Un descubrimiento, Kent Nagayoshi.

Las fotografías de Kent Nagayoshi

Un descubrimiento en Instagram

El fotógrafo del que quiero hablar hoy es alguien del que lo desconozco todo.
Supe de él porque le gustaron algunas de mis fotografías en Instagram. Quise curiosear en su cuenta y me encontré con una colección de fotos que captaron con fuerza mi interés.

Kent Nagayoshi-LaMiradaDePolifemo@ Kent Nagayoshi

Intuyo, basándome en su forma de retratar, que debe ser alguien joven, tal vez sea una de las personas que aparecen en sus retratos de forma recurrente. De hecho no hay más de seis o siete modelos diferentes en los retratos de Kent Nagayoshi.
Hay en cada uno de sus retratos y fotografías algo que tienen en común muchos fotógrafos orientales (Nagayoshi reside en Tokyo según su cuenta de Instagram). La forma en la que se aproxima a la sexualidad de sus modelos, el uso del flash sin concesiones, el componente agresivo de algunas imágenes, todo ello me recuerda a otros autores japoneses pero no hay imitación es su obra, al contrario, todo me resulta muy original.

Kent Nagayoshi-LaMiradaDePolifemo

@ Kent Nagayoshi

Me gustan las poses de sus modelos, tan poco naturales, tan espontáneas en apariencia. Me interesa su forma de componer, el uso que hace de los planos picados y contra picados. Todo en su fotografía es fresco, dinámico, transgresor en cierto modo. Todo es experimentación y juego, mucho juego. Hay un componente lúdico en su fotografía, kent Nagayoshi juega con sus modelos, con los objetos, se divierte y crea.Kent Nagayoshi-LaMiradadePolifemo@ Kent Nagayoshi
Instagram y censura van de la mano, la moral pacata que la red social ha heredado de Facebook censura pezones y admite toda forma de violencia. Para sortear las estrategias de ninguneo y ocultación de usuarios que usa instagram, Kent Nagayoshi cubre pezones y otras partes de la anatomía ajenas al gusto de Instagram. Pero no lo hace con sutileza, con un leve desenfoque o un suave pixelado, sino de una forma notoria, exagerada a veces. Nagayoshi, según me parece a mí, quiere que nos fijemos en esos elementos extraños que aparecen en su fotografía para que no nos olvidemos de son el resultado de la censura, no de su gusto personal.Kent Nagayoshi-LaMiradaDePolifemo

@ Kent Nagayoshi

No he encontrado más referencias en internet sobre kent Nagayoshi que su cuenta de Instagram, aunque lo que he visto ha bastado para captar mi interés. No puedo hacer más que invitar a disfrutar sus fotografías. 

Kent Nagayoshi-LaMiradaDePolifemo

@ Kent Nagayoshi

Enlaces de interés.
Cuenta en Instagram de Kent Nagayoshi
Entradas de “La Mirada de Polifemo” sobre autores orientales.
La mirada rasgada (I)
La mirada rasgada (II)
La mirada rasgada (III)
La mirada rasgada (IV)

Otras formas de ver la fotografía en Instagram

Me reafirmo en mi empeño por defender Instagram como fuente de descubrimientos fotográficos.
Pese a sus muchos inconvenientes de formato, modas, censuras y demás, Instagram no cesa de dar sorpresas fotográficas.

Imagen extraída de @selfieonfilm

Entre las miles de cuentas dónde se muestran fotografías sin más, destacan algunas con un enfoque diferente. Mi intención es reseñarlas según las vaya conociendo. Ni que decir tiene que si alguien conoce alguna agradeceré la aportación.

Street repeat

La copia es cómoda e instintiva. Encontramos un día una fotografía con una composición peculiar, con un uso creativo de la luz o el color, y de forma instintiva tendemos a copiarla, a querer hacer lo que otro hizo antes y le funcionó.

Imagénes extraídas de @StreetRepeat

Somos imitadores por naturaleza, copiamos todo tipo de ideas fotográficas pero tal vez sea dentro del área de la fotografía de calle dónde más patente se muestra este fenómeno.
Cualquiera puede salir a la calle con una cámara y tomar fotos, pero las calles no siempre nos ofrecen escenas inolvidables, así que ¿por qué no tirar del recurso de lo ya visto?.
Y de eso se encarga Streetrepeat, de mostrar estas tendencias dentro de la “street photography” en conjuntos de tres fotografías.

Imagénes extraídas de @StreetRepeat

Siluetas negras contra fondos de color, calles solitarias con un peatón cruzando, columnas de humo que parecen brotar de un sombrero, caminantes cargados con espejos, etc, etc.
Son tantas las ideas copiadas que esta cuenta tiene trabajo para rato, siempre atentos a lo que se cuece en instagram.
Merece la pena echarle un vistazo y aprender de nuestros errores.
Por cierto, tienen también una web muy completa que aconsejo visitar a menudo.

First of the roll

Aunque no lo parezca, hay espacio en Instagram para la fotografía analógica.
Son muchas las cuentas que muestran fotografías nacidas de un carrete, pero en el caso de First of the roll sólo interesa una fotografía de cada carrete, la primera y fallida.

Imagen extraída de @f1rstoftheroll

Los que hemos trabajado con película recordamos lo que ocurría cuando la primera imagen aparecía dividida en dos partes, una bien impresionada y otra que estaba velada porque esa parte de la película asomaba del carrete o por haber sido colocada mal en la cámara.
Entonces desechábamos aquellas imágenes, pero ahora, cuando lo digital nos impone la dictadura de la perfección, aquellas fotografías fallidas cobran un valor especial, el de la belleza que produce el error.
Hay en estas fotografías a medias algo poético. Hay belleza en esas imágenes imperfectas, el azar ha añadido nuevos mensajes y significado a las fotografías.

Imagen extraída de @f1rstoftheroll

Que este canto a la imperfección y el error en la fotografía de carrete tenga 200.000 seguidores es también un acto revolucionario contra la tiranía del píxel perfecto, es una reivindicación de otra forma de entender la fotografía e incluso la vida, menos impecable, más libre. First of the roll es un espacio para la memoria en el que merece la pena perderse.

Selfie on film

Son muchas, como dije antes, las cuentas que muestran fotografía realizada de forma analógica, las que hablan de cámaras o de procesos de revelado, siempre desde la nostalgia y alabanza del pasado.

Imagen extraída de @selfieonfilm

Selfie on film aúna la nostalgia con las tendencias actuales y demuestra que el interés por el auto retrato no es de estos días, sino que desde siempre nos hemos hecho selfies (eso sí, de forma más razonable y menos histérica)

Imagen extraída de @selfieonfilm

Selfie on film muestra los recursos para auto fotografiarse cuando no existían los dichosos palos de selfie ni las cámaras tenían objetivos por delante y detrás. Casi siempre con espejos y muchas dosis de creatividad.
En fin, un divertimento para entender que no hemos cambiado tanto.

Enlaces de interés.
Street Repeat en Instagram.
Street Repeat web.
First of the roll.
Selfie on film.

Vamos a contar mentiras (I)

La fotografía es el arte de la mentira, la sublimación de la manipulación como forma de arte disfrazada de realidad. Los fotógrafos mentimos cada vez que tomamos una fotografía, da igual si es un retrato artificioso o la documentación de un acontecimiento periodístico.
Pese a lo que mucha gente puede pensar, la capacidad de una cámara de atrapar lo que tiene frente a ella no implica que el resultado sea un reflejo fidedigno de la realidad. Encuadrar es mentir, así como elegir un punto de vista, una lente, blanco y negro o color. Mirar por el visor o en una pantalla implica seleccionar, aislar una parte del mundo para convertirlo en nuestra obra personal en la que sólo se mostrará lo que al fotógrafo le interese, nunca será una representación objetiva sino una elección y una selección, por lo tanto también habrá eliminación, exclusión.
Un fotógrafo, incluso el documentalista más ortodoxo, no es un testigo sino un narrador que cuenta las historias que le apetecen.

T07235_10Esquema preparatorio de una fotografía de Jeff Wall

Esto es obvio para algunos y escandaloso para otros, sobre todo para los neófitos. Me suele ocurrir con los alumnos que a principio de curso no entienden esta premisa y la rebaten a capa y espada hasta que en algún momento abren los ojos para darse cuenta de que la fotografía es mentira, pero es una mentira maravillosa, fascinante, porque a veces su disfraz de realidad es tan inteligente que supone un desafío intelectual desprenderse de la seducción de una imagen para ver hasta que punto es un artificio. Ocurre esto con toda la fotografía, incluso con las fotos de prensa más neutrales, pero cuando más apasionante resulta es cuando el fotógrafo ha buscado el engaño, o más bien el juego, la seducción del espectador a través de una verdad que esconde una ficción.
Han sido y serán muchos los fotógrafos que se han valido de la recreación o la falsificación del mundo para crear obras con aspecto de instantáneas, engaños no disimulados pero muchas veces difíciles de discernir sin una información previa. Los motivos que les han llevado a tomar tales caminos fotográficos son variados y siempre interesantes, pero sobre todo es la obra de esos autores lo que seduce y deslumbra, así que mejor paso a hablar de algunos de ellos, los más importantes o al menos lo que a mi más me interesan, que ya está bien de preámbulos.

Jeff Wall

Nacido en Vancouver en el año 1946, Jeff Wall es tal vez el ejemplo más representativo de la impostura fotográfica convertida en arte.
Sus fotografías, que se inscriben dentro de una corriente conocida como fotoconceptualismo, obedecen a cuidadas planificaciones en las que cada elemento de la fotografía ha sido meticulosamente preparado para producir la sensación de ser una instantánea, aunque en ocasiones esas instantáneas posean algún elemento discordante con la realidad.
Sus fotografías suelen tener un formato grande, unos 2 x 2 metros y se presentan montadas sobre cajas de luz. Al parecer esta idea le vino en un viaje en autobús entre España y Londres al ver un gran anuncio publicitario.
Wall trata en sus fotografías temas de carácter social, com0 en su famosa obra Mimic, de 1982, y muchas veces son en realidad escenificaciones de escenas que él presenció pero que no pudo o no quiso fotografiar. Es este uno de los aspectos más fascinantes del trabajo de Jeff Wall, la reconstrucción de la realidad de forma artificial.
Parece ser que el interés por las recreaciones a gran tamaño le viene de su infancia, cuando admiraba las reproducciones de autores como Rembrandt o Brueghel y las dibujaba y pintaba. Después de dibujar a los grandes de la pintura, comenzó a dibujar las imágenes del libro The Americans, de Robert Frank y eso le llevó a la fotografía, tal vez impulsado por la colección de cámaras de su padre.
Cualquier neófito que desconozca el método de trabajo del fotógrafo, al contemplar una de sus obras puede pensar que se trata de una instantánea. Por ejemplo en la famosa Mimic, en la que podemos contemplar una escena situada en algún suburbio norteamericano y en la que vemos algo sencillo pero cargado de significado; Una pareja (ambos blancos) pasa junto a un hombre asiático. Ambos tienen aspecto de ser de clase trabajadora, sin embargo, el hombre de la pareja mira al asiático (Cuyas ropas lo sitúan en la clase media) con un gesto de odio reforzado por un gesto mientras que ella aparta su mirada para otro lado.
Una escena sencilla compuesta con minuciosidad para transmitir un mensaje y que, seguramente, es el trasunto de una escena contemplada en vivo por Jeff Wall.

Mimic © Jeff WallMimic © Jeff Wall

En Ocasiones, la escena captada es tan perfecta que puede dar lugar a confusión en el espectador que ignore el método de trabajo del autor, llegar a sembrar la duda. Se me ocurren dos fotografías que entrarían en esta categoría; Milk y A sudden gust of wind after Hokusai, ambas escenas perfectas, tal vez demasiado, calculadas en la toma e incluso en postproducción digital, al menos en la imagen basada en Hokusai.

milkMilk © Jeff Wall

Un repentino golpe de vientoA sudden gust or wind after Hokusai, © Jeff Wall

Katsushika HokusaiY la obra en la que se inspiró:  Viajeros sorprendidos por una brisa repentina en Ejiri, © Katsushika Hokusai (1832)

Pero a la obra de Jeff Wall no siempre se asoma la reproducción fidedigna de la realidad, sino que en ocasiones hay un elemento extraño pero insertado con toda naturalidad. Como la obra Tumba Inundada en la que rellenó una tumba vacía con todo un ecosistema marino, pero eso ya no entra en la temática de este artículo.

Tumba inundada, © Jeff Wall

Charlie White

Basta con echar un vistazo a la web de este autor para comprobar que se trata de un creador ecléctico con una obra muy desigual. A mi me interesa, o al menos se aviene a los intereses de este texto, su serie titulada: Everything is American, que no sólo es la que más tiene que ver con el tema del que quiero hablar, sino que es su mejor trabajo con diferencia.
Si bien había coqueteado con las escenificaciones fotográficas en series tales como Understanding Joshua o In a Matter of Days, en ambas la ficción resultaba patente, mientras que en Everything is American, esta queda relegada a un segundo plano.
Con esta serie, White pretende reflexionar sobre el fin del sueño americano y para ello fija su interés en episodios lamentables de la historia de los Estados Unidos en los que la sinrazón y, sobre todo, la violencia, echaron al traste la ilusión de una nación perfecta. Pero Charlie White no se limita a recrear tales momentos negros de la historia de su país, sino que crea alegorías de un gran interés fotográfico ya sea en la resolución plástica y técnica de las imágenes que es impecable, como el desarrollo conceptual de cada una de ellas.
Hay varias imágenes en las que lo irreal, en forma de alusiones a determinados mitos, irrumpe sin dar lugar a la duda, pero otras hacen que el espectador les dedique más de una mirada ante la duda que plantean. Al menos el espectador que no esté al tanto del proceso de trabajo de este fotógrafo.
Las fotografías en las que la ficción resulta más patente serían; Champion, Homo Habilis y Patrimony (Donde el autor se autoretrata), magníficas e inquietantes imágenes.

ChampionChampion © Charlie White

Hay otras donde la duda se asoma como puede ser Granddaughter y Tate-Labianca (Una reflexión sobre el episodio de las brujas de Salem). Esta última es una imagen inquietante y potente que igual puede ser el fotograma de alguna película como una instantánea real.

Manson1Tate-Labianca © Charlie White

El resto de imágenes plantean recreaciones minuciosas de realidades que no existieron pero que hablan de otras realidades en un juego conceptual de gran interés.
The Americans: Us Gymnastics Team, a pesar de su teatralidad muestra una escena inquietante que nos hace sentir compasión por la niña lesionada y reflexionar sobre la competencia entre deportistas observando la reacción de sus compañeras ante lo que intuimos que acaba de ocurrir.

white_350 The Americans: Us Gymnastics Team © Charlie White

Por el contrario, Jody es pura naturalidad, un retrato inocente en apariencia pero igualmente inquietante de una niña con una pequeña cicatriz en el rostro que dispara nuestra imaginación hacia escenas de violencia infantil o de algún tipo de agresión sexual.

Jody1Jody © Charlie White

The Americans: US Armed Forces presenta una escena en la que se muestra a dos soldados armados, tal vez en algún cuartel o en algún país en guerra. Es una escena sencilla, uno de ellos parece un prototipo de Marine, un G.I. Joe, mientras que el otro, sentado en el suelo, tiene la fiebre cubierta de sudor y un gesto de inquietud. En el suelo se pueden adivinar manchas de color rojo. No hay más, pero la reflexión sobre el el comportamiento militar de los Estados Unidos queda en el aire.
Jonestown es una impresionante imagen que recrea un momento trágico de la historia de Norteamerica, el 18 de noviembre de 1978. Todos los seguidores del reverendo Jim Jones, en su campamento de Guyana y los 911 integrantes del llamado Templo del Pueblo se envenenaron con zumo de uva mezclado con tranquilizantes y cianuro, muriendo en un suicidio colectivo.
La fotografía muestra a una familia (Padre, madre e hija pequeña) abrazados, llorando, con los vasos de zumo en la mano, no queda claro si han bebido o van a beber, pero el dramatismo es tan grande que produce escalofríos. Es una toma perfecta, como las demás, en las que nada ha sido dejado al azar. Cada gesto, cada pliegue de la ropa o cada gota de sudor han sido minuciosamente estudiados y medidos.

jonestownJonestown © Charlie White

1957 es una fotografía que parece extraída de cualquier película sobre los jóvenes ociosos de los años cincuenta. Pero, en realidad, es una reflexión aguda sobre una generación entregada al ocio y que ya coqueteaba con los excesos que serían la nota dominante en las siguientes décadas, la calma que precedió a la tempestad.

Everything is American, de Charlie White1957 © Charlie White

Richard Prince

Nacido en 1949 en la Zona del Canal de Panamá, Prince es un pintor y fotógrafo cuyo trabajo siempre ha estado rodeado de polémica, o al menos ha sido motivo de discusión.
Tras sus comienzos como creador de collages consiguió la fama realizando algo que nadie había osado hacer. Prince es un falsificador de la realidad, como el resto de fotógrafos de esta entrada, pero en su caso no hay escenificaciones ni recreaciones pues sus “refotografías” son fotos de otras fotos que, aisladas de contexto, adquieren nuevos sentidos.
Su obra Untitled Cowboy fue la primera fotografía en alcanzar un millón de dólares en una subasta, e trataba de una fotografía tomada a uno de los célebres anuncios de Marlboro en los que, al desaparecer el texto y el contexto de la fotografía, el espectador cree encontrarse ante una imagen de libertad y masculinidad en las praderas norteamericanas.

La-mirada-polifemo-richard-prince-3 © Richard Prince, a partir de una fotografía de Sam Abell

No sólo en esta fotografía utilizó Prince el recurso de fotografiar lo que otros hubieron fotografiado, desde entonces a lo largo de su carrera la polémica le ha acompañado con otras series como Girlfriends en las que vuelve de nuevo a fotografiar revistas, esta vez centrándose en chicas jóvenes y atractivas sobre motos y varias series más.
En el año 1983 realizó su obra Spiritual América sobre una obra a su vez de Garry Gross en la que se podía ver a Broke Shields a la edad de diez años de pie en una bañera aludiendo así a la precocidad sexual y a una fotografía de Alfred Stieglitz de la que tomó el título. Todo esto devino a una pelea en los tribunales contra la madre de Shields que dio lugar a reflexiones sobre el llamado apropiacionismo y sobre los derechos de autor.

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Spiritual América © Richard Prince, reproduciendo una foto de Garry Gross

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Spiritual América, la fotografía de la que tomó su nombre Garry Gross para la suya © Alfred Stieglitz

Hace muy poco tiempo, Prince se ha vuelto a poner de moda al vender, por la nada desdeñable cantidad de 90.000 dólares, autoretratos obtenidos de Instagram.
Es el mismo discurso, el cambio de contexto y la obra nueva a partir de otra, pero en este caso creo que la originalidad de sus fotografías a las fotografías de Sam Abell para los anuncios de Marlboro y la ruptura que en su día supusieron se ha perdido en pos de la fama a costa de lo que sea, aunque sea del desprecio.
No entro en el debate, que cada cual saque sus conclusiones.

Hay más autores de los que quiero hablar, pero para no hacer esta entrada farragosa y pesada, publicaré una segunda parte en breve.

Enlaces de interés:
Sobre Jeff Wall
Web de Charlie White
Web de Richard Prince