La mirada rasgada (III)

Comencé a escribir sobre fotógrafos orientales con intención de elaborar un par de entradas, pero la gran demanda que esta serie ha tenido y lo mucho que estoy aprendiendo al documentarme me lleva a continuar escribiendo estos textos.
Vamos a por el tercero.

Hisaji Hara

Balthasar Kłossowski de Rola (1908-2001), más conocido como Balthus, realizó en los años treinta una serie de cuadros en los que mostraba a jóvenes mujeres en posturas cargadas de erotismo. Estos lienzos, en especial el titulado “La maestra de guitarra” que mostraba sexo entre mujeres, escandalizaron a la sociedad de su época y encontraron un hueco en la historia del arte. Eran cuadros tan bellos como turbadores, intencionadamente  provocadores que dieron pie a otros artistas para dar el paso que el arte necesitaba.
Hisaji Hara nació en Tokio en 1964, cincuenta y seis años después de Balthus, cuando el arte había superado prejuicios y andaba algo más libre de tapujos, sin embargo optó por basar usa obra en interpretar la obra de Balthus en forma de fotografías.
Las fotografías de Hara reproducen de una forma casi literal los cuadros de Balthus pero en este caso sus protagonistas son escolares japonesas que visten el típico uniforme de marinera.
Si bien las fotografías de Hara reproducen los cuadros, las posturas y actitudes de sus protagonistas son las mismas, hay en estas una candidez que, lejos de inocente, otorga un carácter más perverso a las imágenes. Las mujeres de Balthus, aunque púberes, tienen el rostro de adultas desinhibidas. Las modelos de Hisaji Hara son preadolescentes que tanto nos parecen protagonistas inocentes de antiguos daguerrotipos como modernas dominatrix.
De nuevo en un fotógrafo japonés el morbo erótico es el protagonista y siempre presentado justo en el límite entre lo políticamente correcto y algo más oscuro.

balthus-hara1 balthus-hara2© Hisaji Hara y Balthus

Daisuke Yokota

Encuentro en este fotógrafo la esencia de lo que me fascina de los fotógrafos asiáticos; la extrañeza, el paso incierto entre lo establecido y lo novedoso, la mirada subjetiva y personal que va un paso más allá.
Sus fotografías, siempre en blanco y negro, reciben un tratamiento que las ensucia, las simplifica y embrutece dándoles un aspecto cercano a fotocopias (De hecho la fotocopiadora es uno de los instrumentos de los que se sirve), pero no por ello son menos bellas, al contrario, su carácter misterioso, como encantado, las hace atractivas y seductoras.
De sus series, me interesa especialmente su serie “nocturnas”, en ellas encuentro ese punto de rareza, la visión particular de la realidad que los artistas orientales tienen.
Son estas fotografías de paisajes anodinos tomadas con cámaras ditigales y sometidas a un proceso complejo y peculiar; Después de la toma la imprime y fotografía esa copia con película de color en formato 6×7. El revelado posterior altera los tiempos de exposición comunes y usa agua caliente. Este proceso se repite muchas veces, alrededor de diez.
Su intención es transmitir en imágenes los efectos sonoros de la música electrónica, el eco o la reverberación.
No sé si conseguirá transmitir sensaciones tan complejas, pero sin lugar a duda sus imágenes son potentes y evocadoras.

01© Daisuke Yokota

daisuke-yokota-backyard-21© Daisuke Yokota

site_17-700x526© Daisuke Yokota

Sachiko Kawanabe

La fotografía de Kawanabe responde al arquetipo de mujer japonesa casi aislada del mundo para recluirse en el suyo propio.
Las suyas son fotografías sencillas pero potentes, intimistas, un catálogo de instantes de la vida rural japonesa que parece más sacado de una película de Miyazaki que del mundo real.
Hay algo oculto en sus imágenes que va más allá de la mera fotografía, es lo que narra por encima de la imagen en sí. En sus fotos, tomadas sobre todo en los alrededores de su casa paterna, habla de la relación con su madre y de como nadie puede estar solo en el mundo pues todos tenemos un vínculo que nos ata a otros, aunque sea el mero hecho de tener padres o serlo.
Es cierto que sus fotografías entroncan dentro de la tendencia algo hipster de fotografiar lo que cotidiano y que parecen influenciadas por las modas de instagram y similares. Pero basta con darse una vuelta por su página web para encontrar algo más, algo sutil, casi escondido, que las hace diferentes.

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© Sachiko Wakanabe

040_82bb82cc011© Sachiko Wakanabe

060ts004© Sachiko Wakanabe

Weng Peijun (Weng fen)

El hombre destruye y el hombre construye, aunque en ocasiones lo construído por el hombre parece llevar a la destrucción. Sobre esta paradoja se diría que se crea la obra de Weng Peijun, conocido como Weng Fen.
El fotógrafo nacido en Hainan (China) en el año 1961, centra su obra fotográfica en el retrato de gigantescas construcciones tan características del crecimiento urbanístico que el capitalismo a producido en China. Pero al contrario de como lo pudieran hacer autores tales como Jason Hawkes, Peter Stewart o Edward Burtynsky, limitándose a los retratos asepticos de las nuevas construcciones, Weng fen antepone siempre a los edificios la figura humana.
Personas en primer plano, siempre, en todas sus fotos, generalmente mujeres jóvenes, representaciones de la inocencia frente a la megaconstrucción. El hombre contemplando su obra, como un moderno Frankestein orgulloso por haber creado, temeroso por las consecuencias de su creación.
Sus figuras aparecen en primer plano, junto a algún tipo de muro que las separa de la megalópolis. Muros generalmente de colores abigarrados que contrastan con la uniformidad cromática de los edificios.
Unas fotografías que inducen a la reflexión, por su belleza, por su tratamiento formal y por el mensaje que transmiten.


on+the+wall-haikou+2© Weng Fen

on+the+wall-haikou+5© Weng Fen

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© Weng Fen

Masao Yamamoto

Yamamoto, nacido en 1957 en Gamagori (Prefectura de Japón de Aichi) trabaja creando pequeñas fotografías que pretenden ser únicas no sólo por lo que muestran, sino por su condición de objetos.
La formación de Masao Yamamoto es como pintor al oleo y la forma de trabajar de un pintor es la misma que sigue a la hora de realizar sus fotografías. Intenta crear imágenes que evocan recuerdos, que sugieren más que mostrar de forma explícita, pinceladas de haluros de plata.
La influencia de su formación como pintor no se queda ahí, además, trabaja con las texturas, realiza virados con materiales como el té, pinta sus fotografías o las rasga.
Con este procedimiento, sus imágenes de paisajes, desnudos o bodegones acaban por ser obras de arte independientes, y todas de un gran valor artístico.
La forma en la que se enfrenta a la composición y elección de motivos, así como el uso de la luz y del blanco y negro o el pequeño tamaño de sus copias finales, entroncan de forma directa con el arte tradicional japonés. Cualquiera puede distinguir en sus fotografías una mirada asiatica, antes incluso de conocer la procedencia del autor.

23472A-e1352286691323© Masao Yamamoto

231529© Masao Yamamoto

Captura de pantalla 2015-04-11 a las 17.39.36© Masao Yamamoto

 

Y con esto termino esta entrada sobre fotógrafos orientales mientras preparo la siguiente.

Enlaces de interés:
Hisaji hara
Daisuke Yokota
Sachiko Wakanabe
Weng Fen
Masao Yamamoto

 

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La mirada rasgada (II)

En esta entrada continúo con mi selección de aquellos autores orientales cuya mirada me parece sustancialmente diferente de la de los fotógrafos occidentales.

Wenxin Zhang.

Zhang es una fotógrafa china que vive a caballo entre su país de origen y la ciudad de San Francisco. La vida entre la ciudad Norteamericana y China obliga a la autora a realizar contínuos viajes en los que se repiten escenarios y situaciones.
Esta situación hace que ella se vea como si estuviera dentro de un acuario y fuera un pez obligado a realizar siempre los mismos desplazamientos y observar el mismo paisaje. De eso habla en su serie “Cinco Noches, Acuario” en la que intercala fotografías con textos breves sobre sus experiencias en esos viajes.
El mundo que retrata Wenxin Zhang tiene el punto de extrañeza que para el habitante de un acuario debe tener todo lo que hay más allá de sus paredes de cristal. Son fotografías frías, extrañas pero a la vez sensuales, poéticas, con un pie en la realidad y otro en lo imaginado. El resultado es tan inquietante como mágico.

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© Wenxin Zhang

kid 012© Wenxin Zhang

Yusuke Sakai

Este fotógrafo japonés es un auténtico obseso de la forma y la composición. La geometría no sólo está presente en toda su obra, sino que llega a ser el motivo principal e incluso único.
Fascinado por las composiciones basadas en el ritmo visual y en los efectos geométricos, Sakai fotografía las calles con la mirada de un delineante o un arquitecto más que la de un fotógrafo.
Su serie de fotografías titulada “Points of view” es un trabajo obsesivo empeñado en integrar a los viandantes dentro de la geometría urbana. Otras series suyas como “Salaryman Blues” o “Lights” tienen un planteamiento más conceptual, peor la obsesión por la geometría sigue presente en cada una de sus fotografías.

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© Yusuke Sakai

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© Yusuke Sakai

Lieko Shiga.

Las fotografías de esta fotógrafa japonesa no sólo me desconciertan, sino que también me inquietan, incluso podría decir que me dan miedo.
Sus experimentos formales con la luz y el color, más allá de consideraciones técnicas (Muy importantes en este caso) tienen algo onírico más cercano a las pesadillas que a otro tipo de ensoñaciones. Y no se trata de que lo que ella retrate sean escenas aterradoras, no hay fealdad en sus fotografías, o al menos no de forma generalizada, pero hay algo que está más cercano del reino de Morfeo que del de el ser humano.
Miro sus fotografías y no sé de qué hablan ni cómo han sido tomadas, no sé si me quiere contar algo o no, pero tengo claro que me atraen del mismo modo que las habitaciones oscuras atraen a los niños, por la fascinación que ejerce lo que desconocemos por encima del riesgo inherente a ese desconocimiento.
Su trabajo cautiva, inquieta y perturba a un tiempo. ¿Se le puede pedir más a una artista?liekoshiga

© Lieko Shiga

liekoshnga© Lieko Shiga

Fan ho

Dada la tendencia de muchos redactores a repetir esquemas, Fan Ho suele aparecer etiquetado como el Ansel Adams de Hong Kong y sobre todo como el Cartier-Bresson Chino.
Ambas comparaciones no son erroneas pero a mi juicio son incompletas. Con Ansel Adams, Fan Ho comparte el dominio del blanco y negro, pero poco más, mientras que con el fundador de Magnum la cercanía es mayor, no tanto por el interés de ambos en la búsqueda del instante decisivo, sino por que ambos son unos maestros de la composición fotográfica.
Fan Ho, nacido en Shangai en 1932, es un cronista de la vida en las calles de Hong Kong. Refleja instantes cotidianos cargados de belleza pero más que buscar momentos únicos o escenas de interés se interesa en componer sus fotografías de forma obsesiva. SIn llegar a los extremos de Yusuke Sakai, ya mencionado antes, la simetría y la geometría juegan un papel importante en sus fotografías, pero con el añadido de mostrar la vida en las calles, de reflejar el devenir diario de los habitantes de una ciudad durante años. Cada una de sus fotografías es una impresionante obra de arte donde la luz y la composición se unen para crear belleza.
En ocasiones, Fan Ho juega con las múltiples exposiciones dando lugar a imagenes casi dadaistas.
Fan Ho es una personalidad dentro de la fotografía a nivel mundial, por los premios recibidos y las exposiciones realizadas, pero además es un excelente director de cine.

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© Fan Ho

Miyako Ishiuchi

Ishiuchi fotografía cicatrices. Las heridas que el paso del tiempo produce sobre los materiales, sobre la tierra, sobre las personas, son el tema recurrente de su fotografía.
Esta fotógrafa estudió extiles en la universidad y empezó a hacer fotografía en 1975, y seguramente por eso la ropa sea uno de sus motivos principales, la ropa vieja, maltratada y ajada por el tiempo. Pero también los rastros de la edad sobre la piel o las cicatrices quirúrgicas, los signos de la edad sobre cualquiera de sus motivos.
Al igual que otros fotógrafos japoneses, como puede ser el caso de Daido Moriyama, Ishiuchi utiliza para sus fotografías en blanco y negro el llamado estilo are-bure o grano-desenfoque. Son fotografías muy contrastadas, con un grano de gran tamaño y en las que las zonas negras empastadas tienen un protagonismo especial. En sus fotografías a color los tonos aparecen saturados y el contraste es elevado.
Entre sus trabajos, tal vez el más destacado sea “Mother’s – traces of the future” del que se sirvió para llenar el pabellón de Japón en la Bienal de Venecia de 2005 con fotografías y vídeos de su madre pero sobre todo de su ropa y objetos personales.
Su fotografía es triste porque nos constata el inexorable paso del tiempo y el efecto que este produce, pero no por eso exenta de belleza plástica.

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© Miyako Ishiuchi

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© Miyako Ishiuchi

Finalizo esta segunda entrada sobre fotógrafos asiáticos, pronto habrá una tercera.

Enlaces de interés:
Wenxin Zhang
Web personal
Artículo en Fraction Magazine
Yusuke Sakai
Web personal
Lieko Shiga
Web personal
Fan Ho
Web personal
Miyako Ishiuchi
Artículo en el blog “Ojos Caleidoscopio”
Entrada en Wikipedia