó el documental autobiográfico I’ll be your Mirror, titulado como una canción de la Velvet Underground.

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Kohei Yoshiyuki

Entre los autores orientales, especialmente entre los japoneses, el sexo es una continua fuente de creación e incluso una obsesión. Araki, Moriyama y otros han tratado el erotismo con visiones muy interesantes que merecen su espacio en otro texto. El caso de este autor supone un tratamiento del sexo diferente y original.
Nacido en 1946, sería en los años setenta cuando Yoshiyuki se hiciera famoso gracias a un incidente particular.
Por aquél entonces era un fotógrafo comercial desconocido y una noche, caminando por el parque Chuo en Shinjuku, llamó su atención una pareja de enamorados tumbada en el suelo pero sobre todo el grupo de personas que los espiaban desde los arbustos.
Llevaba su cámara encima y tomó algunas fotografías, pero la oscuridad no le permitió realizar ninguna fotografía con calidad de aquella peculiar situación.
Cuando Kodak comercializó sus flashes infrarrojos, Yoshikuki decidió volver al lugar y además exploró otros parques como los de Aoyama o Yoyogi, parques que por el día se poblaban de madres y niños que jugaban y al caer la noche se convertían en lugares de furtivos encuentros sexuales. Comenzó entonces a fotografiar a las parejas entregadas a sus actividades sexuales mientras eran observadas y espiadas por voyeurs descarados que apenas se escondían para llevar a cabo su espionaje, poco a poco sus fotografías se centraron en los mirones más que en las parejas.
Para realizar sus fotos, estuvo seis meses recorriendo los parques sin tomar fotografías, sólo para conseguir la confianza de los mirones, para que lo considerasen uno más. Se comportó como ellos lo hacían, mostraba el mismo interés que ellos pero ocultando una cámara pequeña cargada con película infrarroja. Pasó así tres años.
Él quería fotografiar a los voyeurs pero teniendo claro que eso le convertía a su vez en otro mirón, en un voyeur de voyeurs. Pero al fin y al cabo es algo inherente al acto fotográfico.
Las fotografías de esta serie, titulada El parque fueron expuestas en 1979 dentro de la galería Komai de Tokio. Todas las fotografías se positivaron en tamaño real y se apagaron todas las luces. Cada visitante recibió una linterna para que experimentara lo mismo que el fotógrafo o que los voyeurs.
Realizó otras series, como Love Hotel, con fotografías a partir de cintas de video amateur de contenido erótico tomadas por clientes de algunos hoteles destacados de tokio.

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Oliviero Toscani

Si Goldin y Yoshiyuki buscaban con sus fotografías el documento artístico de una situación o un entorno, Toscani es el perfecto ejemplo del uso del sexo como provocación con fines comerciales.
Nacido en Milán en 1942, este fotógrafo, que estudió en Zúrich entre 1961 y 1965, tiene una capacidad especial para provocar opiniones encontradas con sus imágenes. Se pueden odiar o amar, pero nunca dejan indiferente al espectador. Tras pasar por varias empresas, en los años ochenta Benetton lo contrató para darse a conocer. No tenía un departamento de publicidad específico, ni contaba con una agencia que lo respaldara, pero la marca italiana, aún una firma bastante joven, confió en el fotógrafo.
El trabajo y desarrollo de la temática para las campañas que realizarían junto a Oliviero Toscani fueron trazándose mediante reuniones en las cuales el artista exponía sus ideas. Benetton se entregó ciegamente al estilo de Toscani y se rumorea que le dieron “carta blanca” para realizar sus campañas. Entonces nació una relación con la marca que duró hasta el año 2000.
Además de con Benetton, Oliviero Toscani ha realizado campañas en la misma línea con otras marcas. Las fotografías de besos iniciaron la polémica. En ellas solo se ve a dos personas besándose, pero es en quienes se besan donde está el problema: un cura y una monja, parejas de políticos antagónicos, israelitas y palestinos, personas del mismo sexo. Estas fotografías no solo aparecían en revistas, sino también en forma de grandes vallas publicitarias con lo que el escándalo entre las mentes “bien pensantes” estaba garantizado.
En 2005 realizó una campaña para la marca Ra-Re en la que parejas homosexuales se besaban junto a un niño o en posturas ligeramente eróticas. Eran imágenes inocentes, pero por desgracia muchas personas se siguen escandalizando ante algo así y la homosexualidad es aún un tabú para un sector amplio de la población. La imagen de dos caballos copulando que realizó para Benetton perdió su carácter documental al ocupar de nuevo las vallas publicitarias y escandalizar a los más proclives al sonrojo.

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Txema Salvans
De entre los fotógrafos españoles me interesan dos autores en activo que han enfocado el sexo, y en concreto la prostitución, desde enfoques muy diferentes pero ambos de gran interés.
Txema Salvans pasó de estudiar biología a destacar en la fotografía ganando el premio Fotopres en 1997. Tras trabajar para Fabrica en Italia y en el International Center of Photography de Nueva York, recibió en 2005 el premio PhotoEspaña al mejor libro de fotografía española por Nice to meet you.
Sus trabajos que se centran en colectivos particulares mostrando sus realidades desde enfoques diferentes son de gran interés, en especial el titulado The Waiting Game.
Este libro presenta a las prostitutas que ejercen su oficio en carreteras del levante español y alrededores de Madrid.
Para realizar este ensayo fotográfico, Salvans montó su cámara sobre el triple de un teodolito de topógrafo y, ataviado con un chaleco fluorescente se acercó a estas mujeres sin levantar sospechas de que estaban siendo fotografiadas.
Las fotografías de The Waiting Game muestran a las prostitutas mientras esperan, no en contacto con sus clientes. Txema Salvans retrata sus largas horas de espera bajo el sol, descansando en muebles de deshecho o en tocones. Las mujeres ocupan un pequeño espacio en cada fotografía, siendo aplastadas por el paisaje industrial y la hostilidad de los entornos en los que pasan sus horas.
El tratamiento del color en estas imágenes insiste en el castigo del sol sobre las mujeres mediante unos colores claros y luminosos.
The Waiting Game es un excelente grito de denuncia sobre la realidad de la prostitución en las carreteras y a la vez una bella obra de arte.

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Fosi Vegue
Oriundo de Talavera de la Reina, Toledo, este fotógrafo es uno de los miembros más destacados de la generación dorada de la fotografía española, según afirma el British Journal of Photography.
Fosi Vegue es uno de los miembros más destacados de Blank Paper, el colectivo fotográfico que incluye a fotógrafos como Ricardo Cases y Oscar Monzón.
En 2006 fundó la escuela Blank Paper donde ejerce como director y profesor y gracias a ello puede desarrollar proyectos con creadores emergentes y entidades de fotografía con renombre nacional o internacional.
Autor de proyectos como Extremaunción, donde disecciona a la Iglesia en España o Grande Éxitos, un retrato detallado sobre una sala de fiestas, entre otros.
En 2014 publicó en la editorial Dalpine el libro XY XX, definido como un estudio sobre el sexo como catalizador de nuestros instintos, de nuestros deseos.
Vegue trabaja en este libro sobre un tema muy cercano a tratado por Salvans en The Waiting Game, él también basa sus fotografías en el tema de la prostitución pero su enfoque es muy diferente, antagónico, pero no por eso menos interesante.
El autor descubrió que algunas ventanas de un patio de vecinos al que tenía acceso daban a las habitaciones a un prostíbulo y eso le llevó a realizar este trabajo que él considera una actualización del Dirty Windows de Merry Alpern o incluso de La ventana indiscreta de Alfred Hitchcock.
Vegue ha fotografiado con un teleobjetivo el interior de esas habitaciones y el resultado es un conjunto de imágenes confusas, donde no distinguimos rostros pero sí espaldas, manos o piernas, pues no es su intención documentar la vida privada de quienes allí operan, clientes y prostitutas, sino hacer una interesante reflexión del sexo como sistema de control o como catalizador de nuestros instintos y nuestros deseos y contradicciones.
El resultado es un conjunto de imágenes poderosas en las que el rojo y el negro son casi los colores únicos. El rojo de las bombillas, el negro de la oscuridad, de las pieles. Imágenes en las que lo escabroso del sexo practicado en esas habitaciones no se ve pero se siente, casi se respira.
Un enfoque fascinante y novedoso sobre el tema más antiguo.

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Philip Lorca Di-Corcia
Este maestro de la luz y el color trabaja sobre series temáticas en las que las fotografías han sido estudiadas al milímetro para que la luz esté bajo el control del autor en cada rincón de cada fotografía.
De entre las muy interesantes series de este autor, me interesa hablar de Hustlers (Chaperos) por el acercamiento tan original y bello del autor hacia el tema de la prostitución masculina.
Para encontrar modelos para sus fotografías recorrió en su coche las calles de Hollywood entre 1990 y 1992 buscando jóvenes que se prostituyeran. La mayoría de los chicos los encontró en “Boystown”, al este de Hollywood. A cada uno de ellos les propuso pagarles lo que cobraran por su servicio más básico a cambio de ser retratados.
Di Corcia seleccionó previamente las localizaciones y con un asistente realizó pruebas de la iluminación antes de encontrar a sus modelos.
Cada foto es un excelente retrato que se acompaña con el nombre del modelo, su edad, el lugar desde el que habían llegado a Los Ángeles y la tarifa pagada a cada uno.
Esta serie se finació con una beca obtenida del National Endowment por valor de 45.000 €. En aquél momento el gobierno estaba siendo muy criticado por parte de grupos religiosos que acusaban al NEA de financiar contenido gay, obsceno o político.
No les faltaba razón pues entre las obras subvencionadas que disgustaron al “700 Club” estaban las fotografías de negros desnudos de Mapplethorpe o Piss Christ, una fotografía de un crucifijo en un vaso de orina, de André Serrano.
Sea como fuere, Hustlers es un conjunto de hermosas imágenes cuyo interés se acrecenta por su contexto y por aquello que retratan.

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Cindy Shermann
Cynthia Morris Sherman (Nueva Jersey, 1954) es una de las fotógrafas norteamericanas e incluso de todo el mundo más respetada y admirada, por la calidad y coherencia de su trabajo.
Era la menor de cinco hermanos habitantes de un suburbio newyorkino . Como tantos artistas, comenzó dedicándose a la pintura pero pronto sintió que en ese terreno no tenía nada que decir y así pasó a la fotografía. En la universidad formó un espacio para artistas llamado Hallwalls donde ella y otros artistas exponían, y de allí se mudó a Nueva York para dedicarse por entero a la fotografía en un loft en Fulton Street. Sería en este espacio donde comenzaría a realizar sus primeros autoretratos conceptuales que serían conocidos como Complete Unititled Film Stills (1977-1980).
En estos retratos, Sherman se retrata disfrazada  para que sus fotografías parezcan escenas de películas desconocidas con una estética muy cercana al cine negro. No reproduce imágenes de películas reales, sino que sus fotografías parecen extraídas de películas, o incluso de la vida diaria.
Aquí comenzaría a descubrir lo mucho que podía expresar siendo ella el motivo principal de sus fotografías en las que el contenido conceptual era tan importante como la imagen.
En todas sus series hay un fuerte componente feminista lo que le ha llevado a realizar fotografías que aluden al sexo como denuncia. De todas ellas tal vez la más interesante y directa en el tratamiento del tema sea Centerfolds.
Así es como se conoce a las páginas centrales de las revistas masculinas que, en forma de desplegables horizontales muestran fotografías de mujeres objeto en posturas eróticas.
Sherman realizó una serie de imágenes en las que las mujeres que aparecían (Siempre ella misma) parecían haber sufrido malos tratos o mostraban agotamiento, hastío y sufrimiento.
De esta forma la autora da a los consumidores de esas revistas lo que buscan, mujeres en posters desplegables pero sus imágenes les golpean con su crudeza y la fuerza de su mensaje, con una aguda reflexión sobre el papel en la sociedad de muchas mujeres condenadas al dolor sólo por su sexo.

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Crónica de PhotoEspaña (IV)

PhotoEspaña 2014 es seguramente la edición más conservadora del festival, al menos desde que yo lo conozco.
La decisión de dedicarlo a la fotografía española como tema principal ha traído consigo el rescate de grandes fotógrafos de nuestra historia pero ha dejado poco para los fotógrafos actuales.
Tal vez para remendar ese error, se incluyen dos exposiciones en las que se intenta recopilar la obra de autores cuyo trabajo se sale de las normas más clásicas e intentan ir un paso más allá, adaptándose a los tiempos en los que les ha tocado vivir y con un pie puesto siempre en el futuro. Una intención muy loable cuyo resultado no va a dejar indiferente a nadie y dará mucho que hablar.
Fotografía 2.0, comisariada por Joan Fontcuberta y P2P, Prácticas contemporáneas en la fotografía española,  comisariada por Charlotte Cotton, Luis Díaz Díaz e Iñaki Domingo (Los responsables de la plataforma 3oy3, uno de los mejores sitios para estar al tanto de la mejor fotografía española contemporánea)

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He visto más de una vez cada una de las exposiciones porque las obras expuestas me provocan sentimientos muy diferentes, en colisión muchas veces.
No son muestras al uso, su vocación rompedora y representativa de las tendencias actuales en fotografía da lugar a que no se trate de exposiciones tan fáciles de digerir como las demás que componen la sección oficial. Reconozco que me han desconcertado y me han roto los esquemas, y en eso les estoy agradecido pues de algún modo pueden haber contribuido a abrir mi mente, en especial ciertos trabajos que me han gustado mucho.
Ambas exposiciones buscan un mismo objetivo pero lo hacen desde diferentes planteamientos. Fotografía 2.0 es un espacio para la fotografía más conceptual, para la incorporación imparable e inevitable de internet al arte fotográfico. Sin embargo, P2P hace mayor hincapié en el proceso fotográfico, en la fotografía como objeto, en los materiales y los medios.
Tuve la suerte de asistir a las presentaciones a prensa de ambas y eso me permitió entenderlas mejor gracias a las indicaciones y argumentaciones dadas por sus autores, pues si algo las caracteriza es que para comprender la obra de muchos de los autores, es preciso conocer el concepto que hay detrás, la historia que el autor quiere contar. Al conocer lo que hay detrás de cada proyecto fotográfico, sus intenciones y motivaciones, las imágenes ganan en significado, adquieren una riqueza y sentido que no tienen ante los ojos del neófito, pero la adquisición de ese conocimiento no implica ganancia de un interés puramente fotográfico, estético o plástico. De hecho, este es secundario en muchos de los casos.
Después de conocer los proyectos fotográficos y su justificación, permanece la sensación de que las fotografías actúan a veces más bien como ilustraciones de tales argumentos, como si no fueran el fin último y principal buscado pro los autores, sino un complemento que le da forma visible al concepto sobre el que los fotógrafos trabajan pero que depende en todo momento de la argumentación y la historia que hay detrás. Creo que muchas veces son un vehículo empleado para que el mensaje llegue al espectador, pero no son la meta, el fin del camino.
Algo que me ha llamado la atención en mucho caso es que la mayoría de los autores no han realizado las fotografías que exponen, sino que las han recogido de internet o de archivos ajenos. No pongo en duda su capacidad como artistas, pero no puedo evitar preguntarme si realmente son fotógrafos aquellos que exponen las fotos de otros. Tal vez esto tenga sentido en trabajos en los que el motivo fotográfico no es ya la realidad, lo que el fotógrafo tiene delante, sino la propia fotografía como objeto, o incluso el proceso fotográfico en sí, más que el resultado, mucho más que lo fotografiado.
Comento a continuación ambas exposiciones autor por autor expresando siempre lo que sólo es mi opinión personal.

Fotografía 2.0
Círculo de Bellas Artes, hasta el 27 de Julio.

P6034907Joan Fontcuberta el día de la presentación

The Waiting Game, de Txema Salvans
Reconozco que este proyecto de Salvans me cautivó cuando lo conocí y mi opinión no ha cambiado desde entonces, no deja de interesarme y fascinarme.
Para más información sobre estas fotografías remito a una entrada anterior de este blog.

 

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XY XX, de Fosi Vegue
Vegue trabaja sobre un tema muy cercano a Salvans, él también basa sus fotografías en el tema de la prostitución pero su enfoque es antagónico al de Txema Salvans pero no por eso menos interesante.
El autor descubrió que algunas ventanas de un patio de vecinos al que tenía acceso daban a las habitaciones a un prostíbulo y eso le llevó a realizar este trabajo que él considera una actualización de Dirty Windows de Merry Alpern o incluso de La ventana indiscreta de Alfred Hitchcock.
Vegue ha fotografiado con un teleobjetivo el interior de esas habitaciones y el resultado es un conjunto de imágenes confusas, donde no distinguimos rostros pero sí espaldas o piernas pues no es su intención documentar la vida privada de quienes allí operan sino hacer una interesante reflexión del sexo como sistema de control o como catalizador de nuestros instintos y nuestros deseos y contradicciones.
El resultado es un conjunto de imágenes poderosas que no dejan indiferente a nadie.

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Intrusos, de Albert Gusi.
En el Parque Natural del Alto Pirineo se instalaron cámaras camufladas para estudiar la evolución de la exigua población de osos residente. Las cámaras registran más de 24.ooo imágenes pero casi no se ven los osos pues son otros animales de todo tipo los que han accionado los sensores.
Albert Gusi ha recopilado algunas de esas imágenes en las que los animales parecen posar ante un retratista y que no están exentas de ciertas cualidades artísticas.
Me han gustado las fotografías pero no puedo evitar preguntarme ¿Se puede hablar de un fotógrafo o de un recopilador de imágenes ajenas?

Op. Verona, de  Arturo Rodriguez.
A raiz del caso Snowden, el Congreso de los EE.UU desclasificó y puso a disposición del público en la web de la NSA varios documentos relacionados con operaciones encubiertas llevadas a cabo por los servicios de inteligencia durante los últimos años.
Lo que Arturo Rodriguez presenta es un cubo de madera de 2x2x2 que reproduce las celdas de interrogación de la CIA y en sus paredes documentos obtenidos en la web de la NSA usando como términos de búsqueda palabras como SPain y Meteorological.
De nuevo me surge la misma pregunta. ¿Es esto fotografía? y aún no tengo la respuesta.

 

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Karma, de Óscar Monzón.Este trabajo se encuentra por partida doble en esta edición de PhotoEspaña, en forma de interesante exposición en La Fresh Gallery y con una ampliación gigante de algunas de las imágenes entremezcladas dentro de Fotografía 2.0.
Karma es un proyecto que reflexiona sobre el uso que hacemos del coche, de como cataliza el instinto depredador del ser humano y de la agresividad que se le asocia al diseño de los vehículos y la publicidad.
Las fotografías de Karma son potentes, agresivas pero no hostiles. Han sido tomadas en gran parte desde pasos elevados sobre la carretera y muestran la intimidad de los ocupantes de los vehículos.
Personalmente, me gusta mucho Karma cuando lo veo en forma de exposición, pero el libro que tanta celebridad ha adquirido y que fue merecedor del premio First PhotoBook Paris Photo-Aperture Foundation en 2013, a mi no me llega a interesar, me cansa el exceso de imágenes vacías donde sólo veo carrocerías.

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Farhana, de Reinaldo Loureiro
Son muchos los que a diario se juegan la vida intentando atravesar la frontera de Melilla escondidos dentro de un coche y son descubiertos por la Guardia Civil.
Un fotógrafo del cuerpo toma fotografías de esas personas escondidas en los recovecos más inverosímiles de los coches y después las imágenes quedan disponibles on-line.
Reinaldo Loureiro ha recopilado esas fotografías y las expone ahora. De nuevo me surge la misma duda, ¿Se puede considerar fotógrafo el que sólo recopila imágenes?

Autopsia, de Pablo Chacón
Este proyecto, que fue uno de los seleccionados el pasado año en los primeros (¿Y últimos?) premios Absolut Porfolios,
Consiste en fotografías tomadas en lugares donde se han producido accidentes de tráfico. El autor fotografía los lugares pasadas 24 horas del accidente, cuando han desaparecidos los restos más visibles, a continuación toma algún objeto resto del accidente y lo fotografía en su estudio, sobre una mesa de luz. Por último toma muestras microscópicas y las fotografía en el microscopio.
En esta muestra, la única fotografía microscópica realizada ocupa una pared mientras que un vídeo con imágenes de los lugares se muestra en una minúscula pantalla. Las imágenes de los objetos encontrados se presentan como una catalogación entomológica ordenadas sobre una pared.
Un proyecto fotográfico con algo que contar, muy interesante.

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The Random Series, de Miguel Ángel Tornero.
Me he encontrado ya en varias ocasiones con esta serie de fotografías pues The Randon Series aparece en las principales recopilaciones de fotografía española contemporánea, ya sea en forma de exposición como fue Contexto Crítico como en recopilaciones online.
Tornero recurre a softwares dedicados a la elaboración de fotografía panormámica pero en lugar de usar imágenes contíguas introduce fotografías sin ninguna relación entre ellas para que el programa interprete cómo relacionarlas y convertirlas en una sola.
Es un interesante trabajo que se sirve de las nuevas tecnologías pero como una herramienta, no como el objetivo y la justificación del proyecto.
El resultado me resulta interesante aunque, por su propia naturaleza, este tipo de trabajos se agotan fácilmente.

Data Recovering, de Diego Collado.
Las tecnologías informáticas no sólo han ocupado un lugar importantísimo en el desarrollo de la fotografía contemporánea, sino que ahora son conceptos inseparables. Este maridaje tiene efectos peculiares en ocasiones y sobre eso investigan autores como Diego Collado.
El autor ha recopilado ejemplos de archivos dañados para reflexionar como los ordenadores recomponen de forma artificial esas imágenes comportándose de forma similar a la memoria humana, inventando e incluso creando.
Muy interesante la reflexión aunque de nuevo tengo dudas sobre la condición fotográfica y creativa de este trabajo.

1048, de Jordi Pou
Este es seguramente el caso más claro de uso de fotografías ajenas al servicio de una idea.
Jordi Pou buscaba en internet un artículo que tenía la referencia 1048. Al realizar una búsqueda en base a este término encontró gran cantidad de artículos de todo tipo que tienen esa referencia y ahora ha recopilado esas imágenes junto con los textos que las describen en las diferentes webs de las que proceden.
De nuevo es un recopilador de imágenes el que expone, no el creador ni el artífice de ellas.

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Study for an endless city, de Alejandro Guijarro.
Las fotografías que el autor ha realizado muestran paisajes urbanos, vistas amplias de ciudades, sobre todo de sus tejados, pero todas están intervenidas de alguna forma, ya sea mediante pixelado, añadiendo niebla, trazando líneas y otras actuaciones digitales sobre las imágenes que muestran la idea de ciudad contemporánea de la expansión de las grandes urbes que el autor tiene. Al menos esa es la conclusión que obtengo después de leer la nota explicativa, no sé si acertaré.

BG Paintigs, de Manuel Fernández
Rizando el rizo del más difícil todavía, Manuel Fernández crea imágenes de forma digital que recuerdan a algunos errores informáticos en la generación y recuperación de fotografías pero que deben su existencia a determinados “presets” ofrecidos por algunos programas.
Pues eso.

IMG_0993 In-Dependencias, de Miguel Ángel García.
Reflexionando sobre conceptos como la privacidad o la independencia de los ciudadanos europeos, García fotografía ciudades en vistas aéreas que retratan sus tejados y mediante software de edición fotográfica, resalta en rojo elementos tales como chimeneas, ventanas y otros que señalan la existencia de dependencias privadas mostrando a la vez la ciudad como entorno colectivo y los espacios privados.
El autor ha recorrido Europa durante cuatro años fotografiando las 28 capitales europeas y de todas estas fotografías ha resultado una imagen por superposición de todas las fotografías en capas  de forma que la transparencia de cada capa la determina la cantidad de resultados obtenidos en google al buscar el concepto de independencia asociado a cada ciudad.Como ensayo estadístico o de visual thinking, me resulta muy interesante, como fotografía se me resiste.

Desktop Portraits, de Roc Herms
Desde mi punto de vista poco que opinar, una instalación con ordenadores desvencijados y monitores en los que se proyectan fondos de escritorio, algunos son fotografías personales de los usuarios, muchos se descargan gratuitamente de internet.
No le niego el valor sociológico e incluso antropológico, pero sí el fotográfico.

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CelebriMe, de Jon Uriarte.
Este es un proyecto gamberro (Dicho sin afán despectivo, al contrario) que nació para ser mostrado en facebook y ha acabado en forma de exposición.
Ahora que todo el mundo lleva una cámara consigo en todo momento, esta se convierte en notaria de su propia existencia, en testigo y testimonio de los devenires vitales de una generación internauta acostumbrada a mostrar a todas horas fotos de si mismos en situaciones que demuestren su diferencia con respecto al resto, por ejemplo fotografiándose con un famoso.
Trabajando sobre esta idea del retrato con famoso como rúbrica del interés que pueda tener la vida de cada cual, Jon Uriarte se ha apropiado de muchas de esas imágenes que circulan en internet y mediante procedimientos digitales se ha insertado a sí mismo junto al famoso de turno.
En un trabajo largo y laborioso (La integración del propio fotógrafo en cada foto ha sido realizada con mimo y perfecta imitación) que nos hace pensar sobre el camino que tiene por delante el homo fotograficus a la vez que nos arranca una sonrisa.

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Jail & Mugshots, de Darius Koehli
En 2003, el alcaide de una carcel en Arizona decidió instalar webcams en el interior para mostrar la vida privada de los reclusos a cualquiera que accediera a través de internet y de este modo aleccionar a posibles delincuentes futuros. A Darius Koehli recopila esas imágenes y las ordena en los muros de la exposición, eso es todo

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Obscurities, de Juana Gost
Juana Gost, que firma como Juana Ghost recopila en lugares de internet como flickr, picassa y similares, fotografías de personas tatuadas, con piercings y todo tipo de laceraciones, cicatrices autoinflingidas y demás, las cuelga en la pared, las clava con clavos y san se acabó, ya tenemos obra de arte.

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Viaje a la Tierra de mi padre, de Noelia Pérez
Es esta otra autora que trabaja sobre la memoria, sobre el recuerdo de un familiar, en este caso su padre. Para ello, ha reunido imágenes del álbum familiar sumadas a otras tomadas por ella, así como fotos tomadas de facebook en las cuentas de familiares con los que se perdió la relación, también ha incorporado objetos y elementos que configuran la memoria de su infancia, para dejar una constancia, para que no se pierda.
Me parece un bonito trabajo que nos invita sobre la forma en que las fotografías, ajenas y propias, configuran la memoria de los pobladores del siglo XXI

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Thinspiration, de Laia Abril
El trabajo de Laia Abril trata sobre las chicas que sufren anorexia mostrándo fotografías tomadas directamente de la pantalla de un ordenador. Las fotografías que aquí se ven son las que esas chicas  muestran sus autoretratos para alardear de sus cuerpos castigados por la enfermedad, fotografiadas en la pantalla por Laia. Es un muy interesante trabajo documental pero de nuevo tengo dudas sobre su condición de fotografía.

 

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You Haven’t seen their faces, de Daniel Mayrit
Parafraseando el título del libro de Margaret Bourke White “You have seen their faces”, que retrataba la vida rural americana en la gran depresión, ahora Mayrit pretende hablar sobre la actual crisis.
Dado que después de las revueltas londinenses de 2011 la policía de la ciudad distribuyó panfletos con fotografías en las que aparecían jóvenes que sólo presuntamente habían participado en los disturbios, lo que hace Daniel Mayrit es buscar en internet los rostros de las 100 personas más influyentes de Londres según la revista Square Mile y tratarlos digitalmente para que parezcan tomados por cámaras de seguridad para después exponerlos todos juntos dando la vuelta a la tortilla conceptual.
Es un planteamiento muy interesante pero que incide de nuevo en la falta de creación fotográfica.

 

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P2P, Prácticas contemporáneas en la fotografía española.
Centro Fernán Gómez, hasta el 20 de Julio.

P6044934Algunos de los autores el día de la presentación a prensa

Esta exposición ha sido estructurada en forma de “microexposiciones” de tres autores, siendo esta una clasificación temática.
Los grupos de tres fotógrafos no tienen un título exacto, pero voy a usar los que se utilizan en el blog “Semíramis en Babilonia” pues se acercan mucho a lo expresados por los comisarios y me han parecido muy acertados.

-Uso político de la imagen. 

Tauromaquia, de Julián Barón
Para denunciar el control sobre los ciudadanos ejercido por los gobiernos a través de la policía, el autor trabaja sobre imágenes de prensa fotocopiándolas y dándoles un nuevo significado haciendo que recuerden a imágenes de espectáculos taurinos situando a los agresores y agredidos en ruedos y lugares similares.
Me parece una forma original de hacerlo.

 

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The Fact of distance, de Ixone Sádaba
Dos fotografías de paisajes en blanco y negro, colgadas al revés, no hay más que contar.

 

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Sin España, de Daniel Mayrit
Mayrit repite presencia en exposición, esta vez con imágenes obtenidas a través de la disección de todos los discursos pronunciados por el rey en navidad.
Cada imagen se ha obtenido renderizando el vídeo en cuestión reduciéndolo al color predominante en cada caso, y en el centro de la imagen se ha escrito el sustantivo más pronunciado en el discurso exceptuando la palabra España.
Un interesante experimento historiográfico, pero ¿Fotográfico?

 

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Pequeños actos cotidianos de resistencia
Don Dinero, de Tanit Plana

Este fotógrafo pretende reflexionar sobre la inexistencia real del dinero y para ello ha realizado una serie de fotografías en las que algunas personas interactúan con un billete (Comiendo, defecando o con un comportamiento sexual), todo eso impreso a gran formato y color.No veo en esas fotografías el tema del que el autor pretende hablar, sólo veo imágenes que más parecen el trabajo de alguien que comienza que de un autor que expone en PhotoEspaña, creo que son chabacanas y desagradables.

 

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Sugar Free, de Carlos Sanva
Este trabajo me ha parecido el ejemplo perfecto sobre como las justificaciones conceptuales de muchos autores no coinciden con el resultado final de su trabajo.
Pretendiendo denunciar sobre el poder y sus arquitecturas, el autor ha pegado en paredes de edificios oficiales chicles que él mismo ha masticado pretendiendo de esta forma mostrar su disconformidad.
Perdonen ustedes mi ignorancia, pero me reí mucho con este trabajo.

 

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En todos los lugares, a todas horas, de María Sánchez
En el vídeo mostrado (sí, un vídeo, no una fotografía) la autora muestra como selecciona a un desconocido en el transporte público, le coloca sobre la ropa un pelo propio y lo va siguiendo.
Eso es todo, amigos.

 

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Lo familiar y lo íntimo

Supernova, de Olmo González
Una sucesión de fotografías de muy distinto tamaño sobre la pared formando un patrón que podría recordar a algún mapa estelar. En las fotografías vemos objetos cotidianos e instantes privados de la vida del artista, lo cual impide la comprensión si no se conoce de cerca lo que estamos viendo.

 

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This is Happening, de Román Yñán

http://www.diariosfotograficos.com es una página web donde, en forma de blog, Yñan publica fotografías personales tomadas a su familia, a su entorno más cercano y momentos en apariencia anodinos de su vida diaria.
Ahora algunas de estas fotografías se exponen sobre la pared como un mosaico, más bien un puzle, un juego privado que no carece de interés y que se convierte en una interesante muestra de cómo la fotografía compulsiva nacida de propuestas como instagram puede tener un lugar ganado a pulso en este tipo de muestras.

 

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Konigin der natcht, mother and I, de Javier Marquerie Thomas
La madre del autor fue una intérprete operística que ya se retiró de los escenarios y sobre la figura de esta mujer giran las fotografías expuestas, en blanco y negro, con un tratamiento cercano a la fotocopia.
De nuevo otro autor que trabaja sobre el recuerdo de un progenitor, no cabe duda de que este tipo de proyectos pueden dar mucho juego creativo aunque me empiezo a preguntar si no será el tema de moda.

 

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Construcción vs destrucción / Ruina

Construir, deconstruir, reconstruir, de Nicolás Combarro
Los escombros, los restos de materiales abandonados, poseen para el autor una estética y una memoria y sobre ello opera fotografiando materiales del desmontaje de la exposición anterior en el mismo centro, recortando sus formas y pegándolas sobre la pared como si fueran los propios restos, pero en realidad son fotografías.
Me interesa el planteamiento, mucho, pero no me acaba de convencer el resultado.

 

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Rosetta Project, de Alberto Feijoo
Siguiendo en parte el esquema de Nicolás Combarro, Feijoo utiliza baldosas cerámicas rotas para imprimir fotografías sobre ellas y formar un mosaico en la pared y el suelo.
Mejor la intención que el resultado.

 

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Façades, de Alberto Salván
Personalmetne siento una cierta fascinación por las paredes medianeras de los edificios, enormes lienzos en blanco con mucho que contar.
Salván fotografía estas paredes y después de revelar los negativos, los somete al contacto con las paredes para que se marque en ellos la textura de la pared, después imprime las copias.
En mi modesta opinión, el contacto de los negativos con la pared no aporta nada a las fotografías que de por sí ya son interesantes.

 

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El bodegón clásico frente al collage hoy

Untitled (Photophobia) de Miguel Ángel Tornero
¿Qué vemos en este trabajo? Es fácil, pedazos de gomaespuma, de panel aislante y cinta, es decir, materiales fotosensibles que se han oscurecido en parte por efecto de la luz.
Para Tornero esto es fotografía por el mero hecho de la acción de la luz, bueno, está visto que aquí el que no se consuela es porque no quiere.

 

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Los comediantes, de Íñigo Aragón

Es este un trabajo interesante que funciona alrededor de la representación de la forma humana intentando romper límites y patrones. A caballo entre la fotografía, el collage y en cierto modo la escultura, el resultado es interesante no sólo a nivel conceptual, sino por su potente plasticidad.

 

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La vida suspendida, de Jesús Madriñán
En esta ocasión, Madriñán no expone sus conocidos de clubbers londinenses que le han proporcionado una muy merecida fama sino que recurre a mostrar en forma de bodegones su entorno personal, dentro del cual aparece alguna copia en papel de tales retratos.
Son dos fotografías de factura muy clásica en lo formal pero que van más allá del bodegón tradicional por el tipo de objetos retratados.

 

 

Lo extraño y mágico que hay en la realidad

Antipodesedopitna, de Cristina de Middel
No podía faltar en esta muestra esta autora, la gran revelación de la fotografía española actual por méritos propios pues sus trabajos siempre tienen un gran interés.
En esta ocasión, jugando con la típica broma de mostrar las antípodas neozelandesas como un paisaje boca abajo, retrata esos majestuosos lugares intentando captar su profundidad a través de un espejo que a su vez se refleja en el espejo que hay dentro de la cámara. El resultado es un conjunto de imágenes oscuras que obligan al espectador a realizar un ejercicio de atención para disfrutarlas como merecen pues se trata de un trabajo de gran belleza.

 

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Mediodia, de David Hornillos
Mediodía era el nombre antiguo de la estación de Atocha y es en ese lugar donde se han tomado las fotografías, usando como telón de fondo un muro de ladrillos naranjas y siempre a esa hora del día, al mediodía.
Un reflejo muy interesante de la vida en ese punto de Madrid donde han sido capturado los tipos humanos, los animales, la vida entera que pasa frente a un montón de ladrillos.

 

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The earth is only a little dust under our feet, de Bego Antón
Me ha gustado mucho este proyecto, no sé bien por qué, tal vez porque me ha divertido, tal vez porque me resulta interesante en el fondo.
Parece ser que un 54% de los habitantes de Islandia cree firmemente en la existencia de seres tales como elfos, trolls, hadas y demás. La autora entrevistó a decenas de personas que aseguran poder verlos y recorrió el país buscando sus casas y escondites.
Las fotografías que la fotógrafa tomó de esos lugares y personas se muestran aquí acompañada de objetos muy relacionados con ellos, pero no sólo eso, Bego Antón también ha dejado a su elfo personal para que cualquiera se fotografíe con él usando una cámara dispuesta para ello, o con la suya propia y colgándola en las redes sociales.
El público está interactuando con la propuesta de la autora y poco a poco la pared se está llenando de fotos en las que los visitantes interactúan con el elfo invisible.

 

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La tecnología y la cultura popular

Manual, de Bubi Canal

Fotografías de manos sosteniendo extraños objetos geométricos en blanco y negro.
Que cada cual saque su interpretación.

 

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RPR, de Oscar Monzón
El autor de Karma ahora muestra un vídeo en una gran pantalla donde vemos siluetas de caminantes entrecruzarse en su discurrir y que se mezclan con las siluetas de los visitantes que cruzan delante del proyector.
Todo en conjunto resulta interesante y algo hipnótico.

 

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Bigger and Unique, de Marc Serra
El discurso del autor sobre esta obra pretende incidir en: las propiedades representativas de la realidad y en las habilidades y hándicaps del medio fotoráfico, su supuesta objetividad , las tensiones encuadre/fuera de plano, y la bidimensionalidad de la imagen (SIC). Y todo ello con una fotografía de las que se venden en IKEA sobre otra fotografía de unos focos.
Bueno, pues si el lo dice.

 

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Dominio de la imagen pura

Geometría de ecos, de Carla Andrade
Una sucesión de fotografías se distribuyen sobre la pared de forma en apariencia anárquica. Son paisajes en los que el color blanco es el protagonista.
El resultado no carece de belleza más allá de la motivación formal de la autora.

 

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El Palo, de Alejandro Marote
Sirviéndose de la transparencia de un material como el duratrans, Alejandro Marote superpone fotografías con un tratamiento monocromático, azul y rojo.
Aunque lo fotografiado es reconocible, el resultado se acerca a la abstracción y es ahí donde radica su belleza, en el armónico juego cromático y de formas.

 

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Adora, de Jon Cazenave
Estas tres potentes y muy bellas fotografías muestran el acercamiento de Cazenave al mar cantábrico junto al que vive. La fuerza de las olas queda reflejada en composiciones simétricas sólo en apariencia plasmadas en un potentísimo blanco y negro.
Para mi, de lo mejor de la exposición.

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Y esta ha sido mi modesta opinión sobre las dos exposiciones, no pretendo sentar cátedra, tan sólo mostrar mi punto de vista particular, siempre propenso a errores.