Taller de Street Photography en Lavapies

Hago fotografía desde finales de los ochenta, cuando entré en este maravilloso mundo casi por casualidad.
Desde entonces he capturado todo tipo de fotografías, pero desde el primer momento me decanté por las personas y por su vida en sus calles.
Antes de conocer términos como “Street Photography” ya retrataba la vida en las aceras, por pura pasión.
Ahora ha llegado el momento de compartir mis conocimientos en un taller que impartiré el fin de semana del 17  y 18 de Junio, dentro del espacio de Ultramarinos La Vida tiene Sentidos.

Contenido del taller.

En este taller trataremos diversos aspectos relativos a la fotografía de calle, de gran importancia

Aspectos Técnicos

-¿Cual es el mejor equipo?
-¿Qué lente me conviene?
-Iso, exposición, etc.

Aspectos estratégicos.

-¿Cómo puedo ser invisible?
-¿De qué forma me anticipo al instante decisivo?
-Psicología de mis modelos
-Ritmos y tiempos

Grandes maestros.

-Descubre el trabajo de los grandes maestros y su forma de trabajar.

Aspectos legales.

-Conocerás detalles importantes sobre la legislación referente a derechos de imagen y fotografía de personas.

Práctica

-Y para concluir, practicarás lo aprendido fotografiando las calles de Lavapies.
Barato, divertido, instructivo.
¿Te lo vas a perder?

Tienes toda la información para apuntarte y sobre el lugar, la página de La Vida tiene Sentidos:
http://www.lavidatienesentidos.com/evento/taller-de-street-photography/
Te espero.

La mirada rasgada (III)

Comencé a escribir sobre fotógrafos orientales con intención de elaborar un par de entradas, pero la gran demanda que esta serie ha tenido y lo mucho que estoy aprendiendo al documentarme me lleva a continuar escribiendo estos textos.
Vamos a por el tercero.

Hisaji Hara

Balthasar Kłossowski de Rola (1908-2001), más conocido como Balthus, realizó en los años treinta una serie de cuadros en los que mostraba a jóvenes mujeres en posturas cargadas de erotismo. Estos lienzos, en especial el titulado “La maestra de guitarra” que mostraba sexo entre mujeres, escandalizaron a la sociedad de su época y encontraron un hueco en la historia del arte. Eran cuadros tan bellos como turbadores, intencionadamente  provocadores que dieron pie a otros artistas para dar el paso que el arte necesitaba.
Hisaji Hara nació en Tokio en 1964, cincuenta y seis años después de Balthus, cuando el arte había superado prejuicios y andaba algo más libre de tapujos, sin embargo optó por basar usa obra en interpretar la obra de Balthus en forma de fotografías.
Las fotografías de Hara reproducen de una forma casi literal los cuadros de Balthus pero en este caso sus protagonistas son escolares japonesas que visten el típico uniforme de marinera.
Si bien las fotografías de Hara reproducen los cuadros, las posturas y actitudes de sus protagonistas son las mismas, hay en estas una candidez que, lejos de inocente, otorga un carácter más perverso a las imágenes. Las mujeres de Balthus, aunque púberes, tienen el rostro de adultas desinhibidas. Las modelos de Hisaji Hara son preadolescentes que tanto nos parecen protagonistas inocentes de antiguos daguerrotipos como modernas dominatrix.
De nuevo en un fotógrafo japonés el morbo erótico es el protagonista y siempre presentado justo en el límite entre lo políticamente correcto y algo más oscuro.

balthus-hara1 balthus-hara2© Hisaji Hara y Balthus

Daisuke Yokota

Encuentro en este fotógrafo la esencia de lo que me fascina de los fotógrafos asiáticos; la extrañeza, el paso incierto entre lo establecido y lo novedoso, la mirada subjetiva y personal que va un paso más allá.
Sus fotografías, siempre en blanco y negro, reciben un tratamiento que las ensucia, las simplifica y embrutece dándoles un aspecto cercano a fotocopias (De hecho la fotocopiadora es uno de los instrumentos de los que se sirve), pero no por ello son menos bellas, al contrario, su carácter misterioso, como encantado, las hace atractivas y seductoras.
De sus series, me interesa especialmente su serie “nocturnas”, en ellas encuentro ese punto de rareza, la visión particular de la realidad que los artistas orientales tienen.
Son estas fotografías de paisajes anodinos tomadas con cámaras ditigales y sometidas a un proceso complejo y peculiar; Después de la toma la imprime y fotografía esa copia con película de color en formato 6×7. El revelado posterior altera los tiempos de exposición comunes y usa agua caliente. Este proceso se repite muchas veces, alrededor de diez.
Su intención es transmitir en imágenes los efectos sonoros de la música electrónica, el eco o la reverberación.
No sé si conseguirá transmitir sensaciones tan complejas, pero sin lugar a duda sus imágenes son potentes y evocadoras.

01© Daisuke Yokota

daisuke-yokota-backyard-21© Daisuke Yokota

site_17-700x526© Daisuke Yokota

Sachiko Kawanabe

La fotografía de Kawanabe responde al arquetipo de mujer japonesa casi aislada del mundo para recluirse en el suyo propio.
Las suyas son fotografías sencillas pero potentes, intimistas, un catálogo de instantes de la vida rural japonesa que parece más sacado de una película de Miyazaki que del mundo real.
Hay algo oculto en sus imágenes que va más allá de la mera fotografía, es lo que narra por encima de la imagen en sí. En sus fotos, tomadas sobre todo en los alrededores de su casa paterna, habla de la relación con su madre y de como nadie puede estar solo en el mundo pues todos tenemos un vínculo que nos ata a otros, aunque sea el mero hecho de tener padres o serlo.
Es cierto que sus fotografías entroncan dentro de la tendencia algo hipster de fotografiar lo que cotidiano y que parecen influenciadas por las modas de instagram y similares. Pero basta con darse una vuelta por su página web para encontrar algo más, algo sutil, casi escondido, que las hace diferentes.

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© Sachiko Wakanabe

040_82bb82cc011© Sachiko Wakanabe

060ts004© Sachiko Wakanabe

Weng Peijun (Weng fen)

El hombre destruye y el hombre construye, aunque en ocasiones lo construído por el hombre parece llevar a la destrucción. Sobre esta paradoja se diría que se crea la obra de Weng Peijun, conocido como Weng Fen.
El fotógrafo nacido en Hainan (China) en el año 1961, centra su obra fotográfica en el retrato de gigantescas construcciones tan características del crecimiento urbanístico que el capitalismo a producido en China. Pero al contrario de como lo pudieran hacer autores tales como Jason Hawkes, Peter Stewart o Edward Burtynsky, limitándose a los retratos asepticos de las nuevas construcciones, Weng fen antepone siempre a los edificios la figura humana.
Personas en primer plano, siempre, en todas sus fotos, generalmente mujeres jóvenes, representaciones de la inocencia frente a la megaconstrucción. El hombre contemplando su obra, como un moderno Frankestein orgulloso por haber creado, temeroso por las consecuencias de su creación.
Sus figuras aparecen en primer plano, junto a algún tipo de muro que las separa de la megalópolis. Muros generalmente de colores abigarrados que contrastan con la uniformidad cromática de los edificios.
Unas fotografías que inducen a la reflexión, por su belleza, por su tratamiento formal y por el mensaje que transmiten.


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on+the+wall-haikou+5© Weng Fen

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© Weng Fen

Masao Yamamoto

Yamamoto, nacido en 1957 en Gamagori (Prefectura de Japón de Aichi) trabaja creando pequeñas fotografías que pretenden ser únicas no sólo por lo que muestran, sino por su condición de objetos.
La formación de Masao Yamamoto es como pintor al oleo y la forma de trabajar de un pintor es la misma que sigue a la hora de realizar sus fotografías. Intenta crear imágenes que evocan recuerdos, que sugieren más que mostrar de forma explícita, pinceladas de haluros de plata.
La influencia de su formación como pintor no se queda ahí, además, trabaja con las texturas, realiza virados con materiales como el té, pinta sus fotografías o las rasga.
Con este procedimiento, sus imágenes de paisajes, desnudos o bodegones acaban por ser obras de arte independientes, y todas de un gran valor artístico.
La forma en la que se enfrenta a la composición y elección de motivos, así como el uso de la luz y del blanco y negro o el pequeño tamaño de sus copias finales, entroncan de forma directa con el arte tradicional japonés. Cualquiera puede distinguir en sus fotografías una mirada asiatica, antes incluso de conocer la procedencia del autor.

23472A-e1352286691323© Masao Yamamoto

231529© Masao Yamamoto

Captura de pantalla 2015-04-11 a las 17.39.36© Masao Yamamoto

 

Y con esto termino esta entrada sobre fotógrafos orientales mientras preparo la siguiente.

Enlaces de interés:
Hisaji hara
Daisuke Yokota
Sachiko Wakanabe
Weng Fen
Masao Yamamoto

 

La mirada rasgada (II)

En esta entrada continúo con mi selección de aquellos autores orientales cuya mirada me parece sustancialmente diferente de la de los fotógrafos occidentales.

Wenxin Zhang.

Zhang es una fotógrafa china que vive a caballo entre su país de origen y la ciudad de San Francisco. La vida entre la ciudad Norteamericana y China obliga a la autora a realizar contínuos viajes en los que se repiten escenarios y situaciones.
Esta situación hace que ella se vea como si estuviera dentro de un acuario y fuera un pez obligado a realizar siempre los mismos desplazamientos y observar el mismo paisaje. De eso habla en su serie “Cinco Noches, Acuario” en la que intercala fotografías con textos breves sobre sus experiencias en esos viajes.
El mundo que retrata Wenxin Zhang tiene el punto de extrañeza que para el habitante de un acuario debe tener todo lo que hay más allá de sus paredes de cristal. Son fotografías frías, extrañas pero a la vez sensuales, poéticas, con un pie en la realidad y otro en lo imaginado. El resultado es tan inquietante como mágico.

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© Wenxin Zhang

kid 012© Wenxin Zhang

Yusuke Sakai

Este fotógrafo japonés es un auténtico obseso de la forma y la composición. La geometría no sólo está presente en toda su obra, sino que llega a ser el motivo principal e incluso único.
Fascinado por las composiciones basadas en el ritmo visual y en los efectos geométricos, Sakai fotografía las calles con la mirada de un delineante o un arquitecto más que la de un fotógrafo.
Su serie de fotografías titulada “Points of view” es un trabajo obsesivo empeñado en integrar a los viandantes dentro de la geometría urbana. Otras series suyas como “Salaryman Blues” o “Lights” tienen un planteamiento más conceptual, peor la obsesión por la geometría sigue presente en cada una de sus fotografías.

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© Yusuke Sakai

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© Yusuke Sakai

Lieko Shiga.

Las fotografías de esta fotógrafa japonesa no sólo me desconciertan, sino que también me inquietan, incluso podría decir que me dan miedo.
Sus experimentos formales con la luz y el color, más allá de consideraciones técnicas (Muy importantes en este caso) tienen algo onírico más cercano a las pesadillas que a otro tipo de ensoñaciones. Y no se trata de que lo que ella retrate sean escenas aterradoras, no hay fealdad en sus fotografías, o al menos no de forma generalizada, pero hay algo que está más cercano del reino de Morfeo que del de el ser humano.
Miro sus fotografías y no sé de qué hablan ni cómo han sido tomadas, no sé si me quiere contar algo o no, pero tengo claro que me atraen del mismo modo que las habitaciones oscuras atraen a los niños, por la fascinación que ejerce lo que desconocemos por encima del riesgo inherente a ese desconocimiento.
Su trabajo cautiva, inquieta y perturba a un tiempo. ¿Se le puede pedir más a una artista?liekoshiga

© Lieko Shiga

liekoshnga© Lieko Shiga

Fan ho

Dada la tendencia de muchos redactores a repetir esquemas, Fan Ho suele aparecer etiquetado como el Ansel Adams de Hong Kong y sobre todo como el Cartier-Bresson Chino.
Ambas comparaciones no son erroneas pero a mi juicio son incompletas. Con Ansel Adams, Fan Ho comparte el dominio del blanco y negro, pero poco más, mientras que con el fundador de Magnum la cercanía es mayor, no tanto por el interés de ambos en la búsqueda del instante decisivo, sino por que ambos son unos maestros de la composición fotográfica.
Fan Ho, nacido en Shangai en 1932, es un cronista de la vida en las calles de Hong Kong. Refleja instantes cotidianos cargados de belleza pero más que buscar momentos únicos o escenas de interés se interesa en componer sus fotografías de forma obsesiva. SIn llegar a los extremos de Yusuke Sakai, ya mencionado antes, la simetría y la geometría juegan un papel importante en sus fotografías, pero con el añadido de mostrar la vida en las calles, de reflejar el devenir diario de los habitantes de una ciudad durante años. Cada una de sus fotografías es una impresionante obra de arte donde la luz y la composición se unen para crear belleza.
En ocasiones, Fan Ho juega con las múltiples exposiciones dando lugar a imagenes casi dadaistas.
Fan Ho es una personalidad dentro de la fotografía a nivel mundial, por los premios recibidos y las exposiciones realizadas, pero además es un excelente director de cine.

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© Fan Ho

Miyako Ishiuchi

Ishiuchi fotografía cicatrices. Las heridas que el paso del tiempo produce sobre los materiales, sobre la tierra, sobre las personas, son el tema recurrente de su fotografía.
Esta fotógrafa estudió extiles en la universidad y empezó a hacer fotografía en 1975, y seguramente por eso la ropa sea uno de sus motivos principales, la ropa vieja, maltratada y ajada por el tiempo. Pero también los rastros de la edad sobre la piel o las cicatrices quirúrgicas, los signos de la edad sobre cualquiera de sus motivos.
Al igual que otros fotógrafos japoneses, como puede ser el caso de Daido Moriyama, Ishiuchi utiliza para sus fotografías en blanco y negro el llamado estilo are-bure o grano-desenfoque. Son fotografías muy contrastadas, con un grano de gran tamaño y en las que las zonas negras empastadas tienen un protagonismo especial. En sus fotografías a color los tonos aparecen saturados y el contraste es elevado.
Entre sus trabajos, tal vez el más destacado sea “Mother’s – traces of the future” del que se sirvió para llenar el pabellón de Japón en la Bienal de Venecia de 2005 con fotografías y vídeos de su madre pero sobre todo de su ropa y objetos personales.
Su fotografía es triste porque nos constata el inexorable paso del tiempo y el efecto que este produce, pero no por eso exenta de belleza plástica.

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© Miyako Ishiuchi

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© Miyako Ishiuchi

Finalizo esta segunda entrada sobre fotógrafos asiáticos, pronto habrá una tercera.

Enlaces de interés:
Wenxin Zhang
Web personal
Artículo en Fraction Magazine
Yusuke Sakai
Web personal
Lieko Shiga
Web personal
Fan Ho
Web personal
Miyako Ishiuchi
Artículo en el blog “Ojos Caleidoscopio”
Entrada en Wikipedia

Crónica de PhotoEspaña (VI)

Más exposiciones de esta edición de PhotoEspaña.

Anatomías distantes, de Ochi Reyes y Javier Marqueríe Thomas
La Fábrica,  hasta el 24 de agosto

La exposición que se acaba de inaugurar en el espacio que La Fábrica tiene en la calle Alameda, presenta un diálogo visual entre dos autores.
Este diálogo se organiza en base a una temática común en sus fotografías, la indagación en el pasado familiar, una introspección en el recuerdo personal de familiares cercanos. El resultado se muestra en forma de dos colecciones de imágenes que rivalizan en belleza estética y conceptual.
Las fotografías de Ochi Reyes, como ocurre con un buen grupo de fotógrafos en esta edición de PhotoEspaña, ahonda en el recuerdo de un familiar perdido, en este caso la madre. Para ello, Ochi  Reyes ha buscado objetos personales de su madre y los ha fotografiado pero sirviéndose para ello de técnicas microscópicas. Lo que vemos son texturas, trazos escritos aumentados, imágenes abstractas en apariencia pero que muestran una realidad muy concreta. El resultado es doblemente interesante, tanto desde el punto de vista estético dada la gran belleza de las imágenes, como del trasfondo argumental por la originalidad del acercamiento realizado por la autora hacia la memoria de su madre.
Lo que  Javier Marqueríe Thomas presenta es un bonito trabajo que toma el nombre de la finca familiar.
Los barros del Monje es el lugar donde se ha desarrollado la vida familiar, a lo largo de los años ha aparecido munición y metralla procedente de la Batalla de Brunete. Esas piezas forman parte de la memoria de Javier Marqueríe, asociadas al recuerdo de su tío que las ha ido reuniendo a lo largo de los años gracias a un detector de metales. En sus fotografías se alternan los retratos con las naturalezas muertas compuestas de reliquias de la batalle, y en conjunto realizan un recorrido por la memoria del autor.
Son dos trabajos concebidos sin relación pero que al unirse en las paredes de la sala forman un bello cuadro que nos habla de la huella que la familia deja en cada uno de nosotros.
Recomiendo la visita a esta exposición.

 

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© Ochi Reyes

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  © Javier Marqueríe Thomas

Fotos y libros, España 1905-1977
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía,  hasta el 05 de enero de 2015

La exposición con la que el Museo Reína Sofía participa en PhotoEspaña muestra una selección de ejemplares de la colección del museo que realiza un más que interesante recorrido por la historia de los libros fotográficos en España.
Entendiendo el fotolibro como una publicación en la que la fotografía es protagonista por encima del texto, los aquí expuestos muestran cómo la fotografía, desde principios de siglo hasta casi la década de los ochenta sirvieron no sólo para mostrar la obra de los fotógrafos, sino para reflejar la realidad de la sociedad española.
Se pueden ver en esta exposición cuyo montaje y comisariado es excelente, fotolibros de autores tales como Ortiz Echagüe, Alfonos, Catalá-Roca, Masats o Miserachs entre otros muchos y abarcan temas desde la labor de las Misiones Pedagógicas a la propaganda franquista o la edición casi fanzinera durante la movida.
No es sólo un repaso a la historia reciente de España en imágenes, sino también una muestra de cómo el llamado fotolibro no es un invento actual y ha sido empleado desde que existe la fotografía, siempre sirviendo a muy distintos fines y directrices que no siempre entraron dentro del terreno de lo artístico.
Propaganda, promoción turística, pedagogía o exposición de obra artística, todos los fotolibros aquí mostrados así como las fotos que los acompañan consituyen una exposición con gran interés.

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Retratos en papel, de Chema Conesa
Sala Alcalá 31,  hasta el 27 de julio

Toda una vida como retratista de prensa es lo que se concentra en la sala Alcalá 31 gracias a esta exposición comisariada por or el fotógrafo y Premio Nacional de Fotografía, Ramón Masats y Alberto Anaut, presidente de La Fábrica.
Trabajando para distintos medios, Conesa ha realizado retratos de las principales personalidades de la cultura, la política o el deporte entre otros para ilustrar entrevistas y artículos de prensa.
Son retratos realizados casi siempre en condiciones adversas que obligaron al fotógrafo a desplazarse al  lugar de la entrevista y a improvisar con los medios disponibles durante el muy escaso tiempo del que dispuso, siempre cuando el periodista de turno acababa su trabajo. En este tipo de situaciones se comprueba la maestría de un autor, cuando es capaz de captar la esencia del retratado huyendo de composiciones clásicas y encontrando siempre un punto de vista original y nuevo para fotografiar a su modelo.
Esta muestra es un buen ejemplo de cómo el buen hacer de un fotógrafo puede convertir un encargo difícil en una gran obra.

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Madrid 24 Horas, un día en la vida de Madrid, Varios autores..
CentroCentro, hasta el 27 de Julio.

Ya es constumbre que en cada nueva edición, PhotoEspaña ofrezca la oportunidad de tomar parte en el festival a los aficionados a través de alguna iniciativa participativa. Este año, el festival ha convocado el concurso “Madrid24H, un día en la vida de Madrid”. La idea era reflejar la vida en la capital cada una de las horas del día, para lo cual se han seleccionado 24 fotografías entre las más de 3000 presentadas.Cada una de las 24 instantáneas ilustra una de las franjas horarias de un día en la vida de la ciudad madrileña, creando un mosaico fotográfico urbano y colectivo
La función del concurso, que se ha desarrollado on line a través de la web: Madrid24h  y ha sido patrocinado por el Ayuntamiento de Madrid y Samsung, además de hacer más participativo al festival, es doble; por un lado Samsung promociona sus productos tanto con los premios como con las pantallas en las que se proyectan las fotos (No es una exposición en papel), por el otro, se promociona también la ciudad de Madrid, al menos su cara más amable.
Soy uno de los seleccionados entre los 24, con lo cual no tiene sentido que sea demasiado crítico con algo en lo que he tomado parte, pero sí me hubiera gustado que cuando se hablaba de exposición, esta lo fuera realmente tal y como todos lo entendemos, y tal vez un poco menos de buenrollismo en la selección de fotografías ganadoras. Entre las presentadas había algunas muy buenas pero que no ofrecían una imagen del todo amable y tópica de la ciudad.
En fin, para gustos…

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 Fotografía ganadora, © Daniel Medina de Dios

 

Crónica de PhotoEspaña (IV)

PhotoEspaña 2014 es seguramente la edición más conservadora del festival, al menos desde que yo lo conozco.
La decisión de dedicarlo a la fotografía española como tema principal ha traído consigo el rescate de grandes fotógrafos de nuestra historia pero ha dejado poco para los fotógrafos actuales.
Tal vez para remendar ese error, se incluyen dos exposiciones en las que se intenta recopilar la obra de autores cuyo trabajo se sale de las normas más clásicas e intentan ir un paso más allá, adaptándose a los tiempos en los que les ha tocado vivir y con un pie puesto siempre en el futuro. Una intención muy loable cuyo resultado no va a dejar indiferente a nadie y dará mucho que hablar.
Fotografía 2.0, comisariada por Joan Fontcuberta y P2P, Prácticas contemporáneas en la fotografía española,  comisariada por Charlotte Cotton, Luis Díaz Díaz e Iñaki Domingo (Los responsables de la plataforma 3oy3, uno de los mejores sitios para estar al tanto de la mejor fotografía española contemporánea)

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He visto más de una vez cada una de las exposiciones porque las obras expuestas me provocan sentimientos muy diferentes, en colisión muchas veces.
No son muestras al uso, su vocación rompedora y representativa de las tendencias actuales en fotografía da lugar a que no se trate de exposiciones tan fáciles de digerir como las demás que componen la sección oficial. Reconozco que me han desconcertado y me han roto los esquemas, y en eso les estoy agradecido pues de algún modo pueden haber contribuido a abrir mi mente, en especial ciertos trabajos que me han gustado mucho.
Ambas exposiciones buscan un mismo objetivo pero lo hacen desde diferentes planteamientos. Fotografía 2.0 es un espacio para la fotografía más conceptual, para la incorporación imparable e inevitable de internet al arte fotográfico. Sin embargo, P2P hace mayor hincapié en el proceso fotográfico, en la fotografía como objeto, en los materiales y los medios.
Tuve la suerte de asistir a las presentaciones a prensa de ambas y eso me permitió entenderlas mejor gracias a las indicaciones y argumentaciones dadas por sus autores, pues si algo las caracteriza es que para comprender la obra de muchos de los autores, es preciso conocer el concepto que hay detrás, la historia que el autor quiere contar. Al conocer lo que hay detrás de cada proyecto fotográfico, sus intenciones y motivaciones, las imágenes ganan en significado, adquieren una riqueza y sentido que no tienen ante los ojos del neófito, pero la adquisición de ese conocimiento no implica ganancia de un interés puramente fotográfico, estético o plástico. De hecho, este es secundario en muchos de los casos.
Después de conocer los proyectos fotográficos y su justificación, permanece la sensación de que las fotografías actúan a veces más bien como ilustraciones de tales argumentos, como si no fueran el fin último y principal buscado pro los autores, sino un complemento que le da forma visible al concepto sobre el que los fotógrafos trabajan pero que depende en todo momento de la argumentación y la historia que hay detrás. Creo que muchas veces son un vehículo empleado para que el mensaje llegue al espectador, pero no son la meta, el fin del camino.
Algo que me ha llamado la atención en mucho caso es que la mayoría de los autores no han realizado las fotografías que exponen, sino que las han recogido de internet o de archivos ajenos. No pongo en duda su capacidad como artistas, pero no puedo evitar preguntarme si realmente son fotógrafos aquellos que exponen las fotos de otros. Tal vez esto tenga sentido en trabajos en los que el motivo fotográfico no es ya la realidad, lo que el fotógrafo tiene delante, sino la propia fotografía como objeto, o incluso el proceso fotográfico en sí, más que el resultado, mucho más que lo fotografiado.
Comento a continuación ambas exposiciones autor por autor expresando siempre lo que sólo es mi opinión personal.

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Círculo de Bellas Artes, hasta el 27 de Julio.

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The Waiting Game, de Txema Salvans
Reconozco que este proyecto de Salvans me cautivó cuando lo conocí y mi opinión no ha cambiado desde entonces, no deja de interesarme y fascinarme.
Para más información sobre estas fotografías remito a una entrada anterior de este blog.

 

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XY XX, de Fosi Vegue
Vegue trabaja sobre un tema muy cercano a Salvans, él también basa sus fotografías en el tema de la prostitución pero su enfoque es antagónico al de Txema Salvans pero no por eso menos interesante.
El autor descubrió que algunas ventanas de un patio de vecinos al que tenía acceso daban a las habitaciones a un prostíbulo y eso le llevó a realizar este trabajo que él considera una actualización de Dirty Windows de Merry Alpern o incluso de La ventana indiscreta de Alfred Hitchcock.
Vegue ha fotografiado con un teleobjetivo el interior de esas habitaciones y el resultado es un conjunto de imágenes confusas, donde no distinguimos rostros pero sí espaldas o piernas pues no es su intención documentar la vida privada de quienes allí operan sino hacer una interesante reflexión del sexo como sistema de control o como catalizador de nuestros instintos y nuestros deseos y contradicciones.
El resultado es un conjunto de imágenes poderosas que no dejan indiferente a nadie.

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Intrusos, de Albert Gusi.
En el Parque Natural del Alto Pirineo se instalaron cámaras camufladas para estudiar la evolución de la exigua población de osos residente. Las cámaras registran más de 24.ooo imágenes pero casi no se ven los osos pues son otros animales de todo tipo los que han accionado los sensores.
Albert Gusi ha recopilado algunas de esas imágenes en las que los animales parecen posar ante un retratista y que no están exentas de ciertas cualidades artísticas.
Me han gustado las fotografías pero no puedo evitar preguntarme ¿Se puede hablar de un fotógrafo o de un recopilador de imágenes ajenas?

Op. Verona, de  Arturo Rodriguez.
A raiz del caso Snowden, el Congreso de los EE.UU desclasificó y puso a disposición del público en la web de la NSA varios documentos relacionados con operaciones encubiertas llevadas a cabo por los servicios de inteligencia durante los últimos años.
Lo que Arturo Rodriguez presenta es un cubo de madera de 2x2x2 que reproduce las celdas de interrogación de la CIA y en sus paredes documentos obtenidos en la web de la NSA usando como términos de búsqueda palabras como SPain y Meteorological.
De nuevo me surge la misma pregunta. ¿Es esto fotografía? y aún no tengo la respuesta.

 

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Karma, de Óscar Monzón.Este trabajo se encuentra por partida doble en esta edición de PhotoEspaña, en forma de interesante exposición en La Fresh Gallery y con una ampliación gigante de algunas de las imágenes entremezcladas dentro de Fotografía 2.0.
Karma es un proyecto que reflexiona sobre el uso que hacemos del coche, de como cataliza el instinto depredador del ser humano y de la agresividad que se le asocia al diseño de los vehículos y la publicidad.
Las fotografías de Karma son potentes, agresivas pero no hostiles. Han sido tomadas en gran parte desde pasos elevados sobre la carretera y muestran la intimidad de los ocupantes de los vehículos.
Personalmente, me gusta mucho Karma cuando lo veo en forma de exposición, pero el libro que tanta celebridad ha adquirido y que fue merecedor del premio First PhotoBook Paris Photo-Aperture Foundation en 2013, a mi no me llega a interesar, me cansa el exceso de imágenes vacías donde sólo veo carrocerías.

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Farhana, de Reinaldo Loureiro
Son muchos los que a diario se juegan la vida intentando atravesar la frontera de Melilla escondidos dentro de un coche y son descubiertos por la Guardia Civil.
Un fotógrafo del cuerpo toma fotografías de esas personas escondidas en los recovecos más inverosímiles de los coches y después las imágenes quedan disponibles on-line.
Reinaldo Loureiro ha recopilado esas fotografías y las expone ahora. De nuevo me surge la misma duda, ¿Se puede considerar fotógrafo el que sólo recopila imágenes?

Autopsia, de Pablo Chacón
Este proyecto, que fue uno de los seleccionados el pasado año en los primeros (¿Y últimos?) premios Absolut Porfolios,
Consiste en fotografías tomadas en lugares donde se han producido accidentes de tráfico. El autor fotografía los lugares pasadas 24 horas del accidente, cuando han desaparecidos los restos más visibles, a continuación toma algún objeto resto del accidente y lo fotografía en su estudio, sobre una mesa de luz. Por último toma muestras microscópicas y las fotografía en el microscopio.
En esta muestra, la única fotografía microscópica realizada ocupa una pared mientras que un vídeo con imágenes de los lugares se muestra en una minúscula pantalla. Las imágenes de los objetos encontrados se presentan como una catalogación entomológica ordenadas sobre una pared.
Un proyecto fotográfico con algo que contar, muy interesante.

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The Random Series, de Miguel Ángel Tornero.
Me he encontrado ya en varias ocasiones con esta serie de fotografías pues The Randon Series aparece en las principales recopilaciones de fotografía española contemporánea, ya sea en forma de exposición como fue Contexto Crítico como en recopilaciones online.
Tornero recurre a softwares dedicados a la elaboración de fotografía panormámica pero en lugar de usar imágenes contíguas introduce fotografías sin ninguna relación entre ellas para que el programa interprete cómo relacionarlas y convertirlas en una sola.
Es un interesante trabajo que se sirve de las nuevas tecnologías pero como una herramienta, no como el objetivo y la justificación del proyecto.
El resultado me resulta interesante aunque, por su propia naturaleza, este tipo de trabajos se agotan fácilmente.

Data Recovering, de Diego Collado.
Las tecnologías informáticas no sólo han ocupado un lugar importantísimo en el desarrollo de la fotografía contemporánea, sino que ahora son conceptos inseparables. Este maridaje tiene efectos peculiares en ocasiones y sobre eso investigan autores como Diego Collado.
El autor ha recopilado ejemplos de archivos dañados para reflexionar como los ordenadores recomponen de forma artificial esas imágenes comportándose de forma similar a la memoria humana, inventando e incluso creando.
Muy interesante la reflexión aunque de nuevo tengo dudas sobre la condición fotográfica y creativa de este trabajo.

1048, de Jordi Pou
Este es seguramente el caso más claro de uso de fotografías ajenas al servicio de una idea.
Jordi Pou buscaba en internet un artículo que tenía la referencia 1048. Al realizar una búsqueda en base a este término encontró gran cantidad de artículos de todo tipo que tienen esa referencia y ahora ha recopilado esas imágenes junto con los textos que las describen en las diferentes webs de las que proceden.
De nuevo es un recopilador de imágenes el que expone, no el creador ni el artífice de ellas.

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Study for an endless city, de Alejandro Guijarro.
Las fotografías que el autor ha realizado muestran paisajes urbanos, vistas amplias de ciudades, sobre todo de sus tejados, pero todas están intervenidas de alguna forma, ya sea mediante pixelado, añadiendo niebla, trazando líneas y otras actuaciones digitales sobre las imágenes que muestran la idea de ciudad contemporánea de la expansión de las grandes urbes que el autor tiene. Al menos esa es la conclusión que obtengo después de leer la nota explicativa, no sé si acertaré.

BG Paintigs, de Manuel Fernández
Rizando el rizo del más difícil todavía, Manuel Fernández crea imágenes de forma digital que recuerdan a algunos errores informáticos en la generación y recuperación de fotografías pero que deben su existencia a determinados “presets” ofrecidos por algunos programas.
Pues eso.

IMG_0993 In-Dependencias, de Miguel Ángel García.
Reflexionando sobre conceptos como la privacidad o la independencia de los ciudadanos europeos, García fotografía ciudades en vistas aéreas que retratan sus tejados y mediante software de edición fotográfica, resalta en rojo elementos tales como chimeneas, ventanas y otros que señalan la existencia de dependencias privadas mostrando a la vez la ciudad como entorno colectivo y los espacios privados.
El autor ha recorrido Europa durante cuatro años fotografiando las 28 capitales europeas y de todas estas fotografías ha resultado una imagen por superposición de todas las fotografías en capas  de forma que la transparencia de cada capa la determina la cantidad de resultados obtenidos en google al buscar el concepto de independencia asociado a cada ciudad.Como ensayo estadístico o de visual thinking, me resulta muy interesante, como fotografía se me resiste.

Desktop Portraits, de Roc Herms
Desde mi punto de vista poco que opinar, una instalación con ordenadores desvencijados y monitores en los que se proyectan fondos de escritorio, algunos son fotografías personales de los usuarios, muchos se descargan gratuitamente de internet.
No le niego el valor sociológico e incluso antropológico, pero sí el fotográfico.

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CelebriMe, de Jon Uriarte.
Este es un proyecto gamberro (Dicho sin afán despectivo, al contrario) que nació para ser mostrado en facebook y ha acabado en forma de exposición.
Ahora que todo el mundo lleva una cámara consigo en todo momento, esta se convierte en notaria de su propia existencia, en testigo y testimonio de los devenires vitales de una generación internauta acostumbrada a mostrar a todas horas fotos de si mismos en situaciones que demuestren su diferencia con respecto al resto, por ejemplo fotografiándose con un famoso.
Trabajando sobre esta idea del retrato con famoso como rúbrica del interés que pueda tener la vida de cada cual, Jon Uriarte se ha apropiado de muchas de esas imágenes que circulan en internet y mediante procedimientos digitales se ha insertado a sí mismo junto al famoso de turno.
En un trabajo largo y laborioso (La integración del propio fotógrafo en cada foto ha sido realizada con mimo y perfecta imitación) que nos hace pensar sobre el camino que tiene por delante el homo fotograficus a la vez que nos arranca una sonrisa.

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Jail & Mugshots, de Darius Koehli
En 2003, el alcaide de una carcel en Arizona decidió instalar webcams en el interior para mostrar la vida privada de los reclusos a cualquiera que accediera a través de internet y de este modo aleccionar a posibles delincuentes futuros. A Darius Koehli recopila esas imágenes y las ordena en los muros de la exposición, eso es todo

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Obscurities, de Juana Gost
Juana Gost, que firma como Juana Ghost recopila en lugares de internet como flickr, picassa y similares, fotografías de personas tatuadas, con piercings y todo tipo de laceraciones, cicatrices autoinflingidas y demás, las cuelga en la pared, las clava con clavos y san se acabó, ya tenemos obra de arte.

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Viaje a la Tierra de mi padre, de Noelia Pérez
Es esta otra autora que trabaja sobre la memoria, sobre el recuerdo de un familiar, en este caso su padre. Para ello, ha reunido imágenes del álbum familiar sumadas a otras tomadas por ella, así como fotos tomadas de facebook en las cuentas de familiares con los que se perdió la relación, también ha incorporado objetos y elementos que configuran la memoria de su infancia, para dejar una constancia, para que no se pierda.
Me parece un bonito trabajo que nos invita sobre la forma en que las fotografías, ajenas y propias, configuran la memoria de los pobladores del siglo XXI

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Thinspiration, de Laia Abril
El trabajo de Laia Abril trata sobre las chicas que sufren anorexia mostrándo fotografías tomadas directamente de la pantalla de un ordenador. Las fotografías que aquí se ven son las que esas chicas  muestran sus autoretratos para alardear de sus cuerpos castigados por la enfermedad, fotografiadas en la pantalla por Laia. Es un muy interesante trabajo documental pero de nuevo tengo dudas sobre su condición de fotografía.

 

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You Haven’t seen their faces, de Daniel Mayrit
Parafraseando el título del libro de Margaret Bourke White “You have seen their faces”, que retrataba la vida rural americana en la gran depresión, ahora Mayrit pretende hablar sobre la actual crisis.
Dado que después de las revueltas londinenses de 2011 la policía de la ciudad distribuyó panfletos con fotografías en las que aparecían jóvenes que sólo presuntamente habían participado en los disturbios, lo que hace Daniel Mayrit es buscar en internet los rostros de las 100 personas más influyentes de Londres según la revista Square Mile y tratarlos digitalmente para que parezcan tomados por cámaras de seguridad para después exponerlos todos juntos dando la vuelta a la tortilla conceptual.
Es un planteamiento muy interesante pero que incide de nuevo en la falta de creación fotográfica.

 

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P2P, Prácticas contemporáneas en la fotografía española.
Centro Fernán Gómez, hasta el 20 de Julio.

P6044934Algunos de los autores el día de la presentación a prensa

Esta exposición ha sido estructurada en forma de “microexposiciones” de tres autores, siendo esta una clasificación temática.
Los grupos de tres fotógrafos no tienen un título exacto, pero voy a usar los que se utilizan en el blog “Semíramis en Babilonia” pues se acercan mucho a lo expresados por los comisarios y me han parecido muy acertados.

-Uso político de la imagen. 

Tauromaquia, de Julián Barón
Para denunciar el control sobre los ciudadanos ejercido por los gobiernos a través de la policía, el autor trabaja sobre imágenes de prensa fotocopiándolas y dándoles un nuevo significado haciendo que recuerden a imágenes de espectáculos taurinos situando a los agresores y agredidos en ruedos y lugares similares.
Me parece una forma original de hacerlo.

 

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The Fact of distance, de Ixone Sádaba
Dos fotografías de paisajes en blanco y negro, colgadas al revés, no hay más que contar.

 

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Sin España, de Daniel Mayrit
Mayrit repite presencia en exposición, esta vez con imágenes obtenidas a través de la disección de todos los discursos pronunciados por el rey en navidad.
Cada imagen se ha obtenido renderizando el vídeo en cuestión reduciéndolo al color predominante en cada caso, y en el centro de la imagen se ha escrito el sustantivo más pronunciado en el discurso exceptuando la palabra España.
Un interesante experimento historiográfico, pero ¿Fotográfico?

 

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Pequeños actos cotidianos de resistencia
Don Dinero, de Tanit Plana

Este fotógrafo pretende reflexionar sobre la inexistencia real del dinero y para ello ha realizado una serie de fotografías en las que algunas personas interactúan con un billete (Comiendo, defecando o con un comportamiento sexual), todo eso impreso a gran formato y color.No veo en esas fotografías el tema del que el autor pretende hablar, sólo veo imágenes que más parecen el trabajo de alguien que comienza que de un autor que expone en PhotoEspaña, creo que son chabacanas y desagradables.

 

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Sugar Free, de Carlos Sanva
Este trabajo me ha parecido el ejemplo perfecto sobre como las justificaciones conceptuales de muchos autores no coinciden con el resultado final de su trabajo.
Pretendiendo denunciar sobre el poder y sus arquitecturas, el autor ha pegado en paredes de edificios oficiales chicles que él mismo ha masticado pretendiendo de esta forma mostrar su disconformidad.
Perdonen ustedes mi ignorancia, pero me reí mucho con este trabajo.

 

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En todos los lugares, a todas horas, de María Sánchez
En el vídeo mostrado (sí, un vídeo, no una fotografía) la autora muestra como selecciona a un desconocido en el transporte público, le coloca sobre la ropa un pelo propio y lo va siguiendo.
Eso es todo, amigos.

 

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Lo familiar y lo íntimo

Supernova, de Olmo González
Una sucesión de fotografías de muy distinto tamaño sobre la pared formando un patrón que podría recordar a algún mapa estelar. En las fotografías vemos objetos cotidianos e instantes privados de la vida del artista, lo cual impide la comprensión si no se conoce de cerca lo que estamos viendo.

 

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This is Happening, de Román Yñán

http://www.diariosfotograficos.com es una página web donde, en forma de blog, Yñan publica fotografías personales tomadas a su familia, a su entorno más cercano y momentos en apariencia anodinos de su vida diaria.
Ahora algunas de estas fotografías se exponen sobre la pared como un mosaico, más bien un puzle, un juego privado que no carece de interés y que se convierte en una interesante muestra de cómo la fotografía compulsiva nacida de propuestas como instagram puede tener un lugar ganado a pulso en este tipo de muestras.

 

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Konigin der natcht, mother and I, de Javier Marquerie Thomas
La madre del autor fue una intérprete operística que ya se retiró de los escenarios y sobre la figura de esta mujer giran las fotografías expuestas, en blanco y negro, con un tratamiento cercano a la fotocopia.
De nuevo otro autor que trabaja sobre el recuerdo de un progenitor, no cabe duda de que este tipo de proyectos pueden dar mucho juego creativo aunque me empiezo a preguntar si no será el tema de moda.

 

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Construcción vs destrucción / Ruina

Construir, deconstruir, reconstruir, de Nicolás Combarro
Los escombros, los restos de materiales abandonados, poseen para el autor una estética y una memoria y sobre ello opera fotografiando materiales del desmontaje de la exposición anterior en el mismo centro, recortando sus formas y pegándolas sobre la pared como si fueran los propios restos, pero en realidad son fotografías.
Me interesa el planteamiento, mucho, pero no me acaba de convencer el resultado.

 

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Rosetta Project, de Alberto Feijoo
Siguiendo en parte el esquema de Nicolás Combarro, Feijoo utiliza baldosas cerámicas rotas para imprimir fotografías sobre ellas y formar un mosaico en la pared y el suelo.
Mejor la intención que el resultado.

 

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Façades, de Alberto Salván
Personalmetne siento una cierta fascinación por las paredes medianeras de los edificios, enormes lienzos en blanco con mucho que contar.
Salván fotografía estas paredes y después de revelar los negativos, los somete al contacto con las paredes para que se marque en ellos la textura de la pared, después imprime las copias.
En mi modesta opinión, el contacto de los negativos con la pared no aporta nada a las fotografías que de por sí ya son interesantes.

 

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El bodegón clásico frente al collage hoy

Untitled (Photophobia) de Miguel Ángel Tornero
¿Qué vemos en este trabajo? Es fácil, pedazos de gomaespuma, de panel aislante y cinta, es decir, materiales fotosensibles que se han oscurecido en parte por efecto de la luz.
Para Tornero esto es fotografía por el mero hecho de la acción de la luz, bueno, está visto que aquí el que no se consuela es porque no quiere.

 

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Los comediantes, de Íñigo Aragón

Es este un trabajo interesante que funciona alrededor de la representación de la forma humana intentando romper límites y patrones. A caballo entre la fotografía, el collage y en cierto modo la escultura, el resultado es interesante no sólo a nivel conceptual, sino por su potente plasticidad.

 

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La vida suspendida, de Jesús Madriñán
En esta ocasión, Madriñán no expone sus conocidos de clubbers londinenses que le han proporcionado una muy merecida fama sino que recurre a mostrar en forma de bodegones su entorno personal, dentro del cual aparece alguna copia en papel de tales retratos.
Son dos fotografías de factura muy clásica en lo formal pero que van más allá del bodegón tradicional por el tipo de objetos retratados.

 

 

Lo extraño y mágico que hay en la realidad

Antipodesedopitna, de Cristina de Middel
No podía faltar en esta muestra esta autora, la gran revelación de la fotografía española actual por méritos propios pues sus trabajos siempre tienen un gran interés.
En esta ocasión, jugando con la típica broma de mostrar las antípodas neozelandesas como un paisaje boca abajo, retrata esos majestuosos lugares intentando captar su profundidad a través de un espejo que a su vez se refleja en el espejo que hay dentro de la cámara. El resultado es un conjunto de imágenes oscuras que obligan al espectador a realizar un ejercicio de atención para disfrutarlas como merecen pues se trata de un trabajo de gran belleza.

 

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Mediodia, de David Hornillos
Mediodía era el nombre antiguo de la estación de Atocha y es en ese lugar donde se han tomado las fotografías, usando como telón de fondo un muro de ladrillos naranjas y siempre a esa hora del día, al mediodía.
Un reflejo muy interesante de la vida en ese punto de Madrid donde han sido capturado los tipos humanos, los animales, la vida entera que pasa frente a un montón de ladrillos.

 

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The earth is only a little dust under our feet, de Bego Antón
Me ha gustado mucho este proyecto, no sé bien por qué, tal vez porque me ha divertido, tal vez porque me resulta interesante en el fondo.
Parece ser que un 54% de los habitantes de Islandia cree firmemente en la existencia de seres tales como elfos, trolls, hadas y demás. La autora entrevistó a decenas de personas que aseguran poder verlos y recorrió el país buscando sus casas y escondites.
Las fotografías que la fotógrafa tomó de esos lugares y personas se muestran aquí acompañada de objetos muy relacionados con ellos, pero no sólo eso, Bego Antón también ha dejado a su elfo personal para que cualquiera se fotografíe con él usando una cámara dispuesta para ello, o con la suya propia y colgándola en las redes sociales.
El público está interactuando con la propuesta de la autora y poco a poco la pared se está llenando de fotos en las que los visitantes interactúan con el elfo invisible.

 

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La tecnología y la cultura popular

Manual, de Bubi Canal

Fotografías de manos sosteniendo extraños objetos geométricos en blanco y negro.
Que cada cual saque su interpretación.

 

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RPR, de Oscar Monzón
El autor de Karma ahora muestra un vídeo en una gran pantalla donde vemos siluetas de caminantes entrecruzarse en su discurrir y que se mezclan con las siluetas de los visitantes que cruzan delante del proyector.
Todo en conjunto resulta interesante y algo hipnótico.

 

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Bigger and Unique, de Marc Serra
El discurso del autor sobre esta obra pretende incidir en: las propiedades representativas de la realidad y en las habilidades y hándicaps del medio fotoráfico, su supuesta objetividad , las tensiones encuadre/fuera de plano, y la bidimensionalidad de la imagen (SIC). Y todo ello con una fotografía de las que se venden en IKEA sobre otra fotografía de unos focos.
Bueno, pues si el lo dice.

 

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Dominio de la imagen pura

Geometría de ecos, de Carla Andrade
Una sucesión de fotografías se distribuyen sobre la pared de forma en apariencia anárquica. Son paisajes en los que el color blanco es el protagonista.
El resultado no carece de belleza más allá de la motivación formal de la autora.

 

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El Palo, de Alejandro Marote
Sirviéndose de la transparencia de un material como el duratrans, Alejandro Marote superpone fotografías con un tratamiento monocromático, azul y rojo.
Aunque lo fotografiado es reconocible, el resultado se acerca a la abstracción y es ahí donde radica su belleza, en el armónico juego cromático y de formas.

 

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Adora, de Jon Cazenave
Estas tres potentes y muy bellas fotografías muestran el acercamiento de Cazenave al mar cantábrico junto al que vive. La fuerza de las olas queda reflejada en composiciones simétricas sólo en apariencia plasmadas en un potentísimo blanco y negro.
Para mi, de lo mejor de la exposición.

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Y esta ha sido mi modesta opinión sobre las dos exposiciones, no pretendo sentar cátedra, tan sólo mostrar mi punto de vista particular, siempre propenso a errores.

Crónica de PhotoEspaña 2014 (I)

Por fín ha arrancado PhotoEspaña 2014.
En una semana frenética de ruedas de prensa y actos oficiales, el festival fotográfico más importante del país se ha puesto en marcha en una edición dedicada a la fotografía española, al menos en su sección oficial pues la programación de las galerías está cargada de autores extranjeros.
Por lo que ya he tenido ocasión de ver, las exposiciones permitirán al espectador hacer un recorrido por la historia de nuestra fotografía, desde los pioneros hasta los que ya están dibujando el futuro de la fotografía. Hay de todo y para todos los gustos este año y desde aquí iré haciendo una crónica más o menos crítica de aquellas exposiciones o actividades a las que tenga acceso con la esperanza de poder servir de guía o de punto de información a los que deseen lanzarse a la pavorosa y fascinante aventura de perderse en este mar de exposiciones y de fotos, muchísimas fotos.
Sólo en esta semana he visto magníficas fotografías y otras que incluso me hacen dudar de que lo sean, por lo pronto comenzaré hablando de las muestras que recogen las fotografías más antiguas mostradas en PhotoEspaña 2014.

P6044954Acto inaugural en el Jardín Botánico.

Fotografía en España. 1850-1870
(Biblioteca Nacional, Sala de las Musas. Del 27 de Mayo al 14 de septiembre) 

Esta es una exposición pequeña, tanto que puede pasar inadvertida para el visitante pues se encuentra dentro de una de las salas del museo de la Biblioteca Nacional y casi parece parte de la colección permanente.
Son fotografías tomadas por algunos de los pioneros de la fotografía en España (no todos españoles) que tienen un valor documental, histórico y sobre todo testimonial, de la época, del aspecto de España y los españoles en la segunda mitad del siglo XIX y de los usos fotografícos del momento.
Para mi es ahí donde radica todo su interés y que no va mucho más allá de la curiosidad histórica.

 

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Adelaida Fernández Zapatero. Actriz. 1859

JOAN VILATOBÁ
(Museo del Romanticismo) 6 de junio – 21 de septiembre de 2014

Uno de los principales atractivos de las diferentes ediciones de PhotoEspaña es que permite descubrir a fotógrafos interesantes pero desconocidos por el público e incluso por los entendidos, y este es el caso de Joan Vilatobá.
Este autor nacido en Sabadell es uno de los principales pictorialistas españoles. Su obra está condicionada por cuatro temáticas; La figura, el paisaje, las composiciones y representaciones casi teatrales y el retrato de artistas y músicos coetáneos. Sobre esos temas trabajó utilizando sobre todo la técnica del revelado a carbón, lo que acentúa el caracter pictórico de su obra.
Sus fotografías se ajustan a la costumbre coetánea de las escenificaciones grandilocuentes inspiradas por su cercanía al espiritismo y la masonería y de las composiciones eróticas.
Son unas fotografías en las que la luz ha sido domeñada y es casi un personaje más. Sorprende el nivel de calidad alcanzado en las copias y la belleza de las imágenes.
La exposición es pequeña, tan sólo ocupa una sala de reducido tamaño en el museo romántico lo que la hace perfecta para disfrutarla de una forma más íntima.

IMG_0962 Aspecto de la exposición en el museo del Romanticismo

Antoni Arissa.
Espacio Telefónica. 4 de Junio al 14 de Septiembre de 2014.

La decisión por parte de Fundación Telefónica de rescatar archivos fotográficos de la compañía es uno de los más felices acontecimientos para los que amamos la fotografía y vivimos en Madrid, y si le sumamos la tendencia de la entidad  a exponer el trabajo de grandes fotógrafos actuales, el mítico edificio de la Telefónica se convierte en un faro cuya luz hay que seguir con atención.
En esta ocasión, la fundación expone la obra de Antoni Arissa, destacado tipógrafo catalán cuya obra fotográfica es una de las más bellas e interesantes de la temprana historia de la fotografía española.
Esta exposición realiza un recorrido por su obra, comenzando por los primeros tiempos en los que su cercanía al pictorialismo le llevó a crear costumbristas, escenificaciones de niños perdidos en el bosque, contínuas referencias a la inocencia infantil (para lo que uso como principales modelos a sus dos hijas) y demás elementos bucólicos. Sin embargo, ya hay en esas fotografías un avance de lo que llegará a ser, ya se aprecia el uso magistral de las luces y las sombras y de la composición.
Poco a poco, Arissa se fue interesando por la fotografía que se hacía en Europa, se dejó seducir por las vanguardias y las puso en práctica. Comenzó a centrar la temática de sus fotografías en composiciones donde las líneas, la luz y las formas se imponían a las escenificaciones. Ya no recreaba la ficción, sino que retrataba la realidad con un afán documentalista que impregnó todo su trabajo. Aún fotografiaba a sus hijas, pero ahora ellas no actuaban, no representaban personajes, eran ellas las auténticas protagonistas de unas fotografías en las que los juegos de luces y sombras se convirtieron casi en una obsesión.
Antoni Arissa fue un gran tipógrafo y fotógrafo, pero ante todo fue un fabricante de belleza. Es eso lo que he visto en sus fotografías por encima de tendencias o argumentos escénicos, belleza.
Una belleza que se ve resaltada por un excelente montaje expositivo y acompañada por un hermoso catálogo.

 

P6034883Dos fotografías protagonizadas por las hijas del autor

 

Ortiz Echagüe. Norte de África.
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Hasta el 27 de Julio.

De entre todos los fotógrafos reseñados en esta entrada, Ortiz Echagüe es el más conocido pero no así la obra que la R.A.B.A. de San Fernando expone.
Esta muestra, que cuenta como comisario al nieto del autor, Javier Ortiz Echagüe, y que viene auspiciada por el aún no inaugurado Museo de la Universidad de Navarra, ha seleccionado las fotografías que realizó en el norte de África aprovechando su pertenencia al departamento de aerostación del ejército español.
Como todos o casi todos los de su época, Ortiz Echagüe es un fotógrafo pictorialista, pero con un profundo interés documental
Sus fotografías muestran tipos populares norteafricanos y si bien son escenas elaboradas en las que los personajes posan, lo que muestran es un reflejo de la realidad que conoció durante su estancia en la zona. En estas imágenes se adivina ya el germen de los que serían sus trabajos más celebrados; Tipos y trajes (1930), España, pueblos y paisajes (1939), España mística (1943) y España, castillos y alcázares (1956), todos ellos registrados en forma de bellos libros.
Aconsejo la visita a la muestra, sólo si el visitante no necesita un acceso especial por discapacidad ya que, por extraño que parezca a estas alturas, la sala no dispone de ese tipo de accesos.
Desde aquí va mi tirón de orejas a la entidad con el deseo de que sea solucionado lo antes posible.

P6044939Un momento de la inauguración.

PhotoEspaña a punto de despegar

El pasado lunes día 19, el Círculo de Bellas Artes de Madrid albergó el acto de presentación a los medios de PhotoEspaña 2014.

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En un acto sobrio y escueto acompañado de algún vídeo que sirvió como adelanto, la directora del festival, Claude Bussac, glosó las excelencias de esta nueva edición, y a juzgar por lo allí comentado, serán muchas y variadas.
PhotoEspaña 2014, que estará dedicada integramente en su sección oficial a la fotografía española, se presenta como un festival interactivo, cercano a los amantes de la fotografía pero también a los no iniciados, que hará un recorrido por lo más importante de la fotografía nacional, pasada, presente e incluso futura.
Se habló de 108 exposiciones en las que estará presente la obra de 440 artistas, lo cual sin duda dará lugar a que ente el 4 de junio y el 27 de julio, madrid será una fiesta fotográfica, y con Madrid otras ciudades participantes pero en menor medida.

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Además de las exposiciones, se podrá disfrutar de talleres, visionado de porfolios, proyecciones, charlas, concursos y otras actividades que quedarán convenientemente desglosadas en la web oficial del festival.
Dentro de la programación oficial, será sin duda un lujo disfrutar de la obra de Josep Renau, Forcano, García Rodero o el colectivo “La Palangana” entre otros grandes clásicos, y convendrá ver qué se cuece en la fotografía española actual con exposiciones tales como “Fotografía 2.o” o “P2P, Prácticas contemporáneas en la fotografía española” que nos mostrarán lo nuevo entre lo nuevo del arte fotográfico patrio. Y eso sólo es en la sección oficial, pues no hay que olvidar a las muchas galerías que ofrecen una programación alternativa y complementaria con autores de todas las nacionalidades. Es en las galerías donde se hacen los grandes descubrimientos del festival y donde se puede encontrar lo mejor (y a veces lo peor) de la fotografía más actual)
Durante el acto se proyectaron un par de vídeos destinados a ponernos los dientes muy largos a los presentes poniendo en nuestros labios una miel apenas insinuada pero igualmente seductora.
Sin duda este año habrá que estar muy atento a lo que PHE nos ofrezca y desde luego daré rendida cuenta de todo ello en este blog como ya hiciera el pasado año.
Acabado el acto, pudimos tomar una fotografía de grupo de algunos de los fotógrafos cuya obra estará presente en esta edición y reconozco que supuso una satisfacción particular verlos a todos reunidos y poder fotografiarlos.

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Confío en que la ilusión con la que se presenta el festival no se diluya con el visionado de las exposiciones.
El tiempo lo dirá.